Runaways

Creado por Brian K. Vaughan y Adrian Alphona

Sello: Marvel Comics

Fecha de lanzamiento: Abril de 2003

"¡Traten de no morir!"

Ese es el grito de batalla del grupo protagonista de uno de los productos más espléndidos que haya salido de la Casa de las Ideas en los últimos tiempos. "Runaways" nació como parte de la sub-divisíón marveliana "Tsunami", con la cual el gigante de los comics apuntaba a atraer a un público más familiarizado con el manga japonés. Pronto, sin embargo, se decidió que la creación de Brian K. Vaughan (escritor de cómics como "Y: The Last Man", "Ex-Machina" y co-guionista ocasional de la serie de TV "Lost") y el dibujante Adrian Alphona era digna de entrar a las grandes ligas.

¿Y qué es lo que tiene "Runaways" que lo hace excepcional? Pues lo mismo que suele hacer excepcionales a los comics (y a las series de TV, las películas y los videojuegos, entre otras cosas): unos guiones simplemente soberbios, llenos de diálogos excelentes (llegando por momento a recordar a películas de Quentin Tarantino por momentos) y la innovación que trae al Universo Marvel tocando temas íntimos que los Vengadores y demás super-grupos no tocan (y es que difícilmente pueden entre guerras civiles e invasiones secretas).

"Cuida el medio ambiente, compra autos híbridos."

La trama plantea una cuestión simple: la mayoría de los adolescentes suelen decir, en algún momento, que sus padres son malvados. Pues los de estos chicos de Los Angeles literalmente lo son. Alex Wilder, Nico Minoru, Chase Stein, Molly Hayes, Karolina Dean y Gertrude Yorkes se ven una vez cada año cuando sus padres, exitosas personas de negocios, ingenieros, médicos y hasta actores de Hollywood se reunen en la casa de uno de ellos. Los chicos no son demasiado unidos, y les importa poco lo que hacen sus padres.

Ha llegado el momento de otra reunión, esta en casa de los Wilder, sólo que esta vez los chicos ven la verdad. Por aparente casualidad son testigos del momento en que sus padres, vestidos con ropas como las que usaría un superhéroe, asesinan a una chica en medio de una especie de ritual. Los chicos huyen, decididos a entregar a sus padres a las autoridades, pero pronto se hace evidente que sus padres, que se autodenominan "The Pride" (El Orgullo), no es sólo un grupo de adoradores satánicos, sino además son la fuerza invisible que gobierna toda Los Angeles. Más importante aún, los chicos descubren que sus padres (y ellos mismos) son especiales, cada uno con distintas habilidades o poderes que de alguna u otra forma fueron heredados por su prole.

Los skrull lo tienen todo tan fácil.

La serie trata los temas clásicos de la ficción sobre adolescentes: amor, tristeza, enojo, sensación de rechazo, y demás. Pero lo hace de una forma fresca, adaptándo estas problemáticas al Universo Marvel en vez de tratar de hacer que la historia gire en torno a estos dramas. Además se introducen problemas más adultos a medida que la historia va avanzando, y aunque siempre tenemos definido quiénes son los protagonistas y quiénes los antagonistas, nunca deja de haber cierto velo de ambiguedad en las acciones de uno u otro bando, en mayor o menor medida.

Temas espinosos como la homosexualidad y el abuso sexual infantil también son visitados en la serie; nunca había visto en otro comic que el tema de la homosexualidad (el lesbianismo, para ser más específico, que evidencia una de las integrantes del grupo) tan abiertamente, y es un verdadero respiro de aire fresco que no se intente subestimar al target del comic.

Y pasando al otro lado de la moneda, el humor ácido y sarcástico del comic, entregado por medio de unos diálogos deliciosamente ingeniosos cargados de dobles sentidos y referencias a la cultura pop (eso sí, siempre dentro del contexto de la trama, sin referenciar sólo por referenciar) es otro de los rasgos que distigue a esta obra. Y todo sin recurrir a obviedades ni frases hechas. Digo, una de las referencias más regulares del comic es a una película de Frank Capra...Dios, es lindo sentir que se respeta la inteligencia del lector. Junto con "Kick-Ass" de Mark Millar, "Runaways" es en mi opinión uno de los comics mejor escritos de la actualidad, con personajes que hablan como, me imagino, hablarían los adolescentes en un filme de Tarantino. Y es que el comic, luego de que el laureado Vaughan decidiera apartarse de escribirlo, pasó por nombres tales como Joss Whedon (creador de "Buffy la Cazavampiros" y escritor de "Astonishing X-Men", una de las encarnaciones más celebradas de las aventuras de los discípulos de Charles Xavier) y Terry Moore. Actualmente la serie se encuentra en manos de la relativamente desconocida Kathryn Immonen.

Es interesante también la forma en que se aparta de lo común en cuanto a estructura y aspectos con los demás títulos de Marvel. Los chicos forman un grupo de vigilantes, pero sin un nombre (cada grupo de héroes o villanos del Universo Marvel tiene un nombre, desde Los Vengadores hasta Excelsior o los Thunderbolts); no se llaman a sí mismos Runaways, no se equivoquen. Los nombres clave y los disfraces tampoco se ven aquí. Es un grupo de chicos normales, con poderes, por paradójico que suene; no son superhéroes, su grito de guerra, como bromea Nico en un momento, es "traten de no morir", y a veces llega esa orden llega a no ser cumplida.

Nico Minoru: la única chica del mundo que puede

extraer un báculo de su cuerpo...con magia, claro.

Si no han oído hablar antes de "Runaways"...pues lean más, la lectura es un infalible camino a la comunicación. Si creen que todo lo que no lleve el nombre del Capitán América u otro de los grandes nombres no merece la pena, bueno, no creo que hayan podido juntar el interés suficiente para llegar hasta esta parte de mi pequeño texto. Si son seres pensantes y se sienten atraído por esta obra, pues pónganse en campaña en este mismo instante y consigan el comic.

Garantizado, no se van a arrepentir. Ahora vayan, ¡VAYAN! ¡Vuelen, mis criaturas!

Terminator Salvation (2009)

Una película de McG

Producida por Derek Anderson, Moritz Borman, Chantal Feghali, Victor Kubicek y Jeffrey Silver

Escrita por John Brancato y Michael Ferris

Fotografía de Shane Hurlbut

Música de Danny Elfman

Elenco: Sam Worthington, Christian Bale, Anton Yelchin, Moon Bloodgood y Bryce Dallas Howard

Escasez de antioxidante

Si me hubieran dicho a principios de este 2009 que la nueva película de la franquicia Terminator me dejaría un mal sabor de boca, honestamente no les hubiera creido. Y es que junto a "Watchmen", esta era una de mis películas más esperadas del año. Todo indicaba que iba a tratarse de un acontecimiento de gran magnitud, que iba a encantar tanto a crítica como a público, y que el cambio de registro para el director McG  (cuyo cortísimo nombra artístico ya había adornado las carteleras de los dos filmes de "Los Ángeles de Charlie") lo iba a hacer un director respetado en el circuito. 

A esa impresión contribuyó una buena campaña de marketing con trailers espectaculares y un elenco compuesto por luminarias como un Christian Bale que disfrutaba del fresco éxito de "El Caballero Oscuro", un Sam Worthington que prometía (y aún promete) ser una de las nuevas grandes estrellas, y grandes nombres como Helena Bonham Carter ("Harry Potter y el Príncipe Mestizo") y Bryce Dallas Howard ("La Aldea") entre las presencias secundarias. Eso sin contar un guión que pasó por manos de gente como Paul Haggis ("Crash") y Jonathan Nolan ("El Caballero Oscuro") antes de ser terminado. La expectativa era increíble y recuerdo que yo mismo creía que se iba a tratar del "The Dark Knight" del 2009. Y una vez más el destino me pone en evidencia, cuando el filme resulta ser un espectáculo simplemente olvidable.

       

La versión infernal del conejito de Duracell.

Marcus Wright (Sam Worthington) está a punto de cumplir su condena a muerte por injección letal cuando acepta donar su cuerpo a Cyberdyne Industries para investigación médica. Es el año 2003, un año antes del Día del Juicio en que la I.A. conocida como Skynet se vuelva conciente y lance un ataque nuclear mundial. 15 años después de la ejecución, sin embargo, y tras un fallido ataque de la resistencia a una base de Skynet liderado por John Connor (Christian Bale), Marcus emerge, totalmente desorientado, y camina hasta llegar a lo que alguna vez fue Los Angeles, donde se encuentra con una chica muda y un joven que se identifica como Kyle Reese (Anton Yelchin). El trío entonces decide buscar una forma de unirse a la Resistencia mientras esta se prepara para lanzar un ataque sobre la base de Skynet en San Francisco para ponerle punto final a la guerra.

La película sufre de un guión que simplemente está demasiado cargado para ser atractivo. Tantas cosas ocurren que al final uno termina sin recordar demasiado. Leyendo por ahí averigué que originalmente la película iba a concentrarse casi totalmente en el personaje de Marcus Wright y su cruzada por proteger a Kyle Reese, quien como ya sabrán los que vieron el filme original de James Cameron, es el padre de John Connor (o lo será cuando regrese al pasado a proteger a Sarah Connor); John Connor sólo iba a hacer una breve aparición. Y creo yo que hubiera funcionado mucho mejor así. El Connor de Christian Bale es demasiado unidimensional, y uno jamás podría identificarlo con el interpretado por Edward Furlong y Nick Stahl. Este John se limita a dar órdenes y poner cara de malo durante la duración total de la película. Uno podría discutir, supongo, que los años de ver guerra y muerte lo endurecieron, pero aún así, debería haber por lo menos una referencia, una línea, algo que nos recuerde que esta es la misma persona que enseñaba a Schwarzenegger a decir "habla con la mano" y "hasta la vista, baby". Esto, sin embargo, no es culpa de Bale, cuyo talento es innegable, sino del guión.

Sam Worthington lo hace un poco mejor como el misterioso (aunque no tanto si uno vió el trailer) Marcus, aunque se le da material un poco mejor que a Bale, y se lo pone en situaciones donde puede expresar más que una emoción permanete; también hace un muy buen trabajo Anton Yelchin, uno de esos actores que se merecen mucha más fama que la que tienen. Las ya mencionadas Bonham Carter y Dallas Howard no tienen demasiado qué hacer, ya que sus papeles son relativamente cortos y el de Howard no tiene demasiada incidencia en la historia, a pesar de tratarse de un personaje importante; es más o menos lo mismo que le hicieron a esta increíblemente talentosa actriz en "Spider-Man 3". 

Nueva regla del blog: Cada vez que se analice una película en la que aparezca

Bryce Dallas Howard, una foto de un primer plano de ella será OBLIGATORIA.

Los efectos especiales y demás tópicos del apartado técnico son, por supuesto, lo mejor de toda la película, y escenas como la persecución rutera con el camión y los mototerminators no tiene desperdicio. McG ciertamente sabe cómo montar un buen espectáculo, y la combinación de efectos por computadoras y efectos prácticos está perfecta. Nada qué reprocharle al filme en ese aspecto. Pero eso era de esperarse, y aún así no logra salvar al filme de la dolorosa mediocridad. 

Todas las películas de Terminator tuvieron un impacto importante en el mundo del cine (sí incluso la injustamente odiada "La Rebelión de las Máquinas" de Jonathan Mostow). Pero "Salvation" carece de ése algo que lo haría memorable, porque incluso las escenas de acción, técnicamente deslumbrantes como son, no aportan nada nuevo, no innovan como la escena de la estación de policía del primer Terminator, o la persecución a John Connor por parte del T-1000 en un camión en T2 o la genial persecución con el Gobernator colgando de una grúa gigantesca en T3. 

           

"Roland Emmerich was here..."

Lo que es peor, a medida que la película va avanzando, se va haciendo más aburrida én vez de aumentar en dramatismo, como es la regla. Para cuando llegamos al apoteósico clímax/cameo/referencia a las primeras dos películas, ya poco nos importa qué pueda pasar, pues ya ni siquiera nos acordamos de que estos personajes son los mismos de la serie de películas. Y así vemos cómo los acontecimientos simplemente se suceden, llegan y se van, como gotas de lluvia sobre nosotros. 

Sinceramente espero con toda mi alma que alguien (si no el mismo McG) decida retomar la historia y volver a traerla por buen camino. Terminator ya no es sólo una serie de filmes o una franquicia, sino un verdadero ícono de la cultura mundial. Definitivamente el legado de James Cameron se merece algo mejor que esto. 

Star Trek (2009)

Una película de J. J. Abrams 

Escrita por Roberto Orci y Alex Kurtzman
Producida por J. J. Abrams, David Witz y Damon Lindelof
Música de Michael Giacchino
Elenco: Chis Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Karl Urban y Zoë Saldana


Enterprise Reloaded...

El fenómeno cultural conocido como "Star Trek", que había nacido allá por 1966 para tomar por asalto al mundo y dejar una huella imborrable no sólo en el cine y la televisión, sino en la Historia misma, no había sido visto en la pantalla grande desde hace 7 años, cuando por última vez veíamos a la Nueva Generación, con Patrick Stewart al mando de la USS Enterprise. Con la popularidad de las películas en caída cuando el público y crítica sentía que la calidad era muy inferior a lo que una vez "Star Trek" representó, la franquicia quedó en el freezer hollywoodense.

Se necesitaba la mano guía correcta para hacer de "Star Trek" de nuevo un éxito con la crítica y el público que cada vez se presentan más y más homogenizados gracias a la Internet. Sangre jóven que pudiera trae un espectáculo que pueda satisfacer en todos los niveles. Y llegó J. J. Abrams.

Abrams se había convertido en uno de los más poderosos nombres en la televisión de la primera década del siglo XXI gracias al gran éxito de su serie "Alias" y al éxito aún mayor que logró con "Lost". Logró además asentarse en el mundo del cine gracias a su muy correcta "Misión: Imposible 3", que bien puede haber salvado la franquicia de Ethan Hunt del limbo al que John Woo parecía haberlo condenado. Era hora de que el mega-productor y director pusiera su magia a trabajar con el que es sin duda uno de los íconos culturales más grandes del siglo pasado, y lo trajera de vuelta a la consciencia pública. Y qué manera de lograrlo.

Gustav Graves inicia su venganza, y esta vez ni 007 podrá detenerlo.

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La historia abre con el encuentro de la USS Kelvin, una nave de la Flota Estelar, con una misteriosa nave de avanzadísima tecnología cuyo capitán, un romulano, exige que se le revele el paradero del "Embajador Spock". Al no obtener la información, la nave misteriosa ataca y apabulla al Kelvin, y es gracias al sacrificio de George Kirk que sus tripulantes, entre ellos su esposa y su hijo recién nacido, logran escapar con vida.

Pasan los años y James T. Kirk (Chris Pine) crece como un busca-problemas cualquiera viviendo en Iowa, hasta que es confrontado por un Capitán de la Flota (Bruce Greenwood) que lo reta a enrolarse y superar a su padre. Mientras tanto, el jóven vulcano-humano Spock también se une a la Flota. Tras unos años la misteriosa nave romulana que acabó con el USS Kelvin reaparece de la nada, y llega la hora de que James Kirk pruebe su valía.

Tratar de hacerles una pequeña sinopsis fue bastante difícil, oh, hermanos míos, porque se trata de un filme donde, incluso para un forastero del Universo Trekkie como un servidor, cada pequeño detalle y giro de la trama es exquisitamente satisfactorio, y hay de esos desde el primer segundo de película. Prácticamente cada cuadro de película es una celebración a las fantasías de millones de personas de todo el mundo, no sólo aquellas que crecieron con "Star Trek" en cualquiera de sus versiones, sino de todo aquél que alguna vez siendo niño se imaginó volando por el espacio y teniendo emocionantes aventuras.

El guión es otra pequeña maravilla. De alguna manera logra aquello que toda adaptación anhela y casi ninguna, jamás, ha logrado conseguir: un screenplay que permita a aquellos no familiarizados con el material de origen (¡Presente!) tener una clara apreciación de los acontecimientos en pantalla y entenderlos perfectamente, al mismo tiempo que satisface de manera indiscutible a los fanáticos que cuentan con un conocimiento enciclopédico de las series de TV, las películas y demás productos llamados "Star Trek". La cantidad de adaptaciones que logran esto de puede contar con los dedos de una sóla mano (y no tiene que ser una mano con los cinco dedos intactos), así que se puede decir que Roberto Orci y Alex Kurtzman encontraron el equivalente al Santo Grial en cuanto a guiones se refiere; es admirable la forma en que respetan el legado del original, simple si uno se pone a pensar mucho en ello, pero indudablemente brillante en esa simpleza. Lo hace a uno preguntarse dónde estaba ese ingenio aparentemente tan grande a la hora en que a esos dos les tocó escribir "Transformers 2".

El hombre de las orejas puntiagudas más icónicas de la Tierra y sus alrededores.

Si bien en "M:I3" Abrams decidió contenerse un poco con el espectáculo visual en honor a un relato algo más realista (y con menos palomas que su predecesor), esta película le da rienda suelta al director para plasmar todo el poderío de la tecnología actual de efectos especiales y ponernos a todos aquellos que están acostumbrados al espectáculo visual a mirar asombrados con la boca abierta como niños pequeños. Sinceramente, al ver la primera toma del USS Kelvin me emocioné indescriptiblemente, presintiendo que estaba a punto de ver algo memorable. Y no me equivoqué, mis ojos fueron testigos de dos buenas horas repletas de memorables "algos".

Mención aparte, junto con mis respetos, alabanzas y pedido de que me indique su perfil de Twitter, para el departamento de casting. El elenco que ensamblaron es simplemente espectacular, empezando por el protagonista: Chris Pine, a quien pueden o no recordar de "Smokin' Aces" (yo no lo recordé, tuve que recurrir a las maravillas de IMDB), hace un trabajo perfecto al retratar a Kirk no como un imitador de William Shatner (para eso existen el San Diego Comic Con y demás convenciones) sinó como una especie de especialmente arrogante y libertino Han Solo. Zachary Quinto, un conocido para aquellos seguidores de "Heroes", también hace un trabajo excelente como el reprimido Spock, quien se hace odiar antes de finalmente hacerse querer. Zoë Saladana (próximamente en "Avatar"), aunque con mucho menos que hacer, es adecuadamente encantadora como Uhura. Sorprendiendo con auténticos cambios de registro de 180 grados respecto a lo que estamos acostumbrados a ver de ellos tenemos a Karl Urban (LOTR: Las Dos Torres y El Retorno del Rey), que aquí lidia perfectamente con un papel más bien cómico, y John Cho, que pasa de "Harold y Kumar" al más bien serio (y bien rudo) Sulu. Eric Bana ("Hulk") satisface haciendo de malo después de mucho tiempo. Bueno esto ya se pone largo, pero no puedo cerrar el párrafo sin mencionar a Simon Pegg ("Hot Fuzz"), uno de los mejores cómicos cinematográficos actuales, como Scotty; Pegg es excelente, así de simple, lo fue en su aparición en "M:I 3" y lo es aquí, aunque desearía que hubiera tenido más tiempo para lucirse. Y no voy a decir quién es el invitado especial (aunque a estas alturas probablemente ya lo sepan), pero también es un gran toque por parte de Orci/Kurtzman.

Ningún epígrafe jocoso aquí, es que simplemente me encanta esta imágen.

La única falla que le encontré fue un momento clave en el cual se da una coincidencia que a algunos podría parecer demasiado conveniente para las necesidades del guión, casi un deus ex machina. Pero es demasiado poco para ensombrecer un trabajo que simplemente raya en lo perfecto.

J. J. Abrams simplemente me dejó ansioso por más. Veremos qué ocurre cuando la tripulación del USS Enterprise decide ir atrevidamente a donde nadie más ha ido. El espacio, la frontera final...Que vivan una larga y próspera vida, y sepan disculparme por el aluvión de frases clásicas, no me iba a perdonara mí mismo jamás si no las incluía.

Metal Gear Solid (1998)

Dirigido por Hideo Kojima

Escrito por Hideo Kojima y Tomokazu Fukushima

Música de Takanami Ishiyama, Gigi Meroni, Kazuki Muraoka, Lee Jeon Myung y Hiroyuki Togo

Voces: David Hayter, Cam Clarke, Debi Mae West, Christopher Randolph y Paul Eiding

Plataforma: PlayStation

"Sólo un tonto le confía su vida a un arma..."

    Algunos críticos afirman que el videojuego nunca llegará a lograr algo que sea reconocido como "arte", de la misma manera que el cine lo ha logrado. Se podría discutir eso, pero prefiero no hacerlo, no voy a hablarles de un juego que intenta ser arte, sino de un juego que intenta ser una película. Y en ese sentido, es una verdadera obra de arte.

    La opera prima del legendario Hideo Kojima dejó una huella profunda e imborrable en la historia del videogame allá por 1998, pero la historia de la que es una de las sagas más importantes de la historia gamer se remonta hasta más de una década antes de eso, cuando, en el ocaso de la guerra fría, salía el revolucionario "Metal Gear" para la poco conocida (por estos lares) MSX 2. El juego innovaba no sólo en su presentación de un argumento bastante trabajado (algo que en la época se veía poco fuera de juegos de rol), sino principalmente en su estilo de juego en el que se priorizaba el sigilo y la estrategia como el camino más efectivo para llevar a Solid Snake, el joven agente de la fuerza de operaciones especiales de los Estados Unidos conocida como FOXHOUND, a la victoria.

    Luego de 3 años, y tras una secuela no oficial (subtitulada "Snake's Revenge", no autorizada por Kojima e ignorada olímpicamente en el argumento de las entregas oficiales; nunca pasó) Kojima volvió con la segunda averntura de Snake, subtitulada adecuadamente "Solid Snake", donde se dio una gran mejoría gracias a los avances técnicos. Pero estos dos primeros juegos, innovadores como sin duda fueron, no dejaban de ser simplemente juegos. Todo eso cambiaría.

    La PlayStation le dio a Kojima los recursos necesarios para lograr lo que más se acerca al adjetivo de "película interactiva", una experiencia de las más atrapantes jamás vistas en un videogame, con una atención al detalle que rayaba en lo obsesivo, un argumento digno de una superproducción hollywoodense, en el que nada es lo que parece y cada personaje esconde varios secretos sorprendentes y que cuenta con par de sorpresas para el jugador que son simplemente invaluables. 

    Explico el magistral argumento lo más simplemente posible: el año es 2005, diez años después de la primera aventura de Snake y seis después de su segunda aventura, en la cual había terminado asesinando a su propio padre, el legendario Big Boss. Ahora, una base de desmantelamiento de armamento nuclear en Alaska ha sido tomada por miembros de FOXHOUND renegados, entre ellos su líder, que se hace llamar Liquid Snake y tiene un parecido sorprendente con Solid. 

Nadie piensa jamás en las familias de los 

secuaces anónimos.

    El grupo exige una gran suma de dinero y algo un poco más extraño: que se les remitan los restos mortales de Big Boss; caso contrario, amenazan con emplear armas nucleares. Ahora el Gobierno requiere que Snake salga de su retiro y vuelva a la acción y neutralice la amenaza terrorista. 

    Lo que sigue no lo puedo detallar, pero basta con decir que Snake se lanzará de lleno a una maraña de mentiras y medias verdades que esconden un complot enorme. 

    A través del sistema de intercomunicador llamado CODEC, Snake tendrá el apoyo de varios otros personajes como el Cnel. Roy Campbell o la Dra. Naomi Hunter (el CODEC también es la forma de guardar el juego, gracias a la encantadora Mei Ling); estos personajes, además de ser útiles (a veces imprescindibles) para el desarrollo del juego, le dan y le quitan al mismo tiempo realismo al juego (especialmente cuando la frecuencia del Cnel. ejerce de tutorial), pero son una gran forma de dar una sensación de autenticidad al desarrollo del argumento, gracias a que se tratan de diálogos muy entretenidos y bien escritos. 

    Como en las anteriores entregas, aquí lo que prima es el sigilo, y es casi imposible llegar muy lejos si uno entra en plan John Rambo a la acción (cosa que es imposible al principio de todos modos, pues empezamos desarmados). Evadir cuando sea posible y, si no, matar en el más absoluto silencio, es regla. Es por eso que un arma sin silenciador se usa sólo como un recurso extremo en este juego. Hace falta mucha estrategia para pasar por zonas cargadas de sentinelas sin ser detectado, estudiar las rutas de los guardias y actuar de acuerdo a ellas.  

    Pero de ninguna manera falta acción de la clásica en MGS, pues el desarrollo de la historia nos llevará a situaciones en las que no tendremos opción más que destrabar el seguro de cualquiera sea el arma que tengamos a mano y ponerla a buen uso. Y existe una buena gama de armas que podremos usar, desde pistolas SOCOM y rifles de asalto hasta granadas de distintas características, rifles de francotirador, cargas de explosivo plástico, minas Claymore, lanzacohetes y demás material balístico. 

    Los enemigos son en su mayoría los guardias genéricos (como el caballero que disfruta sus últimos momentos en la foto de más arriba), armados con fusiles automáticos y bastante inteligentes. Estos muchachos detectarán ruidos como pasos o incluso huellas dejadas en la nieve. Además están asistidos por cámaras de seguridad y reflectores de luz que nos delatarán si no tenemos cuidado. 

Este tipo es lo mejor del juego. Te volverá loco.

    Y mención aparte, por supuesto, para los jefes. Estos señores (y señorita) serán los responsables de que cada pieza de tu arsenal tenga su momento de protagonismo. La variedad en estos enfrentamientos es maravillosa, yendo desde duelos de pistola, batallas contra tanques, combate a mano, contra un helicóptero de ataque, duelos de francotiradores, entre otros. Uno de estos jefes, Psycho Mantis, es el que refleja la maravillosa mentalidad de Hideo Kojima; el juego también puede jugar con el jugador. Sin entrar en los deliciosos detalles, el duelo contra Mantis es el más memorable que he tenido en mi vida de gamer. Existe una interacción entre el jugador y la acción en pantalla que en pocos otros juegos se encuentra, incluso en estos tiempos (salvo las secuelas de MGS, claro).

    Los gráficos, al ser de hace más de una década, resultarán básicos para quien haya crecido con la generación de la PS2, pero la influencia de este verdadero logro se notan en los varios imitadores que inspiró, como las series "Syphon Filter" y "Splinter Cell" y en los cientos de juegos que incorporaron el sigilo como estrategia. "Metal Gear Solid marcó un antes y un después, y todos aquellos que fuimos lo suficientemente afortunados para jugarlo podemos dar fé de que nada tiene que envidiar a las mejores películas de acción.

Invasor Zim

Creada por Jhonen Vasquez

Dirigida por Steve Ressell

Escrita por Jhonen Vasquez, Roman Dirge, Rob Hummel, Eric Trueheart, Courtney Lilly, Frank Conniff y Danielle Koenig

Producida por Monique Beatty, Christine Griswold y Steve Ressell

Productores Ejecutivos: Brandon Burr y Jhonen Vasquez

Voces: Richard Steven Horvitz, Andy Berman, Rosearik Rikki Simmons, Melissa Fahn y Lucille Bliss

Canal: Nickelodeon

Transmisión original: Del 30 de marzo de 2001 al 19 de agosto de 2006

Cuando dos de los "perdedores" del colegio deciden el destino de la Tierra

Muchos dicen que "Invasor ZIM" es una de esas cosas "para las cuales el mundo no estaba preparado". Dudo mucho que el mundo no haya estado preparado, pero si algo es seguro es que Nickelodeon, el gigante de la animación televisiva estadounidense, no lo estaba. El caso de la serie que nos ocupa es uno de los más singulares en la historia del joven canal de televisión, un caso atípico en casi todos los niveles. El más obvio de esos niveles es sin duda el simple hecho de que los ejecutivos del canal, que en ese momento estaban cosechando las mieles del descomunal éxito que estaba teniendo la entonces joven serie "Bob Esponja" y seguía exprimiendo gigantescas cantidades de dólares de series como "Rugrats" (con sus dos aventuras cinematográficas, especialmente), hayan decidido que la persona correcta para otro éxito para niños era Jhonen Vasquez.

Jhonen Vasquez, para el momento en que empezó a trabajar con Nickelodeon, ya era un nombre de culto en el mundo de los comics underground, habiendo sido el creador de dos series muy famosas, "Johnny The Homicidal Maniac" en 1995 y "Squee", un spin-off de "Johnny" en 1997. Ambas series de comics (especialmente la primera) tenían un alto contenido de violencia gráfica y humor del más negro. Difícilmente era lo que Nick mostraba, aún en sus series más transgresoras como "La Vida Moderna de Rocko" o "Ren y Stimpy".

Por supuesto que los ríos de sangre no están presentes en "Zim", y el lenguaje es normal de un programa de TV infantil, pero eso es básicamente todo lo que cambió en el trabajo de Vasquez. El humor de la serie es, de hecho, muy similar al de los comics: al mismo tiempo una velada crítica social en la que la mayoría de las personas se comportan como droides sin consciencia y con poca inteligencia, y los seres excepcionales sufren a consecuencia de eso; y uno de los ejemplos de humor más caótico y genial que haya salido jamás de Nick.

El argumento es el siguiente:

El imperio Irken es una raza de extraterrestres que se apresta a iniciar lo que ellos llaman "Operación: Ruina Inevitable 2". Sus dos líderes, los Más Altos (la raza Irken da jerarquía de acuerdo a la estatura) empiezan a asignar invasores, soldados irken de élite, a distintos planetas para que se infiltren con los nativos y preparen la llegada de la armada. Terminada la asignación se presenta Zim, quien había sido exiliado a un "planeta de comida rápida" tras haber arruinado por sí solo la Operación Ruina Inevitable original y casi haber destruido el planeta Irk. Al enterarse de la nueva asignación, Zim "renunció" a su exilio.

Los Altos, viendo la oportunidad de deshacerse de Zim para siempre, deciden lanzarlo al azar al espacio, diciéndole que va a conquistar "un planeta tan misterioso que pocos conocen de él, y los que lo conocen no se atreven a nombrarlo". Con su nuevo secuaz robot, GIR, Zim se pone en camino. Lo que no esperaban es que Zim se topara con la Tierra, planeta que ni siqueira figuraba en el mapa para los irken. Una vez en el planeta, Zim comienza su misión, teniendo que lidiar con dificultades y un enemigo, Dib, la única persona que parece darse cuenta de quién es en realidad Zim.

Zim y GIR en tiempo de relajación.

Los 24 episodios de la serie (la mayoría con dos segmentos de 15 minutos cada uno, como solía ser norma en los Nicktoons) iban desde lo más bien normal (Zim y Dib resolviendo sus diferencias a golpe de globos de agua) a lo extraño (un capítulo que gira completamente en torno a Zim comiendo waffles) a lo decididamente perturbador (un capítulo en el cual Zim, en un intento de parecer más humano, se pone a robar los órganos de sus compañeros de colegio en un capítulo que parecía un desafío directo a los censores y las asociaciones de padres). Durante todos estos capítulos la animación se mantiene a un nivel sorprendente, mezclando con gran éxito la animación en 2D con los efectos CG (de manera igual a la que lo hizo "Futurama") para lograr asombrosas escenas como el primer vistazo a la impresionante armada irken o una breve pero memorable batalla entre dicha armada y las fuerzas terrestres.

El aspecto visual era de un estilo también poco típico para Nickelodeon; la atmósfera era casi siempre oscura y opresiva, hasta tal punto que no recuerdo haber visto un cielo azul en ningún momento, aunque es difícil estar seguro. El nivel de detalles en los escenarios es espectacular, y recomiendo que, de conseguir la serie en DVD o bajarla de internet, se tome cada uno su tiempo para apreciar los chistes y curiosidades que Vasquez y Cia. esconden a lo largo del show.

Mención aparte merece la magistral musicalización de Kevin Manthei (cuyos créditos incluyen música de otras series como "Johnnny Test" y "Duelo Xiaolin", además de colaboraciones en filmes como "Resident Evil" o "Impacto Profundo"), que le da una atmósfera oscura y amenazante por momentos, y retorcidamente cómica en otras ocasiones, completando la experiencia.

Existe un grado de crítica social en "Zim" que, si bien no es tan agresivo como en los previos trabajos de Jhonen Vasquez, está ahí, y se hace muy evidente por momentos, como cuando en un capítulo una niña atora su pie en un pozo en el jardín de Zim, desencadenando un escándalo mediático colosal. Luego está el tema recurrente de Vasquez, de la persona que es más inteligente que los demás y es ridiculizado por ello, siendo Dib el vehículo esta vez.

Pero donde "Zim" realmente brilla es en los pequeños momentos, aquellos chistes que parecen haber sido inventados al azar pero que tan grandes risas producen, aquellos que involucran abejas, o líneas como "vaya, ese escape fue algo espectacular", o la simple forma en que Zim dice "¡MIENTE!" o la inmortal (al menos para mí, que trato de usarla cada vez que puedo) frase "¿Tiene gusanos cerebrales?". GIR es una de las principales fuentes de este humor aleatorio, que a veces se exagera pero nunca llega a resultar abiertamente molesto.

Esa es otra virtud de "Zim": cuando la mayoría de los shows para niños basan su capacidad de hacer reir en la comedia física y las asquerosidades (como es tristemente el recurso al que descendió la otrora intachable "Las Sombrías Aventuras de Billy y Mandy"), la comedia aquí es basada en los personajes. Y cada uno tiene su momento de brillar: Zim y Dib, como los protagonistas, son los que más destaque reciben, pero también son invaluables personajes de reparto como Gaz, la hermana de Dib, que vive con una constante expresión amenazante y es capaz de hacer lo indecible por sus videojuegos o la pizza, o la Srita. Bitters, la profesora de Zim y Dib, una anciana tenebrosa y fantasmal que a menudo sale de entre las sombras o se desliza como una serpiente, y cuyas enseñanzas van de "al Universo le espera la ruina" a "su desempeño fue patético; sus padres recibirán una carta ordenándoles amarlos mucho menos".

Dib: nuestra única esperanza.

El show no es perfecto, pues no todos los capítulos mantienen ese nivel alto; en algunos casos parece que los guionistas se esfuerzan demasiado y el resultado sale forzado. Pero estos casos son la absoluta minoría, frente a una abrumadora originalidad y excelente humor. Eso sí, definitivamente no es para los más pequeños, sorprendiendo por momentos con sus atrevimientos (como el ya mencionado episodio del robo de órganos) que seguro formaron gran parte del argumento de Nickelodeon para matar a esta serie antes de tiempo. Lo pone a uno a pensar qué hubiera sido de este show de haberse encontrado bajo sellos como Comedy Central o Spike TV.

Como los previos trabajos de Vasquez, "Invasor Zim" es considerada una serie de culto, con una fanaticada gigantesca que lamenta no haber llegado a ver lo que Vasquez y compañía nos tenían preparado, como ese apoteósico final en que el Imperio Irken y sus opositores irían a la guerra abierta.

Lo cierto es que la historia nunca terminó, quedó en un limbo del que probablemente nunca saldrá (supuestamente Vasquez, cuando los días de la serie ya estaban contados, tenía la intención de matar a Zim para dar una conclusión definitiva a la serie, pero Nick no se lo permitió) y se unirá a aquél panteón que ocupan series como "Jericho", "Firefly" y "Pushing Daisies", el panteón de las series para las que, aunque se diga lo contrario, estábamos preparados y nos quitaron antes de tiempo.

De entre los muertos...

De entre los muertos vuelvo...No, no que haya estado en coma ni nada por el estilo, mi salud (física) no ha sufrido alteraciones de gravedad. Pero en este tiempo en el cual para el mundo del blogging estaba muerto, me puse a pensar. De mis reflexiones salieron varias conclusiones, la más importante de ellas siendo que quiero no sólo volver a publicar cuanto antes, sino que también quiero expandirme más allá del mundo del cine a otros lares donde los guiones son tan importantes como en el séptimo arte...La televisión, los cómics y los videojuegos han evolucionado a ritmos impensados, y así también lo hará mi humilde blog.

Analizándo mi propia experiencia de trabajo escribiendo semanalmente (aunque no publicando con la misma frecuencia) para el diario ABC Color, aprendí algo más de mí mismo: mis trabajos más eficientes fueron aquellos que se hicieron bajo la presión del tiempo. Por lo tanto llegué a la determinación de que, para que la evolución de mi blog sea posible, me debo poner a mí mismo un plazo. Por lo tanto la periodicidad de las actualizaciones en el blog será semanal.

Además vendrán más innovaciones, muchas más. A por ello, pues.

FESTIDOC Paraguay 2009

    Desde el jueves 13 hasta el jueves 27 de agosto se celebró en Asunción, Paraguay la 3ra edición del FESTIDOC Paraguay, un festival de documentales con más de 50 filmes. Organizado por el cineasta paraguayo Hugo Gamarra, y tomando lugar en diversos escenarios como la Embajada de la República Argentina en Asunción, la Allianza Francesa, el Centro Cultural Paraguayo Alemán y el Centro Cultural de España Juan de Salazar, el festival contó con distintos homenajes a colaboradores como la Fundación Jan Vrijman y el cineasta francés Dominique Dubosc.

    Una iniciativa importante en un país que, como mantengo, no le da al cine (en ninguna de sus facetas, aunque muchos sectores quieran opinar que no es cierto) el destaque el arte se merece. El FESTIDOC no estuvo libre de imperfecciones organizacionales, pues en varias ocasiones se tuvo problemas con la proyección de películas que, al ser exhibidas en formato DVD, a veces se pixelaban o cortaban de acuerdo a los daños que pudieron haber tenidos los discos. Sin embargo, se supone que es la intención lo que cuenta, y la intención, por supuesto, fue buena.

    A continuación paso a hacer pequeños y breves comentarios sobre algunas de las películas que vi en el FESTIDOC. estos comentarios difieren un poco de mi antiguo estilo de redacción, pues estaban todos y cada uno de ellos pensados para su publicación en el diario ABC Color, pero motivos de espacio y demás problemas propios de la prensa hicieron imposible que más de unos cuantos comentarios llegaran a las páginas.

    Así que aquí van:

Romance del Vaquero Volador (Brasil, 2007)

Una película de Manfredo Caldas

Producida por Marcio Curi

    Cerró la jornada inaugural el galardonado documental del brasileño Manfredo Caldas, “Romance del Vaquero Volador”, un filme más bien atipico que cuenta la historia de las vaqueros del nordeste de Brasil que fueron contratados para la construcción de la que sería la capital del país, Brasilia, a mediados del siglo pasado, y el trágico destino de cientos de ellos

Empleando un lenguaje poético al tiempo que se apoya en el poema que lo inspiró, además de testimonios de sobrevivientes de la gran obra e imágenes de archivo contrastadas con grandes tomas de lo que ahora es Brasilia. Caldas nos muestra con ingenio y originalidad el precio que tuvo la creación de esa gran ciudad, al mismo tiempo que rinde homenaje a aquellas víctimas del progreso.
    Es una propuesta diferente que, a pesar de mezclar mucho un lenguaje de poema con uno más normal y a diferencia de lo que pueda parecer en un principio, nunca pierde en lo más mínimo la coherencia.

Nieve Silenciosa (Holanda, 2007)

Una película de Jan van den Berg

Guión de Jan van den Berg y Ole Jorgen Hammeken

    Con bella simplicidad se abrió la segunda fecha del FESTIDOC. Se presentó el cortometraje holandés “Nieve Silenciosa”, que es una voz de alarma sobre el efecto que la contaminación y el uso de pesticidas en prácticamente todo el mundo tiene en las regiones polares del Norte, particularmente Groenlandia.

    En menos de 15 minutos, el filme nos impacta tanto con las preocupantes revelaciones de los efectos que la falta de atención de todo el mundo está teniendo (todo narrado por dos niñas esquimales habitantes del lugar), como con las impresionantes tomas de Groenlandia, hermosos testimonios de lo que se puede perder que sirven para doblar el impacto del mensaje del filme.

    Se trata de un filme hermoso tanto como es importante para tomar consciencia.

Fuera de Balance: Exxon Mobil y el Cambio Climático (Estados Unidos, 2006)

Una película de Tom Jackson

Producida por Peter Vandermark

    Siguiendo la línea ecológica, el festival continuó con este documental sobre el calentamiento global y la culpa de él que tiene la petrolera Exxon Mobil (antes llamada Standard Oil y Esso), considerada la más masiva corporación de la historia, con su política de negocios y su influencia en las más altas esferas (llegando incluso a la Casa Blanca).

    Aún cuando se trata de un filme ameno y conciso, que presenta evidencia y testimonios convincentes, el impacto que pueda tener en una u otra persona depende directamente del conocimiento con que cada uno cuente; si uno no sabe mucho del tema que trata el filme, se verá por supuesto impactado (“Fuera de Balance” sería ideal para clases de secundaria o bachillerato), pero quien ya tenga su opinión sobre el cambio climático no la cambiará gracias a este filme.

    La fuerza del filme está precisamente en denunciar los dañinos procederes de Exxon Mobil; en esos momentos, el filme es fascinante.

Chokokue (Argentina-Paraguay, 2007)

Una película de Miriam Paz y Guillermo Kohen

Producida por Guillermo Kohen y Miriam Paz

    Los documentalistas argentinos Miriam Paz y Guillermo Kohen encaran en su filme “Chokokue” un problema social paraguayo: el avance de los cultvos de soja en el interior del país, lo que està dejando a familias de campesinos paraguayos sin un lugar para vivir y trabajar.    

    Sencilla y austeramente filmada y montada, “Chokokue” se vale de los testimonios de los campesinos afectados por esta situación. Resulta obvio desde un principio que el filme no hará rodeos a la hora de presentar su punto de vista, pues abre con la imagen de un campesino mostrándonos los callos en sus manos, queriendo romper con la idea de que últimamente todos los campesinos sólo se dedican a cerrar rutas. El momento refleja perfectamente el tono del documental: no será sutil ni elegante, pero presentará su caso con fuerza.

    “Chokokue” es simple y llanamente un grito de denuncia, una mirada a una situación preocupante en nuestro país.

Los Ojos Cerrados de América Latina (Argentina, 2008)

Una película de Miguel Mirra

Producida por Susana Mereira

Inspirado en el libro “Las Venas Abiertas de América Latina”, de Eduardo Galeano, el documental de Miguel Mirra es una denuncia contra los intereses capitalistas de las multinacionales, que perjudican a los pueblos y la naturaleza de los lugares a donde van.

     Siguiendo la línea de “Chokokue”, pero a una escala regional, “Los Ojos Cerrados” se vale de testimonios de afectados de varios países con similares situaciones, como Argentina, Paraguay, Chile, México, entre otros. Se basa en fuertes testimonios e imágenes, montadas de manera simple pero efectiva.

    Un esfuerzo enorme de parte de los realizadores que resulta en un muy buen trabajo, informativo y por momentos sorprendente.

Sicko (Estados Unidos, 2007)

Una película de Michael Moore

Producida por Anne Moore, Michael Moore y Meghan O'Hara

    Tras saltar a la fama con “Locos por las Armas” y “Farenheit 9/11”, el polémico Michael Moore se lanza contra otro problema social de los Estados Unidos: su sistema de salud. Moore nos revela un sistema dominado por las aseguradoras, que llega incluso a dejar a estadounidenses morir para ahorrar dinero y en el cual quien no puede costear atención hospitalaria es literalmente dejado en la calle.

    Con el sarcasmo e ingenio que lo caracterizan, Moore nos regala un filme fascinante. El planteamiento es simple: ¿por qué si países como Canadá, Inglaterra, Francia e incluso Cuba (países a los que Moore nos lleva a lo largo del filme) tienen servicios de salud gratuitos y de gran calidad, los estadounidenses tienen que morir por no poder pagar la cuenta del hospital? Tal vez sea una pregunta que nosotros deberíamos hacernos también, ¿no? Porque la respuesta es la misma para nuestros países: la situación es tal por que la ciudadanía no se manfiesta.

    “Sicko” es al mismo tiempo aterrador, divertido e inspirador. Otro gran golpe de Michael Moore. 

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Grindhouse: Death Proof (2007)

"Shit. Two tons of metal, 200 miles an hour, flesh and bone and plain old Newton..." - Earl McGraw

Una película de Quentin Tarantino

Producida por Elizabeth Avellán, Robert Rodriguez, Erica Steinberg y Quentin Tarantino

Escrita por Quentin Tarantino

Elenco: Kurt Russell, Zoe Bell, Vanessa Ferlito, Sydney Poitier y Rosario Dawson 

Calificación: 4,5/5

    Si la primera parte de "Grindhouse" era puro Robert Rodriguez, llena de acción, humor y una chica con un rifle de asalto por pierna, entonces la segunda parte se puede describir como simplemente puro Quentin Tarantino. Y eso es porque "Death Proof" no rebosa en sangre y pólvora, sino en conversaciones; se trata de otro escenario para que el señor Tarantino ponga en exhibición ese don único que tiene a la hora de poner palabras en las bocas de sus personajes. ¿Quiere decir eso que la película es aburrida y que los personajes se dedican exclusivamente a parlotear por dos horas? Absolutamente no. De hecho, esta película cuenta, entre otras cosas, con la que es posiblemente la mejor persecución de automóviles jamás filmada. 

    Quien se ponga a estudiar la filmografía de Quentin Tarantino encontrará que sus filmes (con la excepción del Volumen 1 de "Kill Bill", que se apoyaba más en la acción y fue una demostración de parte del director de que también sabía hacer cine de acción), todas sus otras películas están llenas de diálogos sobre esto y lo otro, cosas relacionadas a la trama o no, pero todos ellos, sin excepción, escritos con gran destreza e ironía que convirtió a muchas de sus líneas en clásicos del cine (la discusión por los nombres falsos en "Reservoir Dogs", el famoso diálogo de "Royale con queso" entre John Travolta y Samuel L. Jackson en "Pulp Fiction", la argumentación de Bill sobre por qué Superman es único entre los superhéroes)...Pero bueno, creo que me estoy pasando con la plática sobre el director, hora de ver el trabajo en cuestión.

    El protagonista de "Death Proof", aunque su tiempo de pantalla es relativamente corto en comparación, es Doble Mike (Kurt Russell), un ex-doble de riesgo que trabajaba en programas de televisión antiguos y que actualmente pasea por las carreteras de Texas con su poderoso Dodge Charger (modelo '69), cazando víctimas para su "vehículo a prueba de muerte". 

    Mike y su auto son la trama, y es así de simple. Pero como dije, por mucho tiempo no se ve a Mike en pantalla, y eso es porque Tarantino se decide pasar mucho rato con el bando opuesto, las chicas. El primer grupo de chicas que cruzan caminos con Mike está formado por Shanna (Jordan Ladd), Arlene (Vanessa Ferlito) y "Jungle Julia" Lucai (Sydney Poitier), una DJ de radio. Las tres amigas se juntan para ir de bar en bar para luego terminar la noche en la cabaña de Shanna con una reunión sólo para chicas. 

    ¿Y de qué hablan las chicas? De lo que hablarían unas chicas durante una noche de parranda. Sobre qué pasó entre una de ellas y tal o cual muchacho la noche anterior, sobre qué van a hacer en la cabaña, sobre el hecho de que el padre de una de ellas sospechosamente se aparece cada vez que las chicas van a pasar la noche en la cabaña para asegurarse de que todo está bien...Esta primera mitad de la película, la que pasamos con Jungle Julia y sus amigas y la fauna del bar de Warren (Quentin Tarantino), parece no ir a ningún lado...Incluso nuestro amigo Mike (con pelo largo al estilo de los 80 , una cicatriz enorme desfigurándole la cara y una chaqueta azul con un enorme logo de Icy Hot en la espalda) sólo se pone a hablar y hablar con una chica que necesita alguien que la lleve. Pero ahí es donde Tarantino demuestra su genialidad, pues pocos además de él podrían llenar una película de tanto diálogo sin hacerla aburrida. Lo dicho, cualquiera que esté más o menos familiarizado con la filmografía de QT sabe a qué me refiero con lo de los diálogos, y quien no conozca sus filmes está en grave falta conmigo y se le ordena proceder al videoclub más cercano de inmediato a regularizar su situación.

    Pero hay algo más en "Death Proof" además de diálogos, como había más en "Planet Terror" que una chica con una ametralladora por pierna. Y eso otro que hay es LA persecución, así, con mayúsculas, LA persecución. Se trata de una verdadera maravilla, un logro de las artes tradicionales, de los dobles de riesgo y los muscle cars estadounidenses. La monstruosa persecución de 8 minutos que conforma el clímax del filme es simplemente una lección para Marc Forster, Paul Greengrass y los cientos de cineastas que piensan que mientras más vertiginosa sea la edición de sus escenas de persecuciones automovilísticas, más emocionantes resultarán estas al público. No es así, el público se emociona mucho más cuando entiende qué demonios es lo que está pasando, cuando puede ver una misma toma por más de medio segundo. 

    Se trata de un baile de la muerte entre Kurt Russell y su monstruo a prueba de muerte contra las chicas en su Dodge blanco, con Zoe Bell (una doble de riesgo cuyos créditos incluyen hacer de doble de Uma Thurman en "Kill Bill" interpretándose a sí misma) montada en el capó. Podría pasarme varios párrafos hablando de la persecución, narrándola hasta su más mínimo detalle, y jamás podría hacerle justicia. Es algo que se debe ver para comprender, un momento instantáneamente clásico del cine. 

    En síntesis, me encantaría que todo el mundo viera esta y todas las películas de Quentin Tarantino, el hombre aún no ha hecho una sola película que en mi opinión sea menos que excelente, y estoy seguro de que su "Inglourious Basterds" será igual o mejor que sus previos filmes.

    

  

Grindhouse: Planet Terror (2008)

I was going to be a stand-up comedian - Cherry Darling

Una película de Robert Rodriguez

Producida por Elizabeth Avellán, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino

Escrita por Robert Rodriguez

Elenco: Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Marley Shelton, Josh Brolin y Bruce Willis

Calificación: 4/5

    En el año 2007 se entrenaba en cines de Estados Unidos el esfuerzo conjunto de dos gigantes del cine como son Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. Los directores de "El Mariachi" y "Pulp Fiction", respectivamente, tenían la intención de honrar el cine con el que crecieron, las películas clase B de los 70 que solían mostrarse en salas pequeñas y autocinemas a lo largo de los Estados Unidos y que solían estar caracterizadas por malas actuaciones, efectos baratos, terribles guiones y mucha, muchísima violencia gratuita. Con un simple vistazo a la filmografía de tanto Rodriguez como Tarantino se puede apreciar que ambos cineastas amaron y crecieron con este tipo de filme ya casi totalmente extinto. Pero cuando digo que ellos quisieron honrar al cine, no me refiero solo a las películas, sino a la experiencia misma de ir a una sala o a un autocinema. El projecto conjunto, titulado "Grindhouse" en homenaje a los lugares que antaño solían presentar estas películas, consistía en una doble función de películas, una de ellas dirigida por Rodriguez y la otra por Tarantino, con todo y presentaciones de "próximas atracciones" con trailers confeccionados por gente como Eli Roth ("Hostel" y su secuela), Edgar Wright ("Arma Fatal") y Rob Zombie (la remake de "Halloween").

    "Grindhouse" sumaba con todo casi 4 horas, los que por supuesto no sentó bien con el público en general y fue más bien un fracaso de taquilla, por lo que se decidió lanzar las dos películas por separado en DVD. Así pues este servidor nunca llegó a disfrutar de "Grindhouse" como las dos mentes maestras detrás de todo esperaban. Pues como vi las películas por separado, los análisis también vendrán del mismo modo. En esta entrada me ocuparé del trabajo de Robert Rodriguez, "Planet Terror", y en la próxima hablaré de "Death Proof", el quinto filme de Quentin Tarantino.

    Así pues, mientras los logotipos de Dimension Films y las demás compañías realizadoras ruedan, notamos que en la pantalla se notan las "imperfecciones" de la cinta, como si estuviéramos una cinta ya dañada por su edad y uso constante. Inmediatamente somos deleitados con el único trailer falso que logró llegar a los DVDs (ninguno de los otros puede llegar a encontrarse ni en el DVD de "Planet Terror" ni en el de "Death Proof"), dirigido por el mismo Rodríguez y titulado "Machete", sobre un federal mexicano llamado...pues Machete, por supuesto, interpretado por Danny Trejo ("Érase Una Vez en México") que es contratado por un estadounidense (Jeff Fahey, de la serie de TV "Lost") para matar a un senador, sólo para ser traicionado y casi asesinado. Ahora Machete, asistido por un sacerdote (Cheech Marin), buscará venganza. Cuando una película todavía no ha empezado y ya lo hace a uno difrutar como con el excelente trailer de Machete, uno está frente a algo especial. Por un par de minutos podemos ver cómo Machete "mata a los malos y se queda con las chicas", y demuestra a sus enemigos que "esta vez jodieron al mexicano equivocado", como el narrador del trailer diligentemente explica. 

    Luego del fin del trailer nos sumergimos en el plato principal.  "Planet Terror" tiene el siguiente argumento: Cherry Darling (Rose McGowan) es una bailarina erótica de un bar en Texas. No muy lejos de ahí un científico (Naveen Andrews) está negociando con un grupo de militares liderados por el Teniente Muldoon (Bruce Willis) la entrega de un arma biológica, pero cuando la situación se deteriora y Muldoon intenta secuestrar al científico, por lo que este libera la toxina y escapa. Cherry, mientras tanto, llega al restaurante de JT Hague (Jeff Fahey), donde se encuentra con El Wray (Freddy Rodríguez), su misterioso ex-novio. No lejos de ahí viven el Dr. Block (Josh Brolin), su esposa y también médica Dakota (Marley Shelton) y el hijo de ambos, Tony (Rebel Rodriguez); Dakota planea dejar a su esposo para huir con otra mujer (Stacy Ferguson, también conocida como Fergie). Pero todos estos personajes y varios más verán sus planes totalmente alterados cuando la toxina liberada empiece a transformar a la gente en zombies mutantes sedientos de carne humana.

    Lo que sigue es simplemente una tormenta de balas, sangre, pus, diálogo intencionalmente malo, efectos especiales baratos, escenas de muerte increíblemente creativas...y simplemente una de las experiencias cinematográficas más divertidas de los últimos años. Rodriguez no se ataja nada, logrando mezclar terror con risas y acción de manera diabólicamente ingeniosa. Los diálogos son intencionalmente gastados, los zombies son adecuadamente asquerosos, los efectos especiales como cabezas volando e impactos de bala son cualquier cosa menos realistas...Pero esto no se trata de una burla al cine de antes, es una celebración a esas viejas películas, una oda a ellas que demuestra un aprecio gigantesco de parte de un hombre cuya filmografía completa está evidentemente influenciada por esos filmes.

    La historia se desarrolla en lo que se podría llamar el "Universo Tarantino", y se encuentra llenade guiños a otras películas de Tarantino y Rodriguez (todos fuman cigarrillos Red Apple, marca inventada por QT), hay una referencia directa a "Death Proof" sonando en una radio, personajes como Earl McGraw (Michael Parks) tienen papeles clave en la historia y cuenta con un elenco de viejos conocidos de ambos directores; incluso el mismo Quentin Tarantino aparece en la segunda mitad para un gracioso cameo extendido.

    Pero todos se ven ensombrecidos cuando las  dos estrellas de la película toman la pantalla: Rose McGowan y su rifle de asalto con lanzagranadas incluído, que la joven utiliza como pierna y como arma. Las escenas de acción sin ella son magníficas, gracias al talento que Rodriguez demostró una y otra vez con sus secuencias de acción...Pero cuando Cherry y su prótesis entran a la acción, sobrepasa todo lo que uno podría esperar y más. El clímax sólo vale cualquier suma de dinero que uno tenga que pagar para ver esta película. 

    Muchos críticos concuerdan con que tal vez es mejor ver las dos películas por separado, para poder apreciarlas mejor, dado que son muy diferentes la una de la otra, y el repentino cambio de rítmo que se sufre al saltar del frenesí de acción casi incesante de "Planet Terror" a la más calmada y llena de diálogos "Death Proof" puede ser contraproducente para la segunda película. Estoy de acuerdo, y con eso en mente termino esta entrada, para traerles la próxima vez el análisis de la segunda mitad de "Grindhouse", "Death Proof", el quinto filme de Quentin Tarantino.

    

    

Twilight (2008)

Ha! YOU should put your seat belt on! - Edward Cullen

Una película de Catherine Hardwicke

Producida por Wyck Godfrey, Jamie Marshall, Greg Mooradian, Mark Morgan y Karen Rosenfelt

Escrita por Melissa Rosenberg

Elenco: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Cam Gigandet, Nikki Reed y Billy Burke

Calificación: 1,5/5

    Supongo que se podría decir que cuando me disponía a ver "Crepúsculo", ya sabía en qué me estaba metiendo. Después de todo, no vivo en una cueva de Marte con los ojos vendados y las orejas tapadas. Claro que oí hablar del filme y de la serie de libros que lo inspiraron. La serie de cuatro novelas de la escritora estadounidense Stephanie Meyer han generado una sensación global que muchos han comparado al fenómeno que generó J. K. Rowling con sus siete libros de "Harry Potter". Me reservo el comentario sobre la calidad de los libros de Meyer y la inevitable comparación con la serie de nuestro joven mago favorito, pues si bien es cierto que este servidor leyó por completo la serie Harry Potter, incluso más de una vez, nunca he leído "Crepúsculo" ni sus sucesoras. 

    Pero por lo que oí en las calles, "Crepúsculo" la película es muy fiel al libro, así que no me puedo imaginar que tanta calidad puede tener el libro para merecerse el seguimiento que se le da. Pero no quiero iniciar un Celebrity Deathmatch entre Edward Cullen y Harry Potter (o Robert Pattinson y Daniel Radcliffe, porque sabemos muy bien quién de esos dos sobrevivió a un hechizo asesino y quién no tuvo tanta suerte). Así que, sin más preambulos, vamos a ver de qué trata "Crepúsculo".

    Al empezar nada más, conocemos (algo de lo que inmediatamente me arrepentiría) a Isabella Swan (Kristen Stewart, a quien tal vez recuerden de "La Habitación del Pánico"), o Bella, para abreviar. Ella vivía felizmente con su madre y su padrastro en la soleada Phoenix, Arizona. Pero como la película no puede quedarse en Bella viviendo feliz, su madre y su padrastro tienen que viajar, y a ella le toca quedarse con su padre, un policía en el pueblo de Forks, Washington. Nublado, rodeado de enormes bosques y montañas, frío, cerca de un lago...el mismísimo Infierno, verán. O al menos lo es para Bella...

    Hasta que conoce a Edward Cullen (Robert Pattinson, a quien tal vez recuerden de "Harry potter y el Cáliz de Fuego" a lo que hacía alusión en el anteúltimo párrafo). Muy apuesto, aunque algo pálido, Edward sin embargo se muestra algo hostil hacia la chica nueva, huyendo de ella cada vez que la ve o la huele...sí, la HUELE. Porque Edward es un vampiro.

    Y esa es la trama, es básicamente un romance entre una humana y un vampiro. Pero cuando digo que Edward y los demás son vampiros, lo digo sólo porque así los llama el filme, porque un vampiro no debería ser capaz de salir a exteriores en horas del día, por muy nublado que esté, y cuando la luz del sol los toca (al menos podrían haberse puesto bloqueador solar como los de "Blade" y su secuela), los vampiros no deberían...no, no tengo corazón para arruinarles esa sorpresa. 

    Podría pasarme otros cuantos párrafos hablando de cómo "Crepúsculo" tira al inodoro toda la mitología universal de los vampiros, pero no quiero parecer un nerd. Podría también pasarme dichos párrafos hablando de la maldita actitud de Bella en cuanto a todo el mundo, desde su padre hasta sus compañeros, nada gano con decir que nunca antes había deseado que un personaje ficticio sufriera una muerte tan horrible y dolorosa como la que esperaba que le sucediera a ella, y sinceramente no tengo ánimos para empezar un análisis de los pensamientos de las chicas adolescentes de nuestros tiempos. Me quedo con una frase de un crítico al que leí, cuando hablaba del libro, que expresa muy bien lo que opino de Bella: "Si es así en realidad cómo piensan las chicas, que son el futuro, pues detonemos las ojivas nucleares y que las cucharachas tomen el control del mundo."

    Así que mejor pasaré a hablar de los momentos divertidos (no intencionalmente divertidos, entiéndase), aquellos simpáticos lapsos en los cuales la directora Catherine Hardwick ("A los 13") parece recordar que algunas de las miles de millones de chicas que irían a ver su película podrían llevar a sus novios (me encantaría conocer a uno de esos desafortunados congéneres para poder preguntarle "¿valió la pena? ¿Eh? ¿Eh?") y que hacen falta escenas de acción para evitar un ola de suicidios masivos. Así, Hardwicke nos deleita con una sucesión de efectos especiales que podrían haber salido de un mal capítulo de "Smallville". El efecto de la supervelocidad de los vampiros es terrible, muy por debajo de...de los momentos similares de la ya mencionada serie que protagoniza Tom Welling. El momento en que Edward salva a Bella de morir aplastada por un vehículo (porque claramente Edward me odia y quiere verme sufrir) también es otra joya de falsedad cinematográfica. Y está el clímax entre Edward y James (Cam Gigandet, a quien tal vez recuerden si entran a IMDB porque no hizo nada más importante que algunos capítulos de "The O.C.", "C.S.I" y "Jack and Bobby") que es muy triste. Triste por el hecho de que parece que hicieron esta película con 100 dólares de presupuesto para efectos especiales. 

    Pero bien, con un gran desempeño en taquilla, la segunda parte de la saga, "Luna Nueva", ya está filmándose, y aunque no tengo mucha fe en la calidad de la próxima película, espero que por lo menos los efectos estpen bien...aunque eso eliminaría esas risas cuando Edward "empuje" autos y corra a "supervelocidad".

    Si quieren ver una película de verdad que trate estos temas, vean "Déjame Entrar", uno de los mejores filmes de terror del 2008 y una historia de amor que es mil veces más honesta y realista que nada de lo que ocurre en el filme de Hardwicke. Eso sí, mucha sangre, mucha mucha sangre. Pero una obra de arte que no se deberían perder. Si el mundo conociera de justicia, "Déjame Entrar" debería haber ganado todo lo que "Crepúsculo" ganó en taquilla y más.

P.S.: No viene demasiado al caso, pero ya que estamos en el ámbito de la literatura y el cine, los dejo con la pelea a muerte entre J. K. Rowling y Stephen King. Sueño con el día en que a Stephanie Meyer le toque responder por su libro ante Bram Stoker...Blade puede hacer de árbitro invitado.

     

X-Men Origins: Wolverine (2009)

"You were sentenced to death for decapitating a Senior Officer. Your sentence was carried out by a firing squad at ten hundred hours. How'd that go?" - William Stryker 

Una película de Gavin Hood

Producida por Louis G. Friedman, Hugh Jackman, John Palermo, Lauren Shuler Donner y Ralph Winter

Escrita por David Benioff y Skip Woods

Elenco: Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston, Taylor Kitsch y Ryan Reynolds

Calificación: 3/5 

    Recuerdo mi primera reacción al oir de la próxima realización de esta película, fue algo así como "esto me huele a ejecutivos de estudio codiciosos"...Seguí el desarrollo del filme a media distancia, no tan de cerca como seguí el día a día de "Watchmen" o como ahora mismo sigo el día a día (más bien hora a hora, gracias a Frank Marshall y su perfil de Twitter) de la esperada, al menos por mí, "The Last Airbender", de M. Night Shyamalan. No, "Wolverine" nunca estuvo tan alto en mi radar, principalmente por esa primera reacción. 

    Luego comenzaron a llegar las fotos...y no hicieron mucho por mejorar mis ánimos en cuanto a la película. Luego los rumores de diferencias entre los ejecutivos y el director Gavin Hood ("El Sospechoso"), etc. Luego los primeros trailers comenzaron a circular, y si bien no estaban mal, tampoco sobresalían. Pero luego...luego el vudú que ejerce la compañía Marvel sobre todos aquellos que alguna vez tocaron un comic de ellos entró en efecto en este joven que el año estaba cautivado por la serie "Guerra Civil" de la Casa de las Ideas (aunque ahora los comics de Marvel han pasado a un segundo lugar en mi radar, reemplazados por mangas japoneses) y mi interés empezó a crecer...Además, el último trailer se veía espectacular. Así que el jueves pasado tomé mis cosas y fui al cine a verla.

    Pero antes de empezar el análisis, algo de historia...historia según el filme, claro está. La odisea de James Logan (Hugh Jackman), quien en un futuro sería conocido como Wolverine, se puso en marcha a mediados del siglo XIX, cuando era sólo un niño mutante capaz de usar tres huesos que le salen de ambos nudillos como armas y regenerarse. Logan vivía felizmente en lo que ahora es el norte de los Estados Unidos. Pero en una noche su vida queda arruinada, y termina huyendo junto con su hermanastro Victor Creed, otro mutante con poderes similares. Logan y Victor (Liev Schreiber) se dedicaron de ahí en adelante a una vida de violencia, participando en cuanta guerra pelearan los Estados Unidos; en un bastante buen montaje vemos cómo los hermanastros pelean contra los sureños en la Guerra Civil Norteamericana, contra los alemanes en las dos Guerras Mundiales y contra los vietnamitas en Vietnam. Hasta que, estando en Vietnam, Victor decide ponerse algo desobediente con un oficial, lo que desencadena en una pelea en la que Logan se involucra y que termina con el saldo de un oficial muerto. 

    Pero ser mutantes que se regeneran tiene sus ventajas a la hora de lidiar con molestias menores como pelotones de fusilamiento, por lo que luego de que su sentencia fuera "ejecutada" y los insubordinados fueran devueltos a su celda, son abordados por el Coronel William Stryker (Danny Huston), quien les propone unirse a su "grupo de personas especiales, con privilegios especiales". Se trata de un equipo de mutantes al servicio de Stryker. Pero al cabo de un tiempo Logan se cansa de las atrocidades que Stryker les hace cometer, y se separa de ellos. Varios años más tarde, cuando Logan se encuentra vivendo apaciblemente con su amada Kayla (Lynn Collins), Stryker se le presenta para decirle que Victor empezó a asesinar a sus viejos compañeros del grupo y que Logan es el único que puede detenerlo.

    No soy un erudito de la historia de los X-Men y ni de Wolverine en particular; de hecho, casi nada sabía del pasado del mutante con huesos de acero. Y debo decir que la idea detrás de todo esto, lo del grupo de muntantes que trabaja para el Gobierno, no es mala, si bien no es la cúspide de la originalidad. Además, se nota el cariño que le tiene Hugh Jackman al personaje que terminó de lanzarlo a la fama internacional hace ya nueve años. Porque la energía que Jackman aporta al filme es increíble. Jackman corre, salta, corre más, salta más, corre un poco más estando desnudo, pelea...es cierto que nada de eso debería considerarse demasiado excepcional viendo el envidiable estado físico del actor australiano (y sí, vemos mucho de eso gracias al señor Hood) pero aún así es digno de aplauso, más aún si se tiene en cuenta que Jackman hace su mayor esfuerzo en la parte actoral también, no sólo en la parte física.

    Los que no estuvieron al máximo en sus capacidades fueron los guionistas Skip Woods y David Benioff. Su guión va de clichado (lo del héroe actuando por venganza es algo que aplicaron guionistas y escritores que van desde Alejandro Dumas hasta Uwe Boll) a predecible ("lo hice porque tienen a mi hermana") y luego a completamente ridículo (¿Balas? ¿BALAS? ¿No se les pudo ocurrir nada mejor?). No que espere mucho de Woods, cuyo mejor guión de todos los que hizo probablemente sea el de "Swordfish" (2002), que si bien era una buena película de acción, de profunda no tenía mucho...pero Benioff, el que adaptó "Cometas en el Cielo" al cine...él podía haberlo hecho mejor. Repito, no se cuánto de la película ya viene directamente de los comics, pero aún así no creo que eso importe demasiado, podían explicar la amnesia de otra forma.

    Ninguna queja en el departamento de acción, eso sí lo puedo asegurar. Muchas escenas de persecuciones, peleas, tiroteos y muchas, muchas explosiones. Puntos extra para Gavin Hood por lograr unas estilizadas secuencias de acción, áun recurriendo a uno que otro cliché. Una muy satisfactoria persecución con motocicletas, humvees y hasta un helicóptero, la ya citada intro de Logan y Victor en las guerras, y la espectacular batalla final, muy bien lograda. La inclusión del favorito del público Gambit (Taylor Kitsch) también es un punto positivo, pues es un personaje interesante, aunque termina teniendo mucho menos tiempo de pantalla del que se merece; otro tanto le ocurre al actor Ryan Reynolds ("Definitivamente Tal Vez"), cuyo personaje, Wade Wilson, es otro favorito y hecho a la medida de las dotes sarcásticas del actor, al que lastimosamente sólo vemos por unos minutos...Bueno, está confirmado que Fox está preparando un spin-off para el personaje...

    Las grandiosas secuencias de acción y el carisma de Hugh Jackman más o menos compensan el mediocre guión, pero podía haber sido muchísimo mejor. El género de los filmes basados en cómics se ha vuelto increíblemente competitivo por esos tiempos ("El Caballero Oscuro", "Iron Man" y "Watchmen" son prueba de lo profundos e inteligentes que pueden ser, a la par de ser espectáculos visuales de gran calibre), y "Wolverine" podría haber entrado en esa lista con un poco más de atención al guión.

    

    

    

    

Resident Evil: Degeneration

"If you don't try to save one life, you'll never save any." - Leon S. Kennedy

Una película de Makoto Kamiya

Producida por Hiroyuki Kobayashi y Hidenori Ueki

Escrita por Shotaro Suga

Voces: Alyson Court, Paul Mercier, Laura Bailey, Roger Craig Smith y Crispin Freeman

Calificación: 1/5

    Quería que me guste...Por Dios, cómo quería que me guste...Estaba decidido a disfrutar de la película, sea como sea, y, para ser honesto, a primera vista no se parecía para nada mala. A juzgar por los trailers y las fotos, se trataba de algo bueno, posiblemente muy bueno, una redención de la mitología que lleva la serie de juegos "Resident Evil", que este 2009 está cumpliendo 11 años de antiguedad, Y es que la trilogía de películas protagonizadas por Milla Jovovich, cuya primera parte un servidor disfrutó mucho a sus tiernos 13 años de edad y aún hoy suele ver hasta llegar a la parte del pasillo con los lasers (en ese entonces yo era un virgen en el género zombie, faltaban aún varios soles para que el profeta Zack Snyder me introdujera a las bondades del género del patriarca George A. Romero), si bien podían al menos ser entretenidas a nivel de placer culpable para el grueso del público, estaban en gran falta con los fans de los juegos por tener poco en común con las tramas de la saga de Capcom. Sí, en las peliculas aparecieron Jill, Carlos, Nicholai y alguno que otro nombre familiar, pero ni se parecían mucho a los personajes originales ni tenían demasiada relevancia cuando la Alice de Milla Jovovich aniquilaba monstruos con motocicletas o, a falta de estas, con sus propias manos.

    ¿Cómo arreglar eso? Pues parece que los muchachos de Capcom decidieron que lo más lógico era ir en la dirección opuesta a la de las películas. Le dieron el protagonismo no a uno, sino a dos de los personajes principales de la serie, Leon S. Kennedy y Claire Redfield, adecuaron la historia a la línea de tiempo de los juegos (este mundo no está invadido por zombies, sino que los humanos seguimos en control, como si nada hubiera pasado) y, principalmente, hicieron toda la película en animación por computadora.

    Veamos la trama, pues. Siete años han pasado desde el "Incidente de Raccoon City", en el cual el Gobierno estadounidense borró a la ciudad infestada de zombies y monstruos varios del mapa con un misil nuclear para evitar que el virus T y su variante G se expandieran. Como vemos en la intro (demasiado larga para mi gusto), la el incidente que costó más de 100.000 vidas desembocó en la desgracia financiera y posterior extinción de la Corporación Umbrella, la responsable de crear los virus. Años más tarde, sin embargo, una nueva corporación farmaceutica, WillPharma, comenzó actividades en India y Africa que alarmaron a todos los que guardaban recuerdos de Raccoon City. Uno de los principales accionistas de la empresa, el senador Ron Davis (Michael Sorich) se volvió blanco del constante asedio de parte de grupos de activistas.

    Llegamos al presente. Claire Redfield (Alyson Court), sobreviviente de Raccoon City, es parte de una ONG que protesta contra Davis y WillPharma. Se encuentra en el aeropuerto de Harvardville, esperando a una amiga. El senador Davis también se encuentra en el lugar, tratando de pasar desapercibido por el grupo de activistas que está esperándolo fuera del aeropuerto. Sin embargo, cuando el senador y sus guardaespaldas intentan retirarse, una persona muy pálida gime mientras camina muy lentamente hacia ellos. Sin previo aviso ataca a un guardia, mordiéndolo en el cuello. Claire, con su experiencia, reconoce inmediatamente lo que ocurre. Más zombies aparecen en el aeropuerto, y pronto el lugar es puesto en cuarentena. Ahora Jill, con la hija de una amiga, el senador Davis y varios otros sobrevivientes, deben aguardar rescate. Dicho rescate ha de ser liderado por otro sobreviviente de Raccoon, el ex-policía-por-un-día y actual agente del Gobierno Leon Scott Kennedy.

    Hay más que eso, claro. Muchos otros personajes, cada uno con sus intenciones, y muchas cosas que ocurren tras bambalinas y que más tarde en el film revelarán oscuros secretos y demás...Y es increíble cómo con tantos elementos, personajes y sub-tramas con potencial, los realizadores terminaron con un producto tan increíblemente superficial. Vayamos por partes...

    Primero lo bueno: la intro con créditos de la película, consistente en reportes noticiosos de la tragedia de Raccoon City y los acontecimientos que desencadenó; es una buena forma de exponer la historia al público para ahorrarse luego minutos de diálogos expositivos y al mismo tiempo darle algo de realismo al film, de dar un poco más la ilusión de que eso podría pasar. Sin embargo, se puede discutir que se hace demasiado larga e incluso aburrida, pero es, lastimosamente, de lo mejor que tiene la película. Como un dato extra, si quieren saber cómo se hace una intro para una película de zombies, vean la de la remake que Zack Snyder hizo de "El Amanecer de los Muertos" (2004), y aprendan.

    Ahora lo malo, pues. Todo lo demás. Desde los movimientos de los personajes, que en muchos momentos no parecen captura de movimiento (la misma técnica se utilizó para "El Expreso Polar" y "Beowulf", ambas de Robert Zemeckis, y se nota que aún no está desarrollada al máximo), movimientos faciales aún menos creíbles que hacen a uno desear que la cámara se mantenga lo más lejos posible de las caras de los personajes, un diálogo lleno de los clichés más increíbles que pueda uno imaginarse, de esos que dan un poco de verguenza ajena y recitados por los actores con mediocridad; más clichés fuera de los diálogos, entiéndase en el personaje del senador Davis, un maldito cliché con patas, el clásico político inescrupuloso; el villano con un pasado triste y deseos de venganza, el villano corporativo, por supuesto la malévola corporación...Todo lo que ya se vio una y 100 millones de veces en otras películas...También hay problemas de lógica...¿qué clase avión comercial que se estrelle contra el edificio de una aeropuerto no explota en una letal bola de fuego de combustible? Cuando alguien les haga esa existencial pregunta, en vez de encogerse de hombros podrán levantar la cabeza y orgullosa mente proclamar "¡El de "Resident Evil: Degeneración"!"

    No tengo corazón para recomendar esta película en ningún contexto...¿Para ver acción? Mejor ver cualquier otra película, CUALQUIER OTRA...¿Para ver animación computarizada que no sea para niños como la de Pixar? Mejor ver "Beowulf" (luego de golpearse la cabeza una y otra vez contra la pared más cercana hasta que la idea de que las películas de Pixar son "para niños" salga de su cabeza)...¿Para ver algo que lleve el nombre "Resident Evil"? Los juegos o la primera película de la ya mencionada trilogía...

    La realidad es triste, pero es la realidad: "Resident Evil: Degeneración" es mala. Mucho.

    P.D.: Para cerrar, los dejo con una pequeña escena de la película dirigida por el señor que ya mencioné dos veces en esta crítica, Zack Snyder. Está doblada en alemán, pero no es una escena que dependa mucho del diálogo, y muestra cómo se hace una escena de acción con zombies.

Transporter 3 (2008)

"Let me guess...You're the smart one." - Frank Martin

Una película de Olivier Megaton

Producida por Luc Besson y Steve Chasman

Escrita por Luc Besson y Robert Mark Kamen

Elenco: Jason Statham, Natalya Rudakova, Robert Knepper, Francois Berléand y Jeroen Krabbé

Calificación: 3/5

    Es hora de volver a sus raíces para el famoso personaje que terminó de lanzar a la fama Jason Statham. En esta tercera entrega de la serie "El Transportador" queda atrás la colorida Miami, Frank Martin vuelve al pueblo de Marsella de la primera película, vuelve a encontrarse transportando a una bella mujer en vez de tratar de rescatar a un niño, el personaje del detective Tarconi (Francois Berléand) vuelve a ser un personaje más bien serio luego de una pasantía en el territorio de los comic relief en la segunda entrega...¿Y el resultado final?Pues es más o menos lo mismo, ¿qué esperaban?

   No es una trilogía que se caracterice por su profundidad o espacio para la variedad (salvo que se trate de la variedad de formas en las que se puede neutralizar a enemigos en peleas a puño o persecuciones de autos). Con decir que lo único que hace a esta película diferente de la original es el nuevo villano, el nuevo Audi y la nueva chica...Tal vez para " El Transportador 4" puedan volver a traer a la chica de la primera película, al estilo "Rápidos y Furiosos", algo así como "Nuevo trabajo, paquete original." Pero me estoy alejando del punto...

    En fin, el argumento. Veamos, nuestro transportador favorito, Frank Martin (Statham) se encuentra de nuevo viviendo en Marsella, disfrutando de sencillas actividades como pescar con su viejo amigo, el detective Tarconi, ver televisión mientras cena, o derrotar a cinco matones a mano limpia (luego de colgar el saco en un perchero para que no se arrugue, claro). Aunque la rutina termina cuando una noche un auto ingresa a su sala e interrumpe la cena. En el auto están un colega transportador al que Frank reconoce inmediatamente, que por alguna razón insiste en no salir del vehículo, aún a pesar de haber sido herido por una bala y estar muy golpeado. Una vez que es llevado por una ambulancia, Frank nota que su amigo no estaba solo en el auto, pues hay una mujer en el asiento trasero que también se niega a bajarse, y le muestra un extraño brazalete que tiene en la muñeca. Previsiblemente, la ambulancia explota y Frank es noqueado por alguien que lo golpea desde atrás. Cuando Frank despierta, ve que ha sido reclutado para un nuevo trabajo. Transportar algo no especificado a través de Europa, acompañado por la mujer del auto. Provisto con un brazalete propio que le impide alejarse mucho de auto, Frank comienza el trabajo.

    Quiero empezar diciendo que me gustó más la segunda entrega de "El Transportador", es mi favorita de las tres, porque el trabajo que hizo Louis Leterrier me pareció mucho más correcto en lo que a escenas de acción se refiere. Me explico: en las escenas de pelea de la película de Leterrier, uno podía entender perfectamente qué le estaba haciendo Frank al Matón Anónimo #5, porque el director no abusaba de los cortes y las sacudidas de cámaras; pues bien, en esta nueva entrega, dirigida por el francés Olivier Megaton, se hace evidente un caso, si bien leve, del que podemos llamar el "síndrome de Bourne", en el cual las peleas éstán supereditadas con cortes frenéticos cada segundo que imposibilitan que se entienda del lo que ocurre, algo que viene pasando mucho en el cine, últimamente (para mayor referencia, ver la trilogía Bourne o la última de James Bond, "Quantum of Solace"). Otro tanto pasa con las escenas de persecución con autos, donde se nota parte del pasado artístico de Megaton (léase comerciales y videos musicales), aunque no es un caso tan grave. 

    En lo que a actuación se refiere...bueno, no es que sea un factor muy importante en este tipo de películas, pero no por eso quiere decir que esté especialmente descuidado; como los demás aspectos, es más de lo mismo. Statham hace la misma interpretación que en casi todas sus otras películas de los últimos tiempos (no le vendría mal un poco de variedad a Jason, para ser honestos). La chica de esta ocasión, la debutante Natalya Rudakova se limita a imitar a las miles de actrices que hicieron el mismo tipo de papel en el pasado, como Olga Kurylenko en "Hitman". Sin embargo, no puedo decir nada de Robert Knepper, el siempre confiable Robert Knepper, a quien vengo siguiendo desde que empecé a ver "Prison Break"; probablemente su villano sea el mejor de toda la serie, aun con un tiempo de pantalla más bien reducido.

 Otro punto de esta entrega sobre sus predecesoras es el climax, por lejos el más espectacular de la trilogía. Pero en mi opinión, todo lo que estuvo mal se puede mejorar, principalmente el aspecto de la edición a la hora de filmar escenas de acción...Aprovecho para olver a decir que Quentin Tarantino es uno de los que saben cómo se filma una persecución, todavía no vi nada que supere la persecución de 8 minutos de "Death Proof". 

    Aún así, "El Transportador 3" es un filme más que recomendable para acompañar a la pizza en la reunión con los amigos...siempre que "Taken" o "Death Race" no estén disponibles.

    

    

Dead Space: Downfall (2008)

"I'm not a hero, I'm just a man..." - Samuel Irons

Una película de Chuck Patton

Producida por Joe Goyette

Escrita por Justin Gray y Jimmy Palmiotti

Voces: Nika Futterman, Kevin Michael Richardson, Kelly Hu, Grey DeLisle y Jim Cummings

Calificación: 1/5

    Bueno, no puedo decir que no lo vi venir...Es un dibujo animado americano basado en un videojuego actualmente popular (aunque sin la historia detrás de franquicias como "Resident Evil" o "Doom")...Como mucho esperaba sacar unas cuantas secuencias de gore bien animado, pero ni siquiera eso. Es simplemente un producto, una forma de sacar más dinero de la naciente franquicia "Dead Space", de la manera más barata posible, mientras hacen tiempo para la inevitable adaptación al live action (que sinceramente espero que haga quebrar a todos los involucrados sólo como castigo por su desmesurada hambre de dinero). 

    La historia, o la incoherente serie de palabras e imágenes que aquí pasan por historia, es la siguiente: No sé por qué, ni cómo, porque el filme no se molesta en explicarnos, la humanidad ha llegado hasta los confines más remotos del espacio. Aparentemente la Tierra aún está ahí, y aún es el centro de la existencia humana (antes de seguir, por favor imagínense que en el principio de cada oración de mi sinopsis están las palabras "Creo que"). Una religión, la Unitología, es ahora la más popular en la Tierra, y una misión ha encontrado algo que parece ser muy valioso para ellos, como un monolito sagrado o algo, en una vieja colonia minera abandonada(ALERTA DE PLAGIO, ALERTA DE PLAGIO). Por supuesto que el monolito o lo que sea tiene algo malo, porque los exploradores comienzan a morir, mientras la nave madre que los trajo hasta ahí, el Ishimura, se lleva el monolito. Aparentemente algo está haciendo mutar a las personas (ALERTA DE PLAGIO) en seres hostiles y con hambre de carne humana...Cuando el capitán de la nave (Jim Cummings, cuyo trabajo se puede ver en secuelas de clásicos de Disney como "La Sirenita", y uno que otro videojuego), un ferviente unitólogo, se niega rotúndamente a abandonar el monolito, la rebelde...la llamaré oficial, porque hasta ahora no tengo idea de cuál era su función en la nave, Alissa Vincent (Nika Futterman, otra veterana de la animación norteamericana, su trabajo presente en unos cuantos capítulos de "Avatar: The Last Airbender"; aprovecho para repetir por enésima vez que "Avatar" es una de las mejores series de TV americana en la actualidad, junto con "Dexter", "24" y "Jericho") decide tomar el asunto en sus manos y, con un grupo de...¿mercenarios? Bueno, algo así, porque...bueno...tienen armas...salen a rescatar sobrevivientes y hacer otras cosas que no sorprenderán a nadie.

    Digo que no sorprenderán a nadie porque tal vez estemos ante la adaptación más fiel de un videojuego jamás hecha, y si bien su servidor jamás ha tenido el privilegio de ponerse al mando de un control o teclado y jugar "Dead Space", el producto tiene escrito "plagio de Doom" por todas partes en letras de neon rojo. De hecho, todo hombre y mujer que haya estado involucrado directa o indirectamente en la realización de cualquiér producto con el nombre "Doom" (y SÍ, les guste o no eso incluye a The Rock) debería formar fila para demandar a los responsables de esto (la película, digo; me reservo la crítica al juego hasta haberlo experimentado como niño bueno que soy). 

    Verán, en un momento mi querida acompañante en la odisea de ver ésa película destacó algo que yo había, inexplicablemente, ignorado: que la mayoría de los personajes (o sea, todos los que no estén en ropa interior o toalla, como la chica de la foto) tenían una especie de barra luminosa azul en la espalda. Mientras hacíamos conjeturas sobre la posible función de la barra, la película se encargó de respondernos: al morir uno de los personajes, cae al suelo convenientemente boca abajo para que veamos cómo la barra azul baja rápidamente, volviéndose roja cerca del final hasta vaciarse por completo. Sí, se trataba de una barra de vida...les ahorro los detalles de la conversación que siguió, durante la cual nos preguntamos si, de haberle golpeado alguien en la cara al personaje, la barra habría bajado un poco...

    Lo que nos lleva a los personajes...Supongo que la mayoría de los que leen sobre cine han visto filmes como "Alien" y sus secuelas...pues bien, Alissa Vincent es Ripley en las últimas dos "Alien", revelándose contra la autoridad y rompiéndo las reglas por el bien común, toda esa ya aburrida rutina, y el resto de los personajes son la típica galería de aspirantes a comida de mutante, los cuales parecen pasearse por la película sosteniendo cartelitos que detallan los momentos y las circunstancias de sus respectivas muertes; están todos presentes, el gigante bonachón es Samuel Irons (Kevin Michael Richardson, otra leyenda de las voces animadas, con trabajos en "Ben 10" y "American Dad", entre cientos de otros); la mujer mercenaria de armas tomar (¿recuerdan a Vasquez en "Aliens"?) es Shen, con la voz de Kelly Hu, cuyo trabajo más memorable es salir de una bañera en cámara lenta en "El Rey Escorpión"...no es que me queje no nada; luego están los otros, que no tienen personalidades discernibles, así que pasaré a otra cosa.

    ¿La animación? Es donde descansaban mis esperanzas de econtrar algo rescatable, una cualidad que redima a esta película, con una calidad por lo menos similar a la de "Teen Titans" (otro clásico moderno de TV animada), pero también ahí fui traicionado. Lo único bueno de la animación aquí (aparte del ocasional desmembramiento con sierra láser) fue que me recordó lo maravilloso que es el nivel de amor y atención al detalle que la gente tras "Avatar" le puso a su trabajo, Dios los bendiga.

    El guión a cargo de Justin Gray y Jimmy Palmiotti (me costó una enormidad recordar dónde había leído esos nombres antes, para luego encontrar que era en los créditos de unos de mis comics de la serie "Guerra Civil" de Marvel; éstos dos estuvieron a cargo de "El Jinete Fantasma" y otros comics secundarios de la Casa de las Ideas en los últimos años). J.G. y J.P. hacen su recreación de un videojuego en ésta: nivel 1, objetivo, llegar hasta el comedor y asegurar la zona; nivel 2, objetivo, regreasr al puente de mando...y así hasta el final. Eso no hubiera estado mal si tuviéramos personajes que fueran...personajes y no estereotipos que escupen "fuck" y "shit" como metralletas sólo porque los personajes de las películas/juegos que plagian lo hacían. 

    No sólo no es para niños, no es para nadie con medio cerebro funcionando. ¡Y que alguien les diga a los animadores que el cabello no flota en el espacio! ¿Es tan difícil leer un poco?

    

    

Taken (2008)

"If you let my daughter go now, that'll be the end of it. I will not look for you, I will not pursue you. But if you don't, I will look for you, I will find you, and I will kill you." - Bryan Mills 

Una película de Pierre Morel

Producida por Luc Besson

Escrita por Luc Besson y Robert Mark Kamen

Elenco: Liam Neeson, Maggie Grace, Nicolas Giraud, Arben Bajraktaraj y Famke Janssen

Calificación: 4/5

    Mucho escuché hablar de esta película antes de llegar a verla, y dado que lo que escuché era en general muy positivo (el crítico de un diario asunceno la recomendó por sobre "Quantum of Solace") la recibí con unas expectativas más bien altas. Y más aún tratándose del gran Liam Neeson ("Batman Inicia") en el papel protagónico, un actor al que si bien nunca califiqué como mi actor favorito, sí lo tenía por lo menos en mi Top 10; la sola perspectiva de ver al bueno de Neeson en plan James Bond/Jason Bourne era más que suficiente para mí. Y el filme entrega eso, y luego más de eso, y más, y más, y más...Y casi todo hecho de manera soberbia, tanto así que no nos importa la falta de, a falta de una mejor palabra, variedad en el desarrollo de la historia. 

    La premisa es simple a más no poder. En las primeras escenas conocemos a Bryan Mills (Neeson) mientras con cuidado selecciona el regalo de cumpleaños de su hija Kim (Maggie Grace), quien está viviendo con su madre (Famke Janssen) y el nuevo (y rico) esposo de ésta. No sabemos a qué se dedica Bryan, pero sabemos por sus conversaciones con un grupo de amigos que en su antiguo empleo factores como Hizbullah eran normales, así que contador no era. Como buen hombre que ha viajado por el mundo, codeándose probablemente con personajes no muy buenos, Bryan se muestra reacio a dar permiso a su hija a viajar a Paris con una amiga, pero ante las presiones de Kim y su ex-esposa, Bryan eventualmente cede...Y por supuesto, Bryan recibe la oportunidad de decirles a todos "se los dije" cuando Kim y su amiga son secuestradas de su apartamento en Paris...pero lastimosamente los secuestradores cometieron el error más grave desde que esos tipos secuetraron a la hija de Schwarzzenegger en "Comando", y ahora tendrán que lidiar con un sujeto enojado al que no conviene hacer enojar.

    El ritmo al que se mueve la película es similar al de "Quantum of Solace", saltando de pelea de puño a pelea de puño casi sin interrupciones, con la salvedad de la eventual persecución automovilística y los momentos de conversación, pero nadie pagó por ver a Neeson hablar, algo que Luc Besson (director de "El Quinto Elemento" y la versión original de "Taxi") y su protegido Morel saben. Saben que queremos ver a Liam hacer caer justicia divina sobre los malditos degenerados que se atrevieron a tocarle un pelo a su amada Kim, y con Dios como testigo que eso recibiremos. 

   Las escenas de acción que involucran peleas de puño o tiroteos son muy buenas, muy efectivas y bien filmadas, con Neeson (valga la redundancia) teniendo poco o nada que envidiarles a Matt Damon o a Daniel Craig, con puños volando como rayos a través de la pantalla sin nunca desorientarnos. En cuanto a las persecuciones de autos, hay, si mal no recuerdo, dos en toda la película, y ahí vemos que ésa es aún una asignatura pendiente para muchos cineastas. La edición excesiva sigue siendo para ellos un vicio que no entiendo, y si bien no se trata de un caso tan grave como el de "Quantum of Solace" (por momentos es imposible saber qué pasa en esa persecución inicial), no deja de ser molesto. Estoy más que de acuerdo con un crítico al que leí que dijo que deberían sentar a todos los directores que quieran incluir una escena de persecución en sus películas, mostrarles "Death Proof" de Tarantino y hacer que tomen notas.

    Mucho de las actuaciónes no se puede hablar, porque el dueño y señor de la pantalla, el amo indiscutido, el omnipresente cacique de esta película es Liam Neeson, que desde el segundo 1 nos hace simpatizar con él, siendo capaz de llevar a su personaje de amoroso padre a asesino despiadado capaz de arrasar con lo que sea y con quien sea, lastimar a hombres y a mujeres indiscriminadamente, con tal de recuperar a su hija. 

    Sin giros argumentales traídos de los pelos, sin dobles, triples o cuadruples traiciones, sin crítica social, se trata de cine llevado de vuelta a lo básico; damisela en peligro, héroe que va a su rescate, y punto. Mucha violencia, un protagonista con el que se puede simpatizar, una víctima que nos importa (porque le importa a nuestro protagonista)...Sorprendente, y sorprendentemente refrescante en su simpleza.

    

Max Payne (2008)

"Not yet, Max..." - Michelle Payne

Una película de John Moore

Producida por Scott Faye, John Moore y Julie Yorn

Escrita por Beau Thorne

Elenco: Mark Wahlberg, Mila Kunis, Beau Bridges, Amaury Nolasco y Chris "Ludacris" Bridges

Calificación: 2,5/5

    Llegará el día, yo lo profetizo...Llegará el día en que los filmes basados en videojuegos vivirán una etapa similar a la que ahora viven los filmes basados en comics, logrando gran éxito tanto comercial como crítico.  Los días de "Super Mario Bros.", "Street Fighter" y "Mortal Kombat" no serán más que un recuerdo...y el hombre habrá encontrado la cura para el cáncer, el cristianismo y el islam hallarán la armonía, y en el mundo reinará la paz. PERO eso será en el futuro, y por ahora tendremos que conformarnos con lo que hay....y lo que hay es algún que otro proyecto de Uwe Boll ("Postal") y "Max Payne"...

    Se trata probablemente de uno de los juegos más fáciles de adaptar al cine, pues el juego en sí es muy cinemático, y su argumento se prestaba para hacer de ésta película la "Sin City" del 2008...Cuando digo "su argumento", me refiero al de la serie de dos juegos en general, pues de primera mano sólo he probado la secuela, pero lo que vi destilaba potencial para cine noir del bueno y duro, con mucha violencia, un protagonista con estilo, y un mundo oscuro y amenazante...Pues bien, John Moore (la remake de "La Profecía") se olvidó de incluir dos de esos tres elementos.

    De acuerdo, ya hice mi tarea y puedo hablar del argumento. Se trata de una adaptación medianamente fiel del juego original que fue lanzado en 2001. Max Payne (Mark Wahlberg) es un oficial del Departamento de Policía de Nueva York, que regresa a casa un día para encontrar que tres asaltantes ingresaron a su casa y mataron a su esposa e hija. Tres años después, Max se encuentra transferido en la unidad de Casos No Resueltos, desde donde ha estado cazando a los responsables de su desgracia. La pista lo lleva hasta una droga increíblemente adictiva llamada Valkyr, que está dominando las calles de Nueva York y que aparentemente hace ver alucinaciones consistentes en oscuros seres alados. Cuando una mujer llamada Natasha (Olga Kurylenko) es asesinada luego de salir del apartamento de Max y es encontrada con la billetera del policía, éste pasa a convertirse en el principal sospechoso. Así, acosado por sus compañeros policías, el detective de Asuntos Internos Jim Bravura (Ludacris) y la misteriosa hermana de Natasha, Mona Sax (Mila Kunis), Max deberá resolver los misterios de Valkyr y su relación con la muerte de su familia.

    El videojuego era una mezcla de film noir (como ya dije, muy similar a "Sin City") y cine de acción (una de las principales inspiraciones del juego fueron las películas de John Woo), y por lógica uno supondría que lo que resultaría de una adaptación a la pantalla grande sería algo bueno, como mínimo...Pero no, John Moore quiso adaptar un juego que se basa en los tres pilares ya mencionados arriba a una película que se basa sólo en uno, y su propio peso causa que colapse. A favor de Moore, la atmósfera que crea para esta película es impecable, jugando con las sombras, los colores y las luces, logrando una Nueva York en la que el frío y la noche reinan, y aún las escenas diurnas destilan tristeza en copiosas lluvias y grises matices. Se trata del mundo en el que habita Max Payne, y su mundo no es bello, o más bien lo es en su majestuosamente amenazante forma. El efecto que traen las valquirias con sus apariciones también es digno de mención, con la nieve volviéndose chispas y el cielo enrojeciendo. En síntesis, se ve bien.

    Pero Moore se equivocó y de fea manera en los otros dos aspectos, los cuales, de haber sido encarados de forma correcta, hubieran parido un gran filme. El protagonista...Mark Wahlberg se parece bastante al personaje de los juegos, y es un actor consumado y nominado al Oscar, nadie puede dudar de su talento, y parece que la idea detrás de la forma en  que Moore y él encararon al personaje fue de hacerlo más humano...Pero lo que Wahlberg y Moore parecen haber olvidado es que los personajes de un filme como el que "Max Payne" debería haber sido NO DEBERÍAN ser simples seres humanos; deberían ser como Marv o Dwight o Hartigan, como Harry el Sucio...uno no va a una película como "Sin City" a ver a personas normales resolviendo sus problemas, sino a gente extraordinaria abriéndose paso a tiros, frases ingeniosas y puro estilo a través de lo que se les ponga en frente. Sin eso, "Max Payne" se convirtió en la mera cáscara de un film noir.

    Los demás personajes no ayudan demasiado, que digamos...Jack Lupino (Amaury Nolasco, de la serie de TV "Prison Break") no hace mucho más que mirar cosas desde escaleras de incendios y tejados, o al menos no lo vemos hacer mucho más. El personaje de Ludacris me parece más que innecesario, un completo desperdicio; digo, si van a poner a Ludacris en la película (porque, sin importar lo que los activistas anti-hip-hop del mundo digan, es muy buen actor) por lo menos le hubieran dado un mejor personaje, hubieran escrito mejor a Bravura...Mona queda aún más reducida que Bravura, lo que es lamentable cuando la actriz que la interpreta es la adorable Mila Kunis ("Forgetting Sarah Marshall").

    Lo que hubiera salvado a "Max Payne" del desastre, aunque por poco, hubiera sido la acción. Pero el señor Moore quería hacer una historia de detectives, en la que el protagonista hace exactamente lo que los ya mencionados: seguir pistas, hablar y ocasionalmente meterse en algún problema...Literalmente, parece que toda la violencia que la película tiene la introdujeron en los trailers, y eso no sólo es estúpido, sino que está mal, es engañar al público, y el público no se merece eso.

    Una verdadera lástima, y espero que Max Payne algún día llegue a redimirse en el mundo del cine...Ahora, si me disculpan, estoy leyendo un artículo sobre la guerra palestino-isrealí mientras sostengo en mi mano una copia de "Postal"...Bueno, en realidad no tengo una copia de "Postal", pero sería una gran fotografía si así fuera...

    

    

Righteous Kill (2008)

"Most people respect the badge. Everyone respects the gun." - Turk

Una película de Jon Avnet

Producida por Jon Avnet, Rob Cowan, Boaz Davidson, Randall Emmett, George Furla, Lati Grobman, Avi Lerner, Alexandra Milchan y Daniel M. Rosenberg

Escrita por Russell Gerwitz

Elenco: Robert De Niro, Al Pacino, Carla Gugino, 50 Cent y John Leguizamo

Calificación: 3/5

    Primero una película de suspenso como las de antes ("Transsiberian"), luego una de acción como las de antes ("Death Race") y ahora me encuentro con la cierra la proverbial trilogía de películas que si bien no innovan, entretienen. Ésta película, por supuesto, venía con un ingrediente especial: se trata de la tercera ocasión en la que los legendarios actores Al Pacino y Robert De Niro comparten créditos, la segunda vez que los vemos juntos en pantalla (en "El Padrino, Parte 2" no tuvieron escenas juntos), más de una década después de aquel duelo a muerte en "Fuego Contra Fuego" (de Michael Mann). ¿Llena las expectativas? En realidad no, y si bien, como dije, entretiene y tiene su buena ración de suspenso, simplemente no sobresale del resto interminable de películas mediocres similares, lo que habla muy mal del guionista y el director, quienes contando con semejantes actores no pudieron darnos más que el equivalente cinematrográfico de un capítulo de "Los Magníficos": sabemos que no es idéntico los demás capítulos en su totalidad, pero al verlo nos invade una inquietante sensación de deja vú.

    El argumento de Russell Gerwitz ("El Plan Perfecto") nos muestra los días de una pareja de experimentados detectives, el temperamental e impulsivo Turk (Robert De Niro) y el más calmado y calculador Rooster (Al Pacino), mientras tratan de limpiar las calles de traficantes como Spider (50 Cent). Además pronto se encuentran tras los pasos de un asesino en serie que elimina a criminales, proxenetas y demás calaña...un aspirante a Punisher, sin duda, que además deja poemas al lado de los cuerpos de sus víctimas. La inquietante similaridad del caso con uno que la pareja de detectives resolvió años atrás los deja perplejos, no pudiendo estar seguros de si se trata de un copión, de una simple coincidencia o si el verdadero asesino del caso anterior aún sigue libre.

    A Al Pacino no le está resultando muy auspicioso que digamos el trabajar con Jon Avnet, pues la última vez los dos colaboraron, en la película del 2007 "88 Minutos" las críticas fueron terribles, probablemente las peores en las carreras de ambos. Si bien "Righteous" supone una mejoría enorme, aún así no pasa de mediocre, lo que es una pena dado el potencial, no solo de los dos protagonistas, sino también de un reparto de calidad, como la siempre bienvenida Carla Gugino ("Sin City"), el más que aceptable Curtis "50 Cent" Jackson ("Hazte Rico o Muere Intentando") y el muy buen John Leguizamo ("El Fin de los Tiempos"), de los cuales sólo el último recibe un tiempo de pantalla más o menos aceptable. Los pesos pesados por supuesto no tienen problemas en llevar a sus personajes a buen puerto, porque...bueno, por algo ellos son lo que son, ¿no? Pero ni siquiera estos dos titanes de la actuación tienen la fuerza suficiente para llevar este guión del futuro e inevitable olvido al que está destinado.

    El señor Gerwitz y el señor Avnet parecen haberse pasaron los último treinta años, como mínimo, encerrados en alguna cueva a la que sólo se llega mediante un orificio que se encuentra en el sector más remoto del pico K2, con los ojos vendados y las orejas tapadas; estoy hablando idioteces, lo sé, pero es que no se me ocurre otra forma en la que hayan pensado que sus giros de trama, que son comparables al Sol, porque lo divisamos aunque está a miles de millones de kilómetros de distancia. Nos muestran a Turk, inmediatamente tras los créditos iniciales, hablándole a una cámara, diciéndole que...bueno, llevo varios minutos tratando de decidir si poner o no lo que Turk dice, no estando seguro de si constituye o no un maldito spoiler...no creo que sea spoiler, apareciendo en el minuto 2, pero bueno, decidan ustedes mismos y luego me cuentan lo que opinan. Tal vez lo que más convendría a Avnet y, en especial, a Gerwitz, es tomarse unas vacaciones y ver más películas, para así saber qué ya se hizo y que aún sería original. O por lo menos qué es demasiado obvio y qué se puede perdonar...Los genios detrás de la serie de TV "South Park" les podrían ayudar, como muestra el capítulo en el cual a cada propuesta de un personaje para hacer cualquier cosa, otro le responde inmediatamente "Simpsons ya lo hizo"...No es que tenga nada que ver, pero me gusta "South Park", y es mi blog...

    Como sea. Con todo, el filme no es malo, y vale la pena si es sólo por ver a De Niro y Pacino esforzándose por elevar el nivel del filme,  y los esfuerzos de ambos siempre son un placer de presenciar para el espectador. Tal vez más adelante podamos ver de nuevo a estos dos gigantes de Hollywood compartir pantalla de nuevo, en un filme que sea digno de sus talentos. Crucemos los dedos.

    

Death Race (2008)

"Gentlemen...this should be intresting." - Coach

Una película de Paul W. S. Anderson

Producida por Paul W. S. Anderson, Jeremy Bolt, Roger Corman y Paula Wagner

Escrita por Paul W. S. Anderson

Elenco: Jason Statham, Joan Allen, Tyrese Gibson, Ian McShane y Natalie Martínez

Calificación: 4/5

    Sí...una calificación de 4 sobre 5, no están leyendo mal. "¿Qué significa esto?", se han de estar preguntando mientras miran por la ventana mas cercana alguna señal en el cielo de que el apocalipsis ha llegado. Porque, como la mayoría sabrá, el nombre de Paul W. S. Anderson suele representar para los críticos lo que el nombre Adolf Hitler para la comunidad judía mundial. Para aquellos menos entendidos en nombres relacionados al cine, les puede ser fácil confundirlo con Paul Thomas Anderson, el cineasta detrás de las aclamadas "Magnolia" y "Petróleo Sangriento". No, éste Paul Anderson es el hombre detrás de la relativamente bien recibida "Event Horizon", la original "Mortal Kombat", la primera y la tercera "Resident Evil" y la primera "Alien vs. Depredador". Por suerte, a mi siempre me pareció justo darle a alguien el beneficio de la duda, y como no tengo ningún rencor contra ningún director en especial ("Alien vs. Depredador" podría haber sido mucho peor, en mi opinion), creo que tengo una capacidad para disfrutar películas que ostentan un título como este.

    No se engañen, mi generosa calificación no significa que el marido de Milla Jovovich se ha reinventado a sí mismo con una revolucionaria obra de cinematografía digna de galardones. Es simplemente otra película más como a las que nos tiene acostumbrados, no recomendada para ver con la novia de uno, sino con tres o cuatro amigos y tres o cuatro pizzas. Anderson hizo un producto desvergonzado, que no pide disculpas por ser violento, rápido y lleno de testosterona y gasolina...y violento. Ápuntando directa y exclusivamente a entretener a los cuatro amigos con las cuatro pizzas, Anderson ha creado un producto consistente casi en su totalidad en energía y efectos especiales...y con éxito.

    El año es 2012, y la economía estadounidense ha colapsado completamente. El ex-corredor profesional Jensen Ames (Jason Statham) trabaja duro para tratar de mantener a su familia, consistente de él, su esposa y su pequeña hija, hasta que una noche alguien entra a su casa y lo noquea. Al despertar, se encuentra rodeado de policías; Ames es acusado de haber matado a su esposa, y tras ser condenado, es enviado a la prisión de Terminal Island, donde tiene lugar un evento llamado Death Race, una carrera de tres etapas en la cual el objetivo es no sólo llegar primero, sino sobrevivir y eliminar a los oponetes. La directora Hennessey (Joan Allen) organiza el evento que es transmitido por Internet en Pay-Per-View, y con deseos de amentar los índices de audiencia, le propone al nuevo recluso un trato: el recluso que gane cinco veces la carrera se gana su libertad, y Hennessey quiere que Ames tome la identidad del corredor favorito del público, el cuatro veces ganador corredor enmascarado conocido como Frankenstein, a quien el público supone en recuperación tras una fatídica carrera que en realidad le había costado la vida. Movido por sus ansias de volver junto a su hija, Ames acepta.

    Podría haber hecho un resumen pormenorizado de toda la película, incluyendo cada giro de la trama y cada revelación, y aún así no hubiera incurrido en ningún spoiler. Se trata de una película tan previsible como las hacen...en lo que corresponde al argumento propiamente dicho, claro está. Desde el momento en que Ames es inculpado, sabemos más o menos qué es lo que en realidad ocurrió, y podemos adivinar con bastante precisión quién está detrás de lo sucedido y por qué. Es casi como si el director no quisiera que nos esforzemos mucho con trivialidades sin importancia como el guión, desarrollo de personajes y demás, Dios no quiera que nos distraigan del verdadero deleite de esta película.

    Y cuando llegamos al punto central del filme, es justamente eso, un deleite...Los autos están blindados al máximo nivel posible y armados con armas con el tipo de calibre que hace que el blindaje otorgue no demasiada protección que digamos. Cada uno de los corredores, salvo el hostil Machine Gun Joe Mason (Tyrese Gibson, de "Cuatro Hermanos"), cuenta con una muy curvilínea co-piloto traída de una prisión de mujeres cercana, siendo la acompañante de Ames la hermosa Elizabeth Case (la modelo y actriz de TV Natalie Martínez)...en serio, ¿no les encanta lo desvergonzada que es la película? Les encantará, se los aseguro...digo, ¿qué hombre no quisiera conducir un auto con más armas y dispositivos como pantallas de humo (porque sí, también tienen de esos) que un vehículo de James Bond y con Natalie Martínez (bueno, no sería mi primera opción en particular, pero haría el esfuerzo) en el asiento de al lado? 

    Anderson parece tener una afición muy especial por los videojuegos (su filmografía es prueba fehaciente), y su influencia se hace muy notable aquí, de forma tal vez incluso más literal que en, digamos, "Resident Evil". A los espectadores entendidos en la materia de los video-juegos (presente) les resultará más que familiar el aspecto de las carreras de Death Race de que las armas y dispositivos de defensa no están totalmente al control de los ocupantes de un vehículo...no, eso sería muy fácil, ¿no? Para poder usar sus instrumentos de muerte, deben pasar primero sobre unas plataformas simbolizadas...¿Familiar? En Mario Kart y Crash Team Racing eran cajas, en la trilogía "Wipeout" eran también plataformas...Podría dar una infinita lista de juegos que usaron la misma idea, pero como ya me hice quedar a mí mismo como un nerd lo suficiente por hoy, me abstendré.

    ¿Las actuaciones? Bastante genéricas: Statham (la trilogía "El Transportador") siendo el mismo personaje de siempre, Martínez siendo la modelo-actriz más o menos promedio, aunque quedando algo arriba de la media; Gibson siendo grande y malo...No estamos hablando de grandes personalidades, ni siquiera de personalidades mediocres. Éstos son seres unidimensionales, pero eso es todo lo que su mundo requiere que ellos sean. Dos personas se destacan, sin embargo: el genial Ian McShane ("Kung Fu Panda") parece poseído por una legión de actores entre los que se encuentran el David Carradine de "Kill Bill", Burt Reynolds e incluso una pizca del Morgan Freeman de "The Shawshank Redemption", haciendo interesante cada escena en la que su personaje Coach entra a la pantalla. Pero la que lo hace mejor aquí es Joan Allen; la recordarán de "La Supremacía Bourne" y "El Ultimatum de Bourne" como la comedida y calculadora líder del equipo a cargo de atrapar a Jason Bourne, su personaje era antagonista, no villana. Pues bien, ése no es el caso aquí, donde Allen interpreta a la también calculadora pero malvada directora del penal, obviamente divirtiéndose mucho, lo que refleja positivamente en su interpretación; es singularmente satisfactorio ver a Allen, con una apariencia de mujer de negocios residente de algún lindo suburbio y madre de dos, perdiendo el control y gritar ordenes a quien tenga la mala fortuna de estar cerca.

    Como dije, esta nueva adición a su filmografía no le ganará a Anderson el respeto de quienes no dieron buenas notas a sus previos trabajos, pero eso poco parece importarle al cineasta. El tipo parece decirles a sus críticos "púdranse en el infierno, yo me voy a divertir les guste o no". Nos invita a divertirnos con él, y yo estoy más que contento al decir que vale la pena aceptar la invitación...¡Incluso hay una aparición de Robin Shou! ¿Qué? Vi "Mortal Kombat" innumerables veces cuando chico, y no me averguenzo...

    Qué cosa tan maravillosa es el cine, que nos permite disfrutar de cosas tan variadas como "Kill Bill" y "El Protegido", tan distintas como "Sweeney Todd" y "Wanted"...Cuando Coach, en la última escena de la película, mira directamente a la cámara y dice "me encanta este trabajo", me sentí con ganas de decir en voz alta "a mi también".

    

Transsiberian (2008)

"With lies, you may go ahead in the world, but you may never go back" - Det. Illya Grinko

Una película de Brad Anderson

Producida por Álvaro Agustín, Todd Dagres, Julio Fernández y Tania Reichert-Facilides

Escrita por Brad Anderson y Will Conroy

Elenco: Emily Mortimer, Woody Harrelson, Eduardo Noriega, Kate Mara y Ben Kingsley

Calificación: 4/5

    En estos ultimos tiempos hemos sido testigos de filmes cuyos realizadores están decididos a romper las barreras convencionales de sus respectivos géneros: gigantescos exitos de taquilla como "El Caballero Oscuro" y "Iron Man" llevaron el género de los comics a niveles insospechadamente altos, cosechando un exito crítico similar a su exito comercial; la gente de Pixar demostró una vez más, con "WALL-E", que la animación puede ser sublimemente hecha y estar al mismo tiempo acompañada de un guión brillante; directores como George A. Romero, Zack Snyder y Danny Boyle nos dieron sustos que a la vez nos hicieron pensar, con "El Diario de los Muertos", la remake de "El Amanecer de los Muertos" y "Exterminio", respectivamente; el mismo Boyle le dio su toque personal a la ciencia ficción con su , a mi parecer, sub-apreciada "Sunshine: Alerta Solar" en 2007...Podría seguir todo el día, pero eso sería perder el punto de este artículo.

    De vez en cuando es refrescante ver una película que se mantiene dentro de los parametros de su género, siempre y cuando la película esté hecha de manera correcta. "Johnny y June: Pasión y Locura" fue una película biográfica tan adecuada a la formula como las puede llegar a haber, pero con una brillante dirección, producción y aún mejores interpretaciones; "Los Infiltrados" fue un clásico thriller policial como lo fuera "Los Intocables" y muchos más filmes...Me siento seguro al decir que podemos añadir "Transsiberian" a esa lista; es un filme que, sin romper las barreras de su género, es un gran trabajo y un entretenido viaje.

    Nos encontramos con Roy (Woody Harrelson) y Jessie (Emily Mortimer), un matrimonio estadounidense que acaba de terminar un projecto con niños en Beijing, como parte de un projecto de la iglesia de la cual ambos son voluntarios. Su alma viajera logra que la pareja decida tomar el tren que va desde Beijing hasta Moscú, a través de Siberia, antes de volar de vuelta a los Estados Unidos. Lo que debía ser una serie de días de mucho abrigo, bebidas calientes y paisajes siberianos pronto cambia con un encuentro con una joven y encantadora pareja: son Carlos (Eduardo Noriega) y Abby (Kate Mara) y su bolsón lleno de muñecas matrioskas. Horribles circunstancias terminan poniendo a Roy y a Jessie perdidos en un país extraño, en medio de un clima hostil y con la inquietante presencia del Detective Illya Grinko (Ben Kingsley) tras ellos.

    Brad Anderson es el hombre responsable de dirigir "El Maquinista", una película del 2004 protagonizada por un esquelético Christian Bale ("El Caballero Oscuro") que si bien por estas partes pasó más bien desapercibido, fue un gran trabajo independiente, como un homenaje del director a los filmes de Alfred Hitchcock. Anderson mantuvo la paleta de colores de aquél filme generalmente oscura, opaca, gris, jugando con los aspectos psicológicos que le permitía exponer la premisa de un hombre que suspuestamente pasó un año entero sin poder dormir. "Transsiberian" cuenta una historia más convencional, y la paleta de colores que Anderson despliega en esta ocasión es sin duda más viva, pero el hombre hace un gran trabajo transmitiendo la amenaza sin palabras, sino con imágenes, como se debe hacer. Los hombres armados y los espacios cerrados de un tren son inquietantes, sí, pero nada es tan aterrador como la imagen del hielo perpetuo, los pinos cubiertos de nieve y los traicioneros suelos de Siberia; Anderson trata a Siberia como el enemigo principal de Roy y Jessie, una presencia que en cualquier momento podría lanzarse contra ellos y acabar con sus vidas de mil formas posibles. Eventualmente Anderson va concentrandose más en las amenazas humanas, pero esa presencia está ahí siempre. Es algo parecido a lo que se siente, poniendo un ejemplo que a mi me es familiar, cuando uno juega videojuegos como "Silent Hill", y ve el espacio en el mapa entre donde uno está y el destino, y se pregunta qué horrores le esperan en el camino.

    Woody Harrelson ("Semi-Pro") no encarna a un personaje precisamente memorable, pero el actor hace un buen trabajo, vendiéndonos efectivamente a un hombre más bien ingenuo, no precisamente a lo que nos tiene acostumbrados con filmes como "No Country For Old Men" (2007). Harrelson es el segundo nombre más reconocible de todo el elenco, pero la encargada de llevar la película es la actriz Emily Mortimer (la remake de "La Pantera Rosa"), pues es Jessie la protagonista, la encargada de canalizar la tensión de las situaciones, y Mortimer logra que temamos por su suerte y nos encontremos deseando que todo salga bien, aún cuando ella no se encuentra libre de culpa en los eventos que causan que todo alrededor de ella y su esposo se desmorone. El personaje de Eduardo Noriega ("Puntos de Vista") no es uno particularmente difícil de interpretar, pues básicamente una mezcla del personje que él mismo interpretó en "El Espinazo del Diablo" (2001) y el que interpretara Olivier Martinez en "Infidelidad" (2002); tampoco lo tiene muy difícil Kate Mara ("Tirador"), a quien podían haber exigido un poco más. Es bueno, sin embargo, ver a Sir Ben Kingsley de vuelta en un filme que no desperdicie sus talentos; el señor Kingsley, que desde los tiempos de "Ghandi" subió a la estratósfera de la fama y últimamente ha venido eligiendo papel malo tras papel malo en cintas igualmente malas como "Sonido de Trueno" (2005), "BloodRayne" (2006) y "El Guru del Amor" (2008); Kingsley no parece un villano, y la mayor parte del tiempo su personaje es bastante cortés, pero nunca deja de inquietar; Anderson sabe utilizar ese tipo de personajes a la perfección.

    Una experiencia refrescante, sin dudas, en la cual el objetivo no es innovar, sino hacer que el público pase un mal rato (malo como en "La Habitación del Pánico", no malo como en "Furia en Dos Ruedas"; o sea, el tipo de mal rato que viene de una buena película). Como dice el viejo adagio de sabiduría popular: "¿Para qué arreglar algo que no está roto?".

WALL-E (2008)

"I don't want to survive, I want to live! - Cap. McCrea

Una película de Andrew Stanton

Producida por Lindsey Collins y Jim Morris

Escrita por Andrew Stanton y Jim Reardon

Voces: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Kathy Najimi y John Ratzenberg

Calificación: 5/5

    Antes de empezar mi análisis del filme que para varios críticos con mucho más prestigio (y dinero) que yo es el mejor filme del año, permítanme hacer un breve relato. Verán, presencié algo anoche que si bien para mí ya no es ninguna sorpresa, no deja de ser molesto, por decir lo menos...Lo siento, pero debo decirlo, denme un poco de su paciencia por este primer párrafo. Pues bien, sé que mi país no se caracteriza precisamente por ser una meca del cine en América del Sur; Asunción, la capital de Paraguay, actualmente cuenta en cuanto a cine se refiere con cuatro centros comerciales que cuentan con salas de cine, y de esos cuatro uno tiene excelentes salas, dos tienen salas aceptables y uno tiene salas terribles...aunque estoy divagando, ese no es el punto. Me encontraba yo, su humilde narrador, en el video club más cercano a mi casa, con la caja del DVD de "WALL-E" ya en la mano y examinando la estantería de estrenos para ver qué más podía rescatar (las opciones eran bastante limitadas para un día martes) cuando aparece una pareja bastante joven a enfrascarse en la misma actividad que yo. Mientras yo trataba de decidir si llevar o no la película animada basada en el videojuego de terror "Dead Space", vi que ya habían hecho una elección: no iba a ser yo el único que alquilara "WALL-E" esa noche. En ese momento el hombre se retiró de mi vista y al cabo de un minuto volvió a aparecer, con la caja de "El Gigante de Hierro", la gema de Brad Bird, director de "Los Increíbles" y "Ratatouille", en mano. Con la fe algo renovada en el mundo, me disponía a ir a pagar hasta que me di cuenta de que habían encontrado algo más que les interesaba: "Una Loca Película de Esparta", el intento de parodiar a "300" que hicieron dos de los seis escritores de la original "Scary Movie", que yo ya había visto antes de iniciar las actividades de este blog y, aunque un centímetro superior a sus predecesoras "Una Loca Película de Amor" y "Una Loca Película Épica", aún así no pasa de ser un desfile de malas referencias a la cultura pop. Así que la contienda era entre "El Gigante" y "Esparta", y no pude resistirme a quedarme y discretamente esperar el desenlace. Por supuesto, ganaron las imitaciones del Rey Leónidas y sus soldados, y el pequeño Hogarth y su amigo de hierro con la voz muy parecida a la de Vin Diesel tuvieron que retirarse cabizbajos del ring. ¿Qué tenemos en contra de la animación, hermanos míos? Honestamente, ya lo dije como cuatro o cinco veces en este blog, la animación NO es solo para niños...Bueno, ya está, ya sacié mis ganas de quejarme de la mentalidad de mi gente en cuanto a la animación y hacer referencias a la lucha libre y a expresiones de "La Naranja Mecánica", todo en un párrafo.

    Lo que nos deja con el objeto original de todo esto, "WALL-E". Debo admitir que al principio no tenía intención alguna de hacer un análisis de la nueva (bueno, ya no tanto) obra maestra de los incansables amigos de Pixar. Me parecía que todo lo que se debía decir del filme ya se dijo, y se dirá aún más ahora que entramos de lleno a la recta final para los premios Oscar, con "WALL-E" ostentando ya el Globo de Oro a la Mejor Película Animada. Pero como me pasó con "El Caballero Oscuro", pronto me pareció algo demasiado bueno como para no decir algo al respecto, aunque todo lo que pueda llegar a decir sería en su naturaleza una redundancia.

    El mundo de WALL-E es, literalmente, basura. Al son de "Put On Your Sunday Clothes", del musical de 1969 "Hello, Dolly", conocemos a WALL-E (siglas de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class o Levantador de Cargas para Colocación de Desechos, Clase-Tierra, como se traduce literalmente) y nos enteramos de que en un momento dado la Tierra dejó de ser apta para la vida humana a causa de la basura excesiva que empezó a cubrir la superficie, y que la mega-corporación Buy N' Large evacuó a lo que quedaba de la raza humana en un crucero espacial para que los robots pudieran limpiar la Tierra y volverla habitable de nuevo. Por alguna razón, después de 700 años, nuestro protagonista es el único robot operativo que queda, y pasa sus días rondando una ciudad en compañía de una cucaracha, rescatando objetos que le causan interés al mismo tiempo que continúa cumpliendo su directiva. Eso es, claro, hasta que ve (muy de cerca) aterrizar una nave que deja otro robot, una lustrosa sonda EVE (Extraterrestrial Vegetation Evaluator o Evaluadora Extraterrestre de Vegetación). WALL-E (cuyos sonidos y voz son obra de Ben Burtt, el hombre detrás de el inmortal R2-D2 de la saga "Star Wars") queda flechado por EVE (Elissa Knight), y trata de acercarse a ella, algo más bien difícil cuando el objetivo aputa su mortal cañón de plasma a todo lo que se mueva a su alrededor. Persistente, WALL-E va ganándose a la agresiva sonda, hasta que ella encuentra lo que vino a buscar, y pronto la nave regresa para llevársela. Negándose a perder a EVE, WALL-E se pega a la nave y es llevado al último bastión de la raza humana.

    Leyendo al legendario crítico del Chicago Sun, Roger Ebert, refiriéndose a "Kung Fu Panda", él dijo que con esa película agotó sus "reservas de credulidad infantil" del año pasado. Comparando, yo opino que"WALL-E", en cambio, es un filme que uno puede disfrutar siendo adulto tanto como siendo niño, si no mucho más. No hay nada, absolutamente nada en el universo de "WALL-E" que no se pueda eventualmente dar en nuestro universo de realidad, y el mundo alrededor del pequeño compactador de basura ni siquiera es el verdadero motor de la película, sino sólamente el lienzo en el cual Stanton plasma la real fuerza detrás del filme: el amor. El director nos muestra el amor en su forma más básica y a la vez más compleja, de una forma tan pura y conmovedora que es simplemente sorprendente; usando un par de ojos basados en binoculares y un par de manos, el WALL-E de Stanton es capaz de presentar las emociones que por naturaleza ni siquiera debería tener con una efectividad de la cual el más virtuoso actor imaginable no hubiera sido capaz. La imágen de WALL-E jugando neviosamente con sus "manos" es una de esas cosas que permanecerán en mi mente hasta el fin de mis días.

    Tomando como inspiración a Charlie Chaplin y a Buster Keaton, Stanton logra que WALL-E exprese a EVE su amor como ningún tipo de frase, oración, párrafo o libro entero podría, pues el entendimiento de WALL-E del concepto es lo que vio en la copia de "Hello, Dolly" que puso probablemente todas las noches desde quién sabe cuánto tiempo. El no sabe de mentiras y medias verdades, no conoce los conceptos de infidelidad o promiscuidad. Y en esa unidimensionalidad de su entendimiento de todo lo que para nosotros suele conllevar el sentir algo por alguien, él es completamente honesto, buscando la mano de EVE ansioso de que ellas se entrelacen igual a las de los protagonistas de "Dolly". 

    Pero no es solo el amor de WALL-E por EVE el que mueve a este filme y lo hace una de las grandes obras de arte del 2008. Detrás de todo está el amor de Andrew Stanton y la gente de Pixar por una buena historia, el respeto que le tienen a su público, el empeño y la dedicación que ponen en cada cuadro. Con la trayectoria que Pixar tiene, habiendo entregado al público tales placeres como "Toy Story" y su secuela, "Bichos", "Monsters, Inc.", "Buscando a Nemo", "Los Increíbles", "Cars" y "Ratatouille", la mayoría de las cuales dominaron los Oscares para animación en sus respectivos años, bien podrían dedicarse a hacer algo a las apuradas y de todos modos romperían records de taquilla, pero en su lista de prioridades el dinero no está primero. El amor propio que se tienen es inmenso, y el orgullo que seguramente tienen de su trabajo es o debería a la vez ser un orgullo para toda la humanidad, una razón más para que podamos decir "somos capaces de maravillas". Para unos tiempos llenos de atrocidades vergonzosas, es un logro enorme que una película sea capaz de hacernos pensar "el ser humano es bueno". Recuerdo haber pensado así al terminar de ver "Ratatouille", y así pienso ahora mientras escribo sobre "WALL-E". El cariño puesto en el proyecto está ahí apar que lo veamos y lo sintamos, en las asombrosas y foto-realistas imágenes de una ciudad abandonada a merced de la basura, en una puesta de sol reflejada en la superficie del "ojo" de EVE, en la bellísima escena del baile espacial.

    Nadie, y repito, NADIE debería perderse esta película, es una de esas joyas que no sólo nos asombran con su profundidad la primera vez que las vemos, sino que nos dejan con la boca abierta cuando, tras verlas repetidas veces, vamos descubriendo que en realidad su nivel de profundidad es mucho mayor que lo que pensamos originalmente. Como diría una de las más icónicas creaciones de Pixar, en ese apartado WALL-E va al infinito, y más allá. Merece ir a la inmortalidad, y mucho más allá. 

    Tiene comedia, tiene acción, tiene un mensaje ecológico...Pero "WALL-E" es principalmente amor. Hecho por amor para expresar amor e inspirar amor. 

     

Burn After Reading (2008)

"I thought you might be worried...about the security...of your shit..." - Chad Feldheimer

Una película de Ethan Coen y Joel Coen

Producida por Tim Bevan, Ethan Coen, Joel Coen y Eric Fellner

Escrita por Ethan Coen y Joel Coen

Elenco: Frances McDormand, John Malkovich, George Clooney, Brad Pitt y Tilda Swinton

Calificación: 3,5/5

    De nuevo las expectativas no son del todo satisfechas (al menos las mías)...pasó con "Una Guerra de Película", "Hell Ride", "Quantum of Solace", y ahora pasa de nuevo con la nueva creación del los brillantes hermanos Coen. Los directores que el año pasado dominaran las listas de premiaciones con su magnífica "No Country For Old Men" vuelven a la carga con un filme más ligero que aquél, más en tono de "Fargo" (1996), "The Big Lebowski" (1998) o "¿Dónde Estás, Hermano?" (2000), por nombrar algunos ejemplos.

    El agente de la CIA Osbourne Cox (John Malkovich) renuncia debido a lo que él llama "cuestiones políticas", y decide, a pesar del muy poco aprecio a la idea por parte de su esposa Katie (Tilda Swinton, ganadora del Oscar el año pasado por su actuación en "Michael Clayton"), empezar a escribir un libro de sus memorias como agente. Mientras tanto, su esposa, que está teniendo una aventura con Harry Pfarrer (George Clooney), un amigo del matrimonio. En secreto, Katie está viendo a un abogado para preparar su divorcio de Osbourne, y al ponerse a investigar en la computadora de su marido sobre sus finanzas, saca en un CD varios archivos entre los cuales se encuentran las memorias de Osbourne. Cuando Katie pierde el CD en el vestuario de su gimnasio, el trainer Chad Feldheimer (Brad Pitt) lo encuentra y cuando él y su compañera Linda Litzke (Frances McDormand) descubren qué contiene, se proponen chantajear a Cox.

    Como ocurriera con "The Big Lebowski", la verdadera fuerza que mueve a esta película se encuentra en los personajes y en la forma en que los actores y actrices los interpretan. El guión queda en un segundo plano, pues si bien nunca se hace complicado de seguir (es de hecho bastante simple la mayoría del tiempo), por momentos es muy surreal, al más fiel estilo Coen. Frances McDormand (a quien este rol le valió una nominación a los Globos de Oro) está magnífica como Linda, reflejando la deseperación que lleva al personaje a ir hasta el fin del mundo por dinero para una cirugía plástica; George Clooney, si bien es el que más mantiene un perfíl bajo en este desfile de disparatados personajes, también tiene sus momentos de brillo como el momento en que se encuentra con algo inesperado en un armario o cuando esta construyendo un aparato misterioso en su sótano ("me constó 100 dólares en total, sin contar el esfuerzo y el precio del...", no, no diré qué, pero aparentemente no son baratos); a Tilda Swinton no le dan demasiado qué hacer, salvo verse malhumorada todo el tiempo, lo que para una ganadora del Oscar no es un reto demasiado grande; John Malkovich se roba cada una de las escenas en la que aparece simplemente siendo violento, gritón, malhablado y corto de paciencia; me corrijo, se roba cada una de las escenas en la que está, con excepción de una: la que comparte con Brad Pitt. El señor marido de Angelina Jolie es increíble como el despreocupado y alegre Chad, en todo momento pareciendo un niño grande más que un hombre adulto, bailando al son de una canción de su iPod mientras trota en una caminadora del gimnasio o tratando de poner una voz amenazadora para dirigirse a Osbourne Cox, repitiendo frases tan gastadas como "las apariencias engañan" en su intento de engatusar al agente retirado. Mención de honor a la pequeña actuación de J. K. Simmons (J. Jonah Jameson en la trilogía "Spider-Man") como un alto mando de la CIA; cada frase que dice es oro puro.

    Los hermanos Coen lastimosamente no pudieron poner esta película a la altura de "The Big Lebowski", y el producto final da la impresión de que el filme fue escrito con algo de apuro (los mismo Coen dijeron que escribieron el filme al mismo tiempo que preparaban el gúion adaptado de "No Country for Old Men"), por lo que si bien es digno de verse y está muy bien filmado, simplemente no se quedaría en su memoria por mucho tiempo de no ser por un momento que hizo que mi mente saltara y dijera "¡Pulp Fiction!"; ahora que lo pienso mejor, hay otra película más nueva (aunque sería un spoiler decir cuál) que tiene un momento mucho más parecido al cual me refiero, pero por alguna razón recordé a "Pulp Fiction" primero. Aparte de eso, el cabello de Brad Pitt, el aparato en el sótano de Clooney y la imagen de John Malkovich caminando por la calle en bata de baño, shorts y blandiendo un hacha tomahawk, no hay nada que amerite ver repetidas veces el filme.

    Una entrada más bien modesta en la rica filmografía de Ethan y Joel Coen, para verla una vez, grabar los recién mencionados elementos en las listas de reproducción de nuestras memorias y luego seguir con nuestras vidas.

Quantum of Solace (2008)

How can they be everywhere and we know nothing about them? - M

Una película de Marc Forster

Producida por Barbara Broccoli y Michael G. Wilson

Escrita por Paul Haggis, Neal Purvis y Robert Wade

Elenco: Daniel Craig, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Judi Dench y Giancarlo Giannini

Calificación: 4/5

Es probablemente una de las frases más gastadas de los últimos meses, pero no me importa, iguál la escribiré: James Bond está de regreso. En esta película, que marca la primera ocasión en que un filme del Agente 007 es una directa continuación del anterior, "Quantum of Solace" sigue el reinicio de la franquicia comenzado en 2006 con "Casino Royale". Aquél filme, dirigido por Martin Campbell (que dirigió "GoldenEye", otra aventura de Bond) fue un éxito crítico y de taquilla sin precedentes en la filmografía del 007, presentando a un Bond inexperto, impulsivo, privado de sus artefactos de alta tecnología y mucho más violento que cualquiera de sus predecesores. En un mundo en el que Bond fue perdiendo relevancia contra lo que podría considerarse su opuesto americano Jason Bourne, interpretado por Matt Damon en tres filmes desde "Identidad Desconocida" en 2002, resultaba claro que el público no sólo estadounidense sino mundial respondía mejor al realismo de Bourne que al estilo de Bond. "Casino Royale" fue la amalgama perfecta del realismo y el estilo, habiendo los realizadores disminuido los aspectos de los antiguos Bond para introducir más de lo que Bourne traía, aunque nunca dejando de ser respetuosos de la tradición.

"Quantum of Solace" comienza, como ya dije, casi donde terminó su precuela, con James Bond (Daniel Craig) escapando por las carreteras de Siena luego de haber capturado al señor White (Jesper Christensen), el misterioso personaje detrás de una igualmente misteriosa organización que fue la causante de la muerte de la mujer de quien Bond se enamoró, Vesper Lynd (Eva Green). Sólo luego de que Bond y M (Judi Dench), la jefa del MI-6, ven el interrogatorio de White salir terriblemente mal, resulta evidente para ellos que White no exageraba cuando dijo "tenemos gente en todas partes". Así que Bond, motivado por la venganza tanto o más que por su deber, comienza una sangrienta y agitada gira por lugares como Haití, Austria y Bolivia, tras la pista de un miembro de la organización, el ecologista Dominic Greene (Mathieu Amalric), quien tiene la intención de apoyar un golpe de estado en Bolivia a cambio de una buena porción de desierto que, como sólo Greene y sus colegas saben, esconde "el recurso más valioso del mundo".

"Quantum" marca el debut en filmes de acción del cineasta Marc Forster, un conocido del circuito independiente responsable de películas como "En Busca del País de Nunca Jamás", "Más Extraño que la Ficción" y "Cometas en el Cielo". El hombre sabe lograr muy buenas imágenes de tanto en tanto, como en una persecución por los techos de Siena, un salto en motocicleta en Haití y la huida de un hotel en llamas, pero resulta obvio que no es su elemento, llegando a depender mucho de una frenética edición en las escenas de acción, que acentúa aún más el parecido de esta cinta con una de las aventuras de Jason Bourne; claro que eso no es sorpresa cuando Forster contrató a nada menos que al editor y al coreógrafo de la trilogía Bourne´para asistirlo en "Quantum". A juzgar por el producto final, Forster no es mal director de acción, y sería interesante ver qué puede hacer con más experiencia en el género.

Daniel Craig simplemente hizo suyo el papel de Bond, callando a cada uno de los fans molestos por su elección para reemplazar a Pierce Brosnan (entre los cuales admito haberme encontrado yo mismo por un tiempo). El "nuevo" Bond es un personaje que requiere mucho más compromiso y profesionalismo que el "viejo", pues exige un despliegue físico del cual dudo Brosnan haya podido ser capaz; además, se trata de un Bond más oscuro, frío en una forma a los demás Bond (tal vez me lo haya perdido en algún parpadeo, pero estoy seguro de que Bond no sonríe una sola vez en "Quantum"), y el hecho de que Craig logre eso sin despojar al personaje de todo su encanto es extraordinario. Sus co-protagonistas no reciben mucho con qué trabajar (es un filme sobre Bond, ¿no? Supongo que más de dos decenas de filmes le otorgan a un personaje derecho a más tiempo de pantalla que a los otros), y si bien todos se mantienen sólidos, dan la sensación de haber sido desperdiciados; definitivamente me hubiera gustado ver más a caras familiares como Felix Lieter (Jeffrey Wright) o incluso Rene Mathis (Giancarlo Giannini), quien recibe bastante tiempo de pantalla sin embargo. Dominic Greene definitivamente será un villano que no pasará a la historia, por ser más que nada un hombre común, sin ningun rasgo físico distintivo (la gran mayoría de los villanos Bond los tenían: las manos mecánicas del Dr. No, la cicatriz en el ojo de Blofeld, la dentadura de metal de Jaws y, por supuesto, el ojo que lloraba sangre del excelente Le Chiffre, definitivamente el contador más amenazador de todos los tiempos, dénle el trofeo), como pasará también con las dos chicas Bond de esta entrega: Strawberry Fields (Gemma Arterton), una empleada del consulado inglés en Bolivia, y la ya mencionada Camille...bueno, generalmente una de las dos chicas Bond nunca es recordada, pero en este caso las dos son olvidables. Pero repito, el hecho de que nadie sea precisamente memorable aparte de Bond no es culpa de los actores tanto como de los guionistas. La excepción por supuesto es M, a quien ver interactuar con Bond siempre es un placer, es como una madre que amenaza con mandar matar a su hijo.

Forster y sus guionistas no hacen un mal trabajo con "Quantum", el problema es que Campbell y compañía lo hiciron todo bien, dejaron un reto muy grande para quien tomarra la posta después de "Casino Royale", y el balance perfecto de esa película aquí se perdión al darle un mayor destaque a la acción sobre el argumento. Lo que quedó no es malo, pero tampoco es extraordinario. "Quantum of Solace" es un filme de acción más, lastimosamente, pero cumple un propósito bien: con un buen desempeño en la taquilla, no hay dudas de que James Bond estará de vuelta muy pronto.

Forgetting Sarah Marshall (2008)

"It's like "The Sopranos", it's over! Find a new show!" - Kemo

Una película de Nick Stoller

Producida por Judd Apatow y Shauna Robertson

Escrita por Jason Segel y Judd Apatow

Elenco: Jason Segel, Kristen Bell, Mila Kunis, Russell Brand y Jonah Hill

Calificación: 5/5

Pues bien, Judd Apatow y su equipo lo hicieron de nuevo. Lo hicieron con "Virgen a los 40", lo hicieron con "Ligeramente Embarazada", lo hicieron especialmente bien con "Supercool"...incluso "Drillbit Taylor", que es la peor película asociada con el nombre Apatow, tenía sus momentos. No cuento a "Walk Hard: La historia de Dewey Cox" porque ese filme tenía un objetivo más dirigido a parodiar, más en sintonía con filmes como la serie "Scary Movie"...Mi teoría es que el fracaso de "Drillbit Taylor" fue causado no tanto por la premisa de la historia, que no era precisamente original ni inspiraba muchas esperanzas (niños contratan a un mentiroso para defenderse de los abusivos del colegio...¿de dónde me suena eso familiar?), sino por el hecho de que confinaron la mente creativa de Seth Rogen (que había co-escrito "Supercool" con Evan Goldberg) a una película PG-13, cuando todos los filmes Apatow anteriores fueron de calificación R (no aptos para menores de 18 años); eso, supongo, no permitió a Rogen y a su co-escritor de esa ocasión, Kristofor Brown, trabajar cómodos ni introducir todos los elementos que habían hecho éxitos de taquilla y crítica a los otros filmes.

La cosas vuelven a estar biene encaminadas con "Cómo Sobrevivir a Mi Ex". Nada más empezar conocemos a Peter Bretter (Jason Segel), un compositor de música que trabaja en el programa de detectives "Crime Scene: Scene of the Crime". Su novia es Sarah Marshall (Kristen Bell), la estrella del programa. Con una vida más bien relajada y descuidada, Peter sin embargo idolatra a Sarah, por lo que el impacto es enorme cuando ella llega y le dice que desea terminar con él y que "hay alguien más" (no pienso arruinarles el detalle pricipal de esta escena, no sería justo). Destrozado, Peter se vuelca a una serie de vergonzosas aventuras de una noche y mucho, muchísimo llanto. Finalmente, decide irse de vacaciones a Hawai, a un hotel del cual Sarah le había hablado una vez...y donde nada más llegar se topa con que Sarah se encuentra hospedada con su nuevo novio, el excéntrico cantante británico Aldous Snow (Russell Brand). Contra toda lógica (o más bien con toda la lógica de la cual alguien en la situación de Peter es capaz), decide quedarse en el lugar y comienza a entablar relaciones con un número de singulares personajes, entre ellos la hermosa recepcionista Rachel Jansen (Mila Kunis) en su intento de salir de su depresión.

Me parece que Apatow apunta más a la platea masculina que a la femenina, y lo ha venido haciendo desde "Virgen a los 40"; no me refiero al hecho de que por sus películas desfilan hermosas mujeres como Elizabeth Banks o Katherine Heigl, que sin duda agradan a la vista del público masculino...me refiero a los temas que tratan estos filmes bajo la superficie de chistes, y con esos temas la porción del público que cuenta con un cromosoma Y se puede identificar más: los guiones de este grupo trata temas como el miedo al compromiso y a madurar ("Ligeramente Embarazada"), el modo en que los hombres (no todos pero la mayoría, al menos) nos sentimos intimidados de una u otra forma por el sexo opuesto ("Virgen a los 40" y "Supercool") y ahora el cómo absorbemos los golpes como el descrito en el resumen que hice de la trama. Se trata de un tema igual de válido que los otros dos, pero es uno que se presta menos para su aplicación a la comedia; se puede ver el miedo al compromiso y a madurar en series de TV como "Friends" o "Two and a Half Men", y el efecto que suele ejercer el sexo femenino en los hombres quedó plasmado en incontables comedias en la línea de la serie "American Pie"...esto es porque es más para los guionistas idear situaciones cómicas a partir de cosas como primeras experiencias sexuales o el hecho de que alguien vive encerrado con comics, juguetes y video juegos a pesar de ser un adulto (no que eso tenga nada de malo, los comics y los video juegos dejaron de ser exclusivamente para niños hace tiempo).

Pero cualquiera que haya estado en una situación parecida a la que atraviesa Peter al principio de esta película sabe que ninguna eyaculación precoz ni burla de parte de los amigos se puede llegar a comparar jamás a lo que se siente al saber que el amor que alguien le prometió era suyo y sólo suyo se volvió de otra persona tal vez semanas, meses antes de la confesión. Lo puede llevar a uno a lugares aterradoramente oscuros dentro de uno mismo, si es que a uno le importaba la relación de verdad...¿Y cuantos guionistas querrían volver a esos lugares y hacer algo de lo que otra gente vaya a reírse? Ninguno, nadie quiere que se rían de él, ¿verdad? Pero afortunadamente hay alguien que no sólo no tiene miedo de volver a visitar esos momentos, sino que escribe no para que se rían de él, sino con él. Damas y caballeros, Jason Segel.

El hombre es un viejo conocido de Judd Apatow, pues habían trabajado juntos en televisión; Jason incluso tuvo un papel secundario en "Ligeramente Embarazada". Crédito a quien se lo merece, el tipo merece una ovación...cuentan que la escena en la que Sarah le anuncia su intención de terminar la relación a Peter está basada directamente en la ruptura de Jason con una ex-novia, y cualquiera que esté dispuesto a mostrarle al mundo que algo así le pasó, y además logre hacerlo gracioso, es alguien talentoso, sin duda.

El casting acertó en todos los puntos: el guión de Segel combinado con las actuaciones del elenco nos deja con algo distinto a la vez que vagamente familiar: no hay blanco y negro aquí, sólo diferentes tonos de gris. Peter parece el noble hombre despiadadamente lastimado a quien todos queremos apoyar, pero tiene sus defectos, algunos bastante grandes; podemos ver a Sarah como una rompecorazones egoísta, pero luego vemos que Peter tenía sus defectos, y que ella en cierta manera está tan confundida, dolida y asustada como él; Aldous en manos de cualquier guionista sería el villano, a quien Peter terminaría dando un fuerte puñetazo en la cara, pero en vez de eso tenemos a alguien abrumadoramente honesto que no se regocija en el dolor de Peter, sino que se siente incómodo, y diría que hasta llega a sentir lástima...igual que con Sarah, al público le encantaría poder odiar, pero Segel no tiene intención de hacérnoslo tan fácil. La parte fácil es de parte de Apatow; se puede ver dónde están las huellas digitales del señor Apatow con precisión de detective de CSI, pues el cuarteto principal consistente de Peter, Sarah, Aldous y Rachel se ve rodeado de personajes tan singulares como Chuck (Paul Rudd), un instructor de surf con la memoria hecha pedazos gracias al la marihuana; o Matthew, un camarero del resort quien vende drogas y siente una fascinación/obsesión por Aldous.

Muchos guinostas de comedias románticas y gente que aspira a serlo debería tomar nota de cómo se hace, Jason Segel y Judd Apatow están dando cátedra con este filme. Y cuando un filme así encuentra forma de incluir un número musical con marionetas que está entre lo más hilarante de todo el filme, no puedo evitar pensar que otorgarle menos que la calificación perfecta sería injusto. En serio, es el número musical con marionetas más gracioso desde que el protagonista de "Team America: World Police" cantara ""Pearl Harbor" apestó...y te extraño"...Háganse un favor y no se olviden de Sarah Marshall.

Journey to the Center of the Earth (2008)

"Haven't you ever seen a dinosaur before?" - Sean

Una película de Eric Brevig

Producida por Charlotte Huggins y Beau Flynn

Escrita por Michael Weiss, Jennifer Flackett y Mark Levin

Elenco: Brendan Fraser, Josh Hutcherson, Anita Briem, Seth Meyer y Giancarlo Caltabiano

Calificación: 3/5

Supongo que todos los realizadores desearían que sus películas fueran tan revolucionarias como lo fueran en sus momentos "Star Wars", "Terminator", "Toy Story" o "Matrix", filmes que con su paso por las pantallas cambiaron para siempre el futuro del cine, dejando una huella imborrable en aquellos que tuvieron la suerte de verlas en sus primeros momentos, y con el paso de las décadas quedan tan vigentes como en aquellos días. Es mi opinión que todos los cineastas deberían aspirar a eso, y hay muchos que lo intentan y se nota.

Una de esas formas de cambiar el cine que ahora se vuelve a probar con insitencia es el uso del 3-D en las salas de cine, que había caído un poco en el olvido, considerado por el público en general como una complicación innecesaria. Eso, por supuesto, ahora está cambiando a ritmo acelerado, gracias a los gigantescos avances en la tecnología de CGI. Dos cineastas de enorme prestigo ya se encuentran haciendo películas en el formato: Tim Burton ("Sweeney Todd") con su adaptacíón del clásico cuento "Alicia en el País de las Maravillas", y James Cameron ("Titanic") con su altamente anticipada obra de ciencia ficción "Avatar".

Pero para que podamos disfrutar de dichos filmes faltan aún varios meses. Y mientras esos meses pasan, más y más filmes van incursionando en terreno 3-D, siendo "Viaje al Centro de la Tierra" el más notorio de los casos. Dirigida por Eric Brevig (cuyos créditos previos incluyen la supervisión de los efectos especiales de filmes tales como "El Vengador del Futuro", "Pearl Harbor", "Señales" y "La Isla", además de la dirección de un puñado de episodios de la mítica serie de TV "Xena: Princesa Guerrera"), se trata básicamente de un medio para probar la tecnología, y no mucho más. Aún así es bastante entretenido, sin embargo.

El argumento que mueve este popurrí de efectos especiales (o que es movido por dicho popurrí, según como uno lo mire) no es una adaptación directa de la clásica novela homónima de Julio Verne, como uno podría pensar. Conocemos al profesor de vulcanología Trevor Anderson (Brendan Fraser) mientras despierta de una parentemente recurrente pesadilla en la que presencia la misteriosa muerte de su hermano, desaparecido años atrás. Cuando le encargan que cuide a su sobrino Sean (Josh Hutcherson), hijo de su hermano, los dos encuentran el ejemplar de la novela de Verne que era propiedad del hermano desaparecido, y terminan siguiendo una serie de pistas que los conduca hasta Islandia. Ahí, con la joven Hannah Ásgeirsson (Anita Briem) como guía y siguiendo más pistas iniciane el descenso por una cueva que los lleva a una serie de túneles sin fin. Atrapados, los tres deberán ir hacia el único lugar que les queda: abajo.

Si uno va a ver esta película buscando argumento, pues entonces uno es un tonto. Se trata de un filme exclusivamente para aquellos que puedan dejar de lado sus pretensiones de compararlo con "El Padrino" o "La Lista de Schindler" y ser niños por un par de horas...Si pueden hacer eso, les espera un viaje emocionante. Brevig, con su amplia experiencia, obviamente conoce todos los trucos del manual, sábe cómo sorprender y mantener en tensión a sus espectadores. Como no hay necesidad de arreglar algo que no está roto, o cambiar una fórmula que ha probado ser efectiva en el pasado, el director los reta con espectaculares vistas de ecosistemas imaginarios, cuevas oscuras e interminables, un mar tomentoso y lleno de peces carnívoros y demás monstruos (si, mares dentro de la tierra, les dije que se olviden de pensar como adultos por un momento...vamos, no es tan difícil), un tiranosaurio, varios precipicios, y hasta un adorable animalito que aparece unpar de veces para darles a nuestros héroes una mano (una mano figurativa). Todo clásico de dibujos animados de aventura y películas para niños, ámbitos en los cuales se los ha presentado tan reppetitiva y poco imaginativamente que se logró que pierdan gran parte de su encanto. Brevig parece haberse perdido ese proceso, porque su forma de presentar todos esos aspectos es brillante en su ejecución, refrescante en su forma de presentar algo tan repetido y gastado de una forma tan inocente...es lo bello de la variedad, uno tiene que ser capaz de apreciar tanto esto como las películas más dramáticas y artísticas...porquue el cine es eso, después de todo, arte, el séptimo arte, aunque para algunos es el primero en importancia.

Puntos extra también para Brendan Fraser, el tipo no tiene miedo del ridículo, y yo respeto eso. Aquí de hecho divierte (no como en "La Momia: La Tumba del Emperador Dragón", aunque, pensándolo bien, nadie divirtió en esa película), obviamente divirtiéndose él mismo en el proceso, brindándole una energía al filme y elevando mucho a sus co-protaginistas, quienes a pesar de estar interpretando al clásico jovel rebelde y arrogante y a la compañera atractiva, logran romper dichos moldes. Se puede decir que el peso del filme lo cargan Fraser, Brevig y la gente de Efectos Especiales; todos los demás, incluidos Hutcherson y Briem, sólo van de pasajeros.

En conclusión, "Viaje al Centro de la Tierra" no es un clásico, ni intenta serlo, y al no intentar serlo tiene éxito en lograr un rato de emoción y espectaculares secuencias de CGI. Para quien tenga ganas de recordar como veía el mundo de niño, muy recomendable.

Chaos (2007)

You picked the wrong day not to use the ATM... - Lorenz

Una película de Tony Giglio

Producida por Michael Derbas, Huw Penalt Jones, Michael Pierce, Gavin Wilding y Mark Williams

Escrita por Tony Giglio

Elenco: Jason Statham, Ryan Phillippe, Wesley Snipes, Justine Waddell y Henry Czerny

Calificación: 3,5/5

    ¿Qué podemos encontrar en este filme policial? ¿Originalidad? No lo creo, la película tiene demasiados parecidos con otros trabajos de su género, especialmente con "El Plan Perfecto" (2006, de Spike Lee); así que el filme no es una experiencia precisamente revolucionaria, de ninguna forma, pero, después de todo, no todas las películas van a ser una nueva "Matrix" o "WALL-E", ¿verdad? Y aunque "Chaos" no aporte nada significativamente nuevo al género, se puede disfrutar perfectamente si uno se lo propone. Lo que trato de decir es que es lo suficientemente entretenida para que valga la pena al menos rentarla una vez. Pues bien, sin ocurrírseme más formas de repetir una sola idea en éste parrafo y sin ánimo de aburrirlos, vamos al argumento de la película...

    El detective Quentin Conners (Jason Statham) se encuentra suspendido indefinidamente luego de haber causado la muerte de una rehén y su secuestrador en un confuso incidente. Pero cuando un grupo de maleantes asalta un banco, el líder de la banda, que se hace llamar simplemente Lorenz (Wesley Snipes), demanda que traigan a Conners, afirmando que no negociará con nadie más que con él. Sin otra opción que acceder, Conners es traído de vuelta a la actividad, y le asignan al novato Shane Dekker (Ryan Phillippe) como su compañero. Tras conversar con Lorenz, Conners llega a la conclusión de que hay que entrar y reducir a los asaltantes, pero todo sale mal cuando explosivos son detonados dentro del banco, y en medio del caos las víctimas comienzan a salir...pero los asaltantes no están y no falta dinero; nadie se robó nada. Dekker y Conners deben ahora seguir un confusa rastro de muerte y sospechas para develar el misterio de qué ocurrió en realidad en ese banco.

    Lo que tenemos aquí es básicamente un collage de muchas pélículas policiales de los últimos tiempos, pero (y aquí es donde Tony Giglio recibe puntos de mi parte) es que el director lo muestra de una forma que le da emoción; aún cuando sabemos perfectamente que Lorenz no va a caer tan fácil en el banco, Giglio nos mantiene expectantes con un hábil juego de edición que nos muestra indicios pero nunca un todo. Es casi como si el director usara el conocimiento de que ya hemos visto esto antes a su favor. Los desenlaces son previsibles, y Giglio bien lo sabe, pero el jugo de este filme está no en el desenlace, sino en el nudo.

    Por alguna razón que, aún después de mucho pensarlo, escapa a mi entendimiento, Jason Statham ("Revólver") se está conviertiendo...no sé si decir uno de mis actores favoritos, pero es definitivamente un tipo carismático, para alguien que cuenta con tres expresiones faciales como mucho. No es actor prospecto para una nominación al Oscar, pero sin duda tiene presencia. Eso deja un poco opacado a Ryan Phillippe ("Crash"), quien en previas ocasiones ya ha probado sus dotes como actor, pero aún le falta algo de reconocimiento, y se nota que le cuesta ponerse al hombro toda la película cuando el guión lo requiere, más o menos en todo el último tercio. En cuanto a Wesley Snipes (la trilogía "Blade"), fue bueno volverlo a ver, pues la última vez que vi un filme suyo fue en 2006 cuando estrenaban "Blade: Trinity"; es bueno que en esta película no le hayan exigido escenas de acción y combate cuerpo a cuerpo (uno esperaría eso cuando en los créditos figuran él y Statham), ya que su carrera ya está bastante estancada con la imágen de héroe de acción que ostenta, y lo que menos neecsita es hundirse aún más en ese encasillamiento. Aún así, dudo que "Chaos" sea su regreso a las grandes ligas, pero por lo menos no lo aleja más de ellas. 

    El problema de "Chaos" no es la calidad de su guión, que es bastante entretenido y cuenta con una buena dosis de suspenso; tampoco lo es las interpretaciones de los actores, ni la dirección de Tony Giglio. El problema de "Chaos" es mucho más simple: es tan poco original en su apariencia que simplemente a nadie le atraerá mucho, y eso en el mundo del cine es ponerse una soga al cuello y saltar al vacío. Una verdadera pena, porque es un buen rato frente al televisor. Totalmente descartable, pero un buen rato al fin. Una de esas películas que no aporta nada, viene y se va.

    

    

    

Hell Ride (2008)

"I'm no Marcel Proust..." - Deuce

Una película de Larry Bishop

Producida por Michael Steinberg, Shana Stein y Larry Bishop

Escrita por Larry Bishop

Elenco: Larry Bishop, Michael Madsen, Eric Balfour, Vinnie Jones y Leonor Varela

Calificación: 1,5/5

    Una vez más, me he dejado llevar por las apariencias...Bastaron las palabras "Tarantino presenta" en la portada del DVD para hacerme creer que estaba a punto de ver otro filme como "Death Proof" o "Planet Terror", partes de la doble presentación "Grindhouse", ambas pequeñas joyas del cine B, homenajes sinceros, fieles y de gran calidad de las películas de auto-cinema que tanto éxito tuvieron en los Estados Unidos y en algunas partes del resto del mundo en el siglo pasado. Dirigida la primera por el mismo Quentin Tarantino ("Kill Bill") y la segunda por Robert Rodríguez ("Sin City"), ambas eran ultra-violentas odas al cine de antaño, con todo y "defectos" de cinta intencionalmente colocados ahí por los directores. Ambas son excelentes, también, y pensé que por un momento me encontraba frente a una posible tercera presentación de "Grindhouse", con Larry Bishop cerrando un triunvirato del cine B con Tarantino y Rodríguez. 

    La confusa trama de "Hell Ride" es algo parecido a esto: Pistolero (Bishop) es el líder de una banda de motociclistas llamada los Victors, y es acompañado por sus lugartenientes Gent (Michael Madsen) y el joven Comanche (Eric Balfour) mientras montan sus corceles metálicos por el desierto de Arizona, con el propósito de...bueno, de emborracharse, pelear, tener sexo...ah, claro, y en sus ratos libres lidiar con la vuelta a la escena de su banda rival, los Six Six Sixers, liderados por el psicópata Billy Wings (Vinnie Jones), quienes parecen haber reaparecido con el único propósito de eliminar a los Victors, aparentemente por algo relacionado al asesinato de una mujer llamada Cherokee Kisum (Julia Jones) en 1976; el por qué no fue del todo absorbido por mi mente aparentemente tan inferior a la de Larry Bishop, pero tiene algo que ver con un tesoro enterrado o algo así. 

    No es que la trama suela importar mucho en este tipo de películas (cuenta la leyenda que el ya fallecido Al Adamson, legendario director de películas B, escribió su película "Satan's Sadists" (1969) en una sóla noche), pues suelen tratarse de simples excusas para un buen rato de violencia gratuita y mujeres en poca o ninguna ropa...Pero Bishop obviamente se esforzó muchísimo con tratar de emular a Tarantino con su guión, y el resultado es una secuencia interminable y tediosamente repetitiva de cortos estallidos de violencia, a escenas de sexo (o algo parecido al sexo), a charlas existenciales que no llegan a los talones de cualquier duelo verbal que Tarantino es capaz de imaginar, símplemente porque están concebidas con el mismo fin de emularlas. 

    Un poco avanzada la historia, Bishop, un veterano del género introduce en la mezcla a dos leyendas vivientes como son Dennis Hopper y David Carradine, esperando que la sola presencia de ambos actores eleve el nivel de su producto, lo que de hecho ocurre, aunque en mayor parte gracias a Hopper, que interpreta su papel consciente de que se lo dieron gracias a su status de ídolo de los filmes clásicos sobre motociclistas, y actúa conforme a ello, claramente divirtiéndose en el proceso. Hubiera deseado ver más de Carradine, cuya carrera falló en aprovechar el impulso (aunque más bien fue un soplo de vida que lo sacó del averno cinematográfico) que le dio Quentin Tarantino con las dos "Kill Bill"; poco tiempo de pantalla para una estrella de la talla de Carradine. Será en otra oportundad, David.

    Otro participante con muy poco tiempo de pantalla para mi gusto es Vinnie Jones, de quien nunca desperdiciaría yo una posible escena de violencia extrema; no pueden negar que el sujeto tiene talento para eso, y si lo niegan, los remito a "Snatch" (1999, de Guy Ritchie). Pero no, negándose a llevarnos por el camino de la violencia sin sentido (¡que es por la cual estamos pagando en primer lugar!) conducida por experimentados hombres de acción como Jones, Madsen (también de las dos "Kill Bill") y el mismo Bishop, el buen Larry nos lleva por el camino del sin sentido simple y llano, alimentando su ego y aparentemente tratando de apaliar la enorme crisis de la mediana edad que esta tan claramente sufriendo, forzándonos a pasar por escenas de pseudo-sexo entre él y, primero, varias mujeres anónimas, y, luego, con la mujer cuyo nombre es infinitamente adecuado para describir su nivel de indispensabilidad en todo esto: Nada (Leonor Varela). En serio, Varela es muy hermosa y todo, pero qué necesidad había de incluir a su personaje en el filme escapa de mi entendimiento; no es que no tenga momentos de protagonismo, sino que esos mismos momentos terminan no sirviendo para absolutamente nada, no cambia el desenlace en lo más mínimo, no lo afecta incluso cuando podría hacerlo. La película podría haberse hecho sin ella y el resultado final hubiera sido exactamente el mismo. Será en otra oportunidad, Leonor.

    En fin, es el clásico ejemplo de "mucho equivale a poco"...Tenemos muchas motocicletas, mucha sangre, mucho sexo, muchas mujeres desnudas (no, no es redundancia), muchas charlas largas sobre nada en particular...muchas pretensiones, definitivamente, pero nunca llevadas a buen puerto. Será en otra oportunidad, Larry.

    Pero debo decir que algo bueno salió de todo esto. Una lección aprendida, aunque por mí. Ahora sé bien que debo pensar y analizar antes de poner tantas esperanzas en un filme, por muchas promesas que haga con sus fotografías, carteles, y el uso indiscriminado del sustantivo "Tarantino" y el verbo "presenta". Mea culpa por pensar que esto se podía comparar a "Grindhouse"...Por pensar que iba a disfrutar una épica presentación de violencia gratuita al estilo de la Vieja Escuela...

    Será en otra oportunidad, Carlos.

Star Wars: The Clone Wars (2008)

"You're stuck with me, Skyguy." - Ahsoka Tano

Una película de Dave Filoni

Producida por George Lucas

Escrita por Henry Gilroy y Scott Murphy

Voces: Matt Laner, James Arnold Taylor, Ashley Eckstein, Nika Futterman y Christopher Lee

Calificación: 3/5

    Y por fin ha llegado a mis ojos la que sin duda es la menos anticipada adición al universo creado por George Lucas hace ya más de tres décadas. Antes que nada, déjenme situarme a mí mismo dentro de la demografía de fans de "Star Wars"; a mi parecer, existen tres niveles principales de fanatismo; al primero pertenecería la persona para la cual todas la películas de "Star Wars" son simplemente "otras películas más", la persona que muy probablemente no llegó a ver todas las seis películas y no tiene interés en hacerlo; luego están los de segundo grado, aquellos conscientes de lo que "Star Wars" representa para la historia del cine, aquellos que esperaron cada una de las precuelas con creciente emoción y más que un fanatismo propiamente dicho, sienten hacia la saga un profundo respeto que raya en el mencionado fanatismo; y luego están, por supuesto, los fanboys de tercer grado, esa gente que vive y respira "Star Wars", y cubre por completa cada centímetro de pared de sus habitaciones con posters originales conseguidos en eBay, y cuya rutina de relajación suele consistir en tomar uno de los sables de luz de juguete de su basta colección y darle una paliza de diez minutos a un Jar Jar Binks de peluche de tamaño natural.

    Me sitúo a mí mismo en la segunda categoría, y me atrevería a decir que " The Clone Wars" es un filme que sólo nosotros los del Grado 2 podemos o deberíamos ver. Me explicaré en seguida, pero primero, el argumento:

    Nos encontramos en el periodo de tiempo entre los Episodios 2 y 3,  con la Guerras Clónicas en pleno apogeo y aún bastante nivelada; o sea, es el punto en la batalla en que nadie se atrevería a decir quién ganará (salvo nosotros los espectadores, por supuesto). Nos unimos a los maestros jedi Obi-Wan Kenobi (James Arnold Taylor, ya que Ewan McGregor no quiso el cheque) y a Anakin Skywalker (Matt Laner, ya que Hayden Christensen no quiso el cheque) que se encuentran al mando de un batallón de clones defendiendo la capital de un planeta de una avanzada droide. En ese planeta se les une la joven padawan, o aprendiz de jedi para los ajenos al universo Lucas que aún así juntaron suficiente interés para leer hasta aquí, Ahsoka Tano (Ashley Eckstein), enviada por el maestro Yoda (Tom Kane, ya que Frank Oz no quiso el cheque) para ser entrenada por...¿Anakin?...

    Más sobre eso luego...Pues bien, resulta ser que el pequeño hijo de Jabba el Hutt, el gangster que controla Tatooine, ha sido raptado por fuerzas desconocidas, y el Senado Galáctico liderado por el Canciller Palpatine (Ian Abercrombie, ya que Ian McDiarmid no quiso el cheque) desea que los jedi rescaten al bebé para así poder lograr una alianza con los Hutt que sería vital para los intereses de la República en la guerra. 

    Y es así que nos encontramos frente a un desfile de personajes conocidos (la gran mayoría con las voces de gente nueva, ya que los actores originales no quisieron el cheque) y uno que otro personaje nuevo. El director Dave Filoni (que anteriormente dirigió unos cuantos episodios de la serie animada "Avatar: The Last Airbender") hizo, o le ordenaron hacer, esta película como una introducción a la serie animada del mismo nombre que LucasFilms estrenó hace poco en Cartoon Network, y me parece que es algo completamente innecesario...sí tanto la serie como la película. Y el por qué es simple: ¡ya se hizo antes! Sí, en 2003 LucasFilms estrenó una miniserie animada llamada "The Clone Wars" en Cartoon Networks, dirigida por el genial Genndy Tartakovsky (creador de uno de los grandes pilares de mi infancia, "El Laboratorio de Dexter", además de "Las Chicas Superpoderosas" y "Samurai Jack"). Mientras que la miniserie de Tartakovsky se complementaba de forma perfecta con las películas, además de introducir al General Grievous de una manera brutalmente emocionante (oh, la violencia animada...¿qué es lo que tiene que me gusta tanto?)...Incluso la respuesta a la pregunta de por qué Grievous tosía tanto al principio de "La Venganza de los Sith" se encontraba al final de la miniserie...Por lo tanto, la miniserie justificaba plenamente su existencia conectándose directamente con los filmes, y por lo tanto haciendo que los hechos en ella narrados tuvieran validez para todos los fans. Ésta nueva película, sin embargo, no sólo incurre en dolorosamente obvios errores de continuidad, sino que también carece completamente de relevancia dentro de la mitología de Star Wars.

    Veamos...está principalmente el hecho de que a Anakin le concedan una padawan...Tal vez mi lógica esté fallando, pero...¿no se supone que para tener un padawan hay que ser maestro? Ah, claro, Ahsoka se refiere a Anakin un par de veces como "maestro"...pero...¿en qué momento se convirtió Anakin en maestro? Porque, si mal no recuerdo, en "La Venganza de los Sith" los maestros se rehusan a nombrar a Anakin maestro, recuerdo perfectamente a uno de ellos diciendo "se le permitirá formar parte del Consejo, pero NO SE LE CONCEDERÁ EL RANGO DE MAESTRO"...Y es por eso que ningún fan de tercer grado va a soportar "The Clone Wars" después de la aparición de Ahsoka. En cuanto a los de primer grado, pocos son los que serán capaces de juntar el suficiente interés para verla, en primer lugar, consoderando la mentalidad que, lastimosamente, aún está vigente en esta parte del mundo con respecto a la animación, tanto en cine como en TV.

    Pero ya es hora de concentrarnos en este filme como entidad individual. Si bien se acercan bastante, ninguno de los actores logran recrear a la perfección a los actores de las películas, y los pocos que sí estuvieron en la película y no vieron razón para desperdiciar un cheque (Samuel L. Jackson como Mace Windu y Christopher Lee como el Conde Dooku) ven el tiempo de pantalla de sus respectivos personajes increíblemente corto, en especial Jackson; digo, si yo tuviera a Samuel L. Jackson ("Jumper"), una leyenda de Hollywood, en mi película animada basada en una serie de películas que no consiguió a los actores originales, querría aprovechar al máximo el talento y el peso de su nombre...Es una verdadera pena que Filoni no piense del mismo modo.

    Otro personaje que podría haberse usado un poco más aquí es el de la asesina Sith Asajj Ventress (Nika Futterman), quien también hiciera una magistral presentación en la miniserie de Tartakovsy pero no llegó a "La Venganza de los Sith" (culpen a Anakin por eso). Si bien le dan un extendido duelo con Anakin y Ahsoka y luego otro con Obi-Wan, no le dan mucho más que eso. Y en cuanto a los personajes que el filme nos presenta, bueno...Ahsoka Tano hizo sonar cada una de las "alarmas de cliché" en mi cabeza; estamos hablando de la adolescente irritante y arrogante que vimos cientos y cientos de veces, como un cruce entre la entonces pequeña Miranda Cosgrove en "Escuela de Rock" y Alison Lohman en "Los Tramposos", tratando de recordar un poco a Natalie Portman en "El Profesional"...no lo logra. Debo confesar que me esperaba un desfile de flatulencias y vómitos de una pequeña larva de Hutt mientras la Fuerza me decía que se acercaba el momento en que se nos presente el hijo de Jabba, pero esta vez las alarmas de clichés se equivocaron; si bien se nos da un poco de lo recién mencionado (se trata, después de todo, de un producto principalmente dirigido a los espectadores de Cartoon Network...tal vez los fans de tercer grado deberían pensar en eso por un momento), la adición de la pequeña babosa intergaláctica le da una sensación de urgencia y suspenso al filme que no esperaba en lo absoluto. Pero lo que definitivamente no me esperaba era a Ziro...

    Ziro el Hutt (Corey Burton), tío de Jabba, a quien Padme (Catherine Taber, ya que Natalie Portman no quiso el cheque) recurre para que interceda por la República frente a su tío. Se trata de un Hutt de color púrpura (o algo por el estilo) con tatuajes flourescentes y de hablar extrañamente afeminado, quien es dueño de un club nocturno/bar/algo en Coruscant. Uno diría que los guionistas se encontraron sin saber cómo demonios terminar el filme y decidieron introducir a Ziro para usarlo como la piedra angular de uno de los más repetidos finales de la historia del cine. 

    La animación, si bien no se podría destacar nunca, mucho menos en el año de "WALL-E", era efectiva, principalmente durante las escenas de acción, que, gracias al cielo, son muchas y muy bien realizadas. Ahí es donde Filoni se siente más cómodo, y se nota; la defensa de la ciudad al principio es emocionante, como lo es el asedio por parte de los clones de un monasterio donde esperaban encontrar al hijo de Jabba y a sus captores, y una breve batalla espacial cerca de Tatooine. Es bueno ver que por lo menos se les dio bastante tiempo de pantalla a los clones del título, que nunca decepcionaron en pantalla en los filmes de Lucas. 

    En fin, con sus aspectos positivos y negativos, los negativos siendo mucho más numerosos pero los positivos teniendo mayor efecto en la forma en que disfruté la película, hacen que le otorgue un puntaje igualmente balanceado...Pero, fans de tercer grado, estan advertidos: no les gustará, mejor quédense en FanFiction.com por ahora. Fans de primer grado...¿a quién estoy engañando? ¿Qué fan de primer grado seguiría leyendo hasta aquí?

    

    

    

Hellboy 2: The Golden Army (2008)

"I suppress each photo, cell phone videos, each one costs me a fortune, and then they show up on YouTube...God, I hate YouTube!" - Tom Manning 

Una película de Guillermo del Toro

Producida por Lawrence Gordon, Lloyd Levin y Mike Richardson

Escrita por Guillermo del Toro

Elenco: Ron Perlman, Doug Jones, Selma Blair, Luke Goss y Anna Walton

Calificación: 3,5/5

    Luego de que han pasado cuatro años desde el estreno de la primera aventura de Hellboy, y luego de que su director Guillermo del Toro haya cosechado innumerables galardones y nominaciones (incluídas unas por Mejor Película Extranjera y Mejor Guión Original en los Oscar 2007) por su magistral "El Laberinto del Fauno" (2006), el genial director mexicano vuelve a encarar el reto de recrear las aventuras del demonio rojo creado por Mike Mignola. Con un guión del mismo del Toro y con colaboración directa de Mignola, "Hellboy 2: The Golden Army" llega con más presupuesto, más monstruos, más acción y con un director con mucha más experiencia en efectos especiales (aún cuando su experiencia previa a "El Laberinto" ya era amplia, pues tanto "El Espinazo del Diablo" (2001) como "Blade 2" (2002) usaban mucho CG).

    La historia que del Toro nos cuenta consiste en lo siguiente: miles de años atrás, cuando los hombres y las criaturas mágicas compartían el mundo, había paz; pero pronto los hombres sintieron codicia, y empezaron a hacer la guerra a los seres mágicos. El rey elfo, Balor (Roy Dotrice), viendo que perdía, aceptó la propuesta que le hizo el maestro de los duendes herreros, de crear para él un Ejército Dorado de soldados mecánicos que equivalían a "70 veces 70" guerreros humanos, y que pueden ser controlados por quien tenga una corona mágica. Los soldados dorados arrasan con los humanos y el rey Balor, horrorizado por la matanza, declara una tregua, partiéndo la corona en tres y entregándoles una parte a los humanos. El hijo del rey Balor, el príncipe Nuada (Luke Goss), en desacuerdo con la decisión de su padre, se exilia.

    En la actualidad, el aparentemente inmortal Nuada se encuentra en Nueva York, donde se encuentra la pieza de la corona entregada a los humanos y, tras recuperarla de una subasta con la ayuda de su guardaespaldas trol, el señor Wink (Brian Steele) y un enjambre de hadas carnívoras, se dispone a recuperar las otras dos de su padre y su hermana Nuala (Anna Walton). Pero el ataque la subasta llamó la atención del Buró de Investigación y Defensa Paranormal, y sus tres super-agentes Hellboy (Ron Perlman), su novia la piroquinética Liz Sherman (Selma Blair) y el hombre-pez con poderes psíquicos (por llamarlo de alguna forma) Abe Sapien (Doug Jones) son convocados a la escena. Tras el enfrentamiento con las hadas, que tiene un desenlace no muy acorde a lo esperado por Washington, el grupo es dejado a cargo de un nuevo líder, el ente ectoplásmico Johann Krauss (Seth MacFarlane) y puesto a seguir la pista de la pieza de corona robada.

    Columbia obviamente tuvo miedo de Hellboy, y eso se notó un tanto en el primer filme del hombre rojo; del Toro evidentemente estaba trabajando con un presupuesto relativamente bajo para una producción de ése perfil (aún cuando Hellboy nunca fue un personaje de cómic con el destaque de Batman o Spider-Man). Incluso después de que la película resultó un éxito comercial y crítico, parece que los ejecutivos del estudio aún no estaban convencidos, y, sabra Dios por qué, dejaron que  Universal compre las derechos. Y con el cambio de estudio, del Toro se vio con la libertad y el dinero para hacer las cosas más grandes y espectaculares, además de contar con la experiencia de haber hecho la primera "Hellboy" y la ya mencionada "El Laberinto del Fauno"...y el hombre no decepciona.

    Si bien Nuada, Nuala y Balor no son precisamente revolucionarios en su apariencia (son sólo actores maquillados, y su naturaleza "élfica" no requiere demasiado trabajo de maquillaje de todos modos), y Hellboy ya estaba bien como estaba en el primer filme, resulta evidente que del Toro no tenía en mente a Hellboy como la estrella esta vez; no, el verdadero protagonista en ésta ocasión es el mundo que rodea al colorado amante de los gatos. Tenemos al señor Wink, un monstruo a quien cualquier otro director hubiera fabricado con CGI (más o menos como Sammael en el filme anterior), pero el cineasta mexicano recurre al viejo "hombre-en-traje", limitándose a dar sólo los toques finales en CGI, con un resultado infinitamente superior a lo que hubiera sido si Wink era exclusivamente generado por computadora. El mismo Abe Sapien parece mucho más detallado, y es en mi opinión el mejor personaje del filme por la profundidad que logra en cada una de sus escenas (en especial una hilarante pieza que lo incluye a él, a Hellboy y, en cierta forma, a Barry Manilow). Doug Jones merece ovaciones por lograr eso bajo capas de maquillaje; el actor (como ya lo había hecho en "El Laberinto") interpreta a otros personajes en el filme además de a Sapien; tenemos a Jones brevemente como el Chamberlain, el portero del Mundo Élfico, un ser alto y pálido vestido con suntuosas ropas ceremoniales de apariencia religiosa (recuerda mucho al Hombre Pálido que Jones interpretó en "El Laberinto", sólo que con ropa) y a una de las más maravillosas creaciones del filme, el Ángel de la Muerte, una criatura de apariencia femenina con una especie de placa como corona en la cabeza y ojos en las alas. El poder de la imaginación en evidencia, y no termina ahí; hay tantas pero tantas cosas dignas de asombro...el Mercado Trol (demasiado parecido al Callejón Diagon de la serie "Harry Potter" para mi gusto, el Dios del Bosque suelto en Nueva York, el Fragglewump cuya dieta consiste principalmente de gatos...

    El personaje titular, por lo tanto, pasa un tanto desapercibido en medio de este remolino de fantasía. Perlman ("Blade 2") entrega cada una de sus líneas con el mismo sarcasmo y gracia que antes, pero aún él nada puede hacer para competir contra el catálogo completo de seres mitológicos y escenarios fantásticos del cual Guillermo del Toro parece tener una copia. Debo admitir que entré esperando una insípida sub-trama con Hellboy y Liz teniendo problemas de pareja (prácticamente cada sinópsis de la película que leí destacaba este elemento de la historia), y terminé gratamente sorprendido; y es que después de "Spider-Man 3" (¿practicamente todo lo que pasa cuando Peter y Mary Jane comparten escena?) y "Los Cuatro Fantásticos 2" (¿la escena de la despedida de soltero?), tengo una fobia terrible a las parejas de super-seres con problemas. Pues bien, aquí no hay clichés como los de los previamente mencionados errores capturados en celuloide, aunque sí hay uno al final que me hizo fruncir el ceño, ya verán cuál...

    ¿Por qué la relativamente mediocre calificación? Bueno, me gusta calificar las películas no en base a la fórmula de "historia + actuaciones + producción = xx/xx", sino en base a cuánto disfruté al verla. Habiendo dicho ésto, adoré las peleas de Nuada con Hellboy (gran despliegue físico de parte de Luke Goss), la batalla contra el Ejército Dorado y el cameo de John Hurt ("Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal"), pero hubo demasiado que dejó mucho qué desear; la pelea con el Dios del Bosque fue, para mi gusto, demasiado simple, y la ciudad tenía un extraño aire de "eso no es Nueva York" parecido al que tenía la batalla final de "El Increíble Hulk" (que se filmó en Canadá); o el incidente inicial con las hadas, infinitamente inferior al demasiado similar incidente con Sammael en la primera "Hellboy"...Además, me pareció triste que se hayan deshecho como si nada del personaje John Myers (interpretado en el primer filme por Rupert Evans), y Liz de nuevo aportó muy poco a la trama para mi gusto; tal vez del Toro no supo cómo hacer a Liz usar sus poderes, en cuyo caso debería tomarse un tiempo y ver la serie de animación "Avatar: The Last Airbender", para aprender cómo se aprovecha a los personajes con control sobre el fuego.

    Aún así esta segunda visita al universo creado por Mike Mignola fue un gratificante testimonio de que el sub-género de películas basadas en cómics va por muy buen camino, aún con sus eventuales tropiezos. Es también un testimonio de que el que es actualmente el más influyente cineasta latinoamericano en todo el mundo éstá tan fuerte en su arte como siempre, y listo para entregarnos más. Porque, para los que ponen atención en las películas, Hellboy tiene una profecía qué evitar cumplir...y nosotros una cita más con él.

    

Iron Man (2008)

"The truth is...I am Iron Man." - Tony Stark/Iron Man

Una película de Jon Favreau

Producida por Avi Arad y Kevin Feige

Escrita por Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matthew Holloway

Elenco: Robert Downey Jr., Jeff Bridges, Gwyneth Paltrow, Terrence Howard y Shaun Toub

Calificación: 4/5

    Cuanto hemos crecido...La industria del cómic y el cine están terminando por fin de asimilarse la una a la otra, y los resultados están siendo mejores que lo que los más optimistas expertos habían pensado que sería. Es cierto que las películas basadas en cómics no son nada nuevo, y las primeras datan de varias décadas atrás, pero el renacimiento no empezó hasta el 2000, con "X-Men" (de Bryan Singer), que si bien no se convirtió en clásico ni nada parecido, fue un comienzo digno de la nueva oleada, dando el puntapié inicial y atrayendo el interés de los grandes estudios, que son quienes al final ponen el dinero. Luego vino "Spider-Man" (2002, de Sam Raimi) y el fenómeno se estableció para quedarse. Pronto vendrían filmes más adultos como la sub-valorada "Hulk" (2003, de Ang Lee), la injustamente ignorada "V de Venganza" (2005, de James McTeigue) o la ni sub-valorada ni mucho menos ignorada secuela del trepamuros neoyorquino.

    Luego vino una cierta debacle en lo que a calidad se refiere, pues las tereceras partes de las series "X-Men" y "Spider-Man", si bien mantuvieron su desempeño en la taquilla, fueron atacadas por la crítica, especialmente "Spider-Man 3", la cual me pareció una decepción muy grande (en serio, lo que podrían haber hecho con actores como Thomas Haden Church o Bryce Dallas Howard...ojalá Bryce tenga otra oportunidad para iluminar la pantalla con su talento), además de las francamente terribles adaptaciones de "Los Cuatro Fantásticos" y "Ghost Rider", entre otros. Para el 2008, las expectativas eran más que optimistas, sin embargo, perfilándose dos grandes estrenos, uno de los cuales ya sabemos en qué desembocó, ya mucho se ha dicho de ese filme, y probablemente se diga aún mucho más en estos próximos meses...

    Así que concentrémonos en el otro filme, también sobre uno de los personajes más queridos del mundo de los cómics. Muchos fans temblaron al escuchar los dos nombres principales que esta adaptación presentaría: el actor/director Jon Favreau ("Swingers"), cuyo currículum como realizador consistía más bien en comedias o fantasías infantiles como "Zathura"; y el que interpretaría al Hombre de Hierro, Robert Downey Jr. ("Zodiaco"), un hombre con inmenso talento como actor pero que por alguna razón causaba recelo en la comunidad de fans...tal vez por ser tan famoso por su actuación como por sus innumerables arrestos y entradas y salidas de rehabilitación por consumo de también innumerables tipos de drogas. Parecía que la historia de "Los Cuatro Fantásticos" se repetía...Cuán equivocados estabamos todos...

    La historia es fiel al comic, con los cambios de rigor para situar al filme en la actualidad...Durante una presentación de un revolucionario misil ante autoridades militares estadounidenses en Afganistán (reemplazando al Vietnam del cómic original), el multimillonario y brillante ingeniero armamentístico dueño de las Industrias Stark, Tony Stark (Downey Jr.) es herido y capturado. Sus captores, quienes se identifican como "Los Diez Anillos" (mensaje para los fans) le ordenan que construya pra ellos el misil que demostró, a cambio de su libertad, y lo encierran junto con otro ingeniero capturado, Ho Yinsen (Shaun Toub). Yinsen le salva la vida a Stark fabricando un electromagneto que se encarga de mantener la metralla que penetró en el pecho de Tony alejada de su corazón, y los dos se ponen a trabajar...aunwque no en lo que los Diez Anillos quieren, sino en un plan de escape: una armadura. Tony logra escapar, aunque sin Yinsen, y es luego rescatado por sus compatriotas. Con una nueva forma de ver el mundo, Stark se propone no sólo dejar de fabricar armas, sino también encontrar las que Industrias Stark esparció por todo el globo, sin su conocimiento, y destruirlas. 

    Como un crítico que conozco dijo muy sabiamente, no juzgamos a una película por sus pequeños detalles sino por la suma de sus partes, y la variable más grande de la ecuación que es "Iron Man" es Robert Downey Jr...El actor que hace más de una década fuera nominado al Oscar por su actuación en "Chaplin" (1992) vuelve del agujero negro al que las drogas lo habían lanzado, y tras haber logrado que la crítica lo aclame y el publico vuelva a tener en cuenta con su papel en "Zodiaco" (2007, de David Fincher), el actor ingresó al 2008 listo para tomarlo por asalto. Y lo está consiguiendo: su interpretación de Tony Stark es la principal fuerza conductora del filme. Downey Jr. hace de Stark un playboy mujeriego, irresponsable, jugador y bebedor ("sírvame un scotch, estoy hambriento"), y aún así logra que el público se encariñe con él desde su primera aparición; a fuerza de carisma, el actor no nos deja otra opción que amar a Stark, y amarlo aún más cuando cambia de dirección su vida. Muchos pensaron que Downey Jr., un actor de trayectoria principalmente en filmes dramáticos, simplemente no era el indicado para interpretar al playboy Stark...Bueno, sólo digamos que muchas de esas personas se encuentran ahora pidiendo en la Internet que Downey Jr. sea nominado a Mejor Actor en los Oscar.

    Tal es la fuerza de presencia que aporta Downey Jr. que el resto del elenco queda un tanto cubierto por su sombra; el que más sobresale de dicha sombra es, sin embargo, Jeff Bridges ("Intriga en la Calle Arlington") como Obadiah Stane, el principal socio de Tony en las Industrias Stark. No daré detalles para no incurrir en posibles spoilers. Lastimosamente un par de grandes artistas como son Gwyneth Paltrow ("Sky Captain y el Mundo del Mañana") y Terrence Howard ("Cuatro Hermanos") quedan demasiado opacados como Veronica "Pepper" Potts, la asistente personal de Tony, y Jim Rhodes, el amigo de Tony y contacto de Industrias Stark con el Ejercito de los EE.UU., respectivamente. Tal vez lo que necesitan es un poco más de tiempo de pantalla, lo que ojalá reciban en la secuela.

    Ahora, tratándose de una película llena de efectos especiales, es más que correcto dedicarles a estos un párrafo, ¿no? Pues bien, los efectos especiales son, por supuesto, de primer nivel. Por supuesto ya no iba a ser aceptable nada menos que la perfección, no en el mundo post-julio de 2007, cuando tenemos a "Transformers" (de Michael Bay) como la marca a superar, y "Iron Man" no nos decepciona...Existe un momento en el filme en el cual el Hombre de Hierro se prepara para su vuelo inaugural, y Jon Favreau nos muestra cómo las pequeñas piezas se van acomodando para entrar en modo de vuelo; simplemente lo hace a uno sonreir...no es mucho lo que se mueve: un pequeño pedazo como alerón cerca del talón, otro en el muslo, entre otros elementos, las pequeñas partes que sumadas dan un pequeño y precioso momento de genialidad cinematográfica.

    Sin recurrir a mensajes políticos como muchos suelen hacer hoy día, Favreau se encarga de que estemos perfectamente conscientes de que lo que está pasando pasa ahora, en nuestro mundo actual lleno de terror y terrorismo, y logra que todos quedemos convencidos de que personajes como Stark o Stane podrían perfectamente existir en el mundo real. 

    Hay un defecto en "Iron Man", o al menos lo fue para mi...Me refiero a la batalla climática, que podría haber sido mucho más que lo que fue, aunque Favreau introduce una inesperada fuente de tensión desde momentos antes del duelo final. Todos sabemos ya que Stark tiene que ganar, pues sino...¿quién protagonizaría la secuela? De la misma forma que todos sabíamos que los Jedi tenían que ser aniquilados en "Star Wars, Episodio 3: La Venganza de los Sith" (2005, de George Lucas) o que el Titanic se tenía que hundir en...sí, adivinaron en cual...Pero Favreau logra, como lograron Lucas y James Cameron en sus respectivos filmes, que lleguemos a creer que el resultado puede ser distinto. Los contextos son distintos, claro, pero en escencia es lo mismo.

    Si tan sólo hubiera salido el año pasado (no el año que viene, porque el 2009 ya tiene un ganador antes de tan siquiera empezar) "Iron Man" hubiera logrado el merecido título de Mejor Película de Super Héroes del Año en los corazones de los cinéfilos...Queda lastimosamente relegado a un segundo puesto sólo por haber sido estrenada en el Año del Murciélago, pero aún así gana un lugar de honor en las mentes y en los anales de Hollywood...

    ¡Ah, sí! Casi se me olvida...Hagan como en "X-Men: The Last Stand" (2006, de Brett Ratner): vean hasta después de los créditos y disfruten la revelación. Y después vean "El Increíble Hulk" para que mayor confirmación...Y comiencen a contar los días...

    

Tropic Thunder (2008)

"They had one good role for a black man, and they gave it to Crocodile Dundee!" - Alpa Chino

Una película de Ben Stiller

Producida por Ben Stiller, Stuart Cornfield y Eric McLeod

Escrita por Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen

Elenco: Ben Stiller, Robert Downey Jr., Jack Black, Brandon T. Jackson y Jay Baruchel

Calificación: 4/5

    Ésta era sin duda la película que más he estado esperando, al menos desde que vi "The Dark Knight". Y es que había motivos, pues los amigos de Dreamworks prepararon una de las más gigantescas campañas de marketing alrededor de este filme. Y finalmente, después de todos los sitios web ficticios, la publicidad en TV, los distintos trailers, las fotos filtradas, los comentarios en foros de Internet y los intentos de boicot (que a la larga sólo hacen que más gente vea el filme, porque cualquier publicidad es buena publicidad, y si no pregúntenselo a la Iglesia Católica con "El Código Da Vinci"), finalmente está aquí. 

    Ben Stiller ("Los Focker") co-escribió, produjo y dirigió esta comedia que bastante tiene en común con su última presentación como director, "Zoolander" (2001). Mientras "Zoolander" era una sátira de la industria del modelaje, "Tropic Thunder" es una mofa a la industria cinematográfica de la cual proviene. Tal y como en "Zoolander", tenemos un grupo de profesionales con egos más grandes que el mundo y a veces con poco contacto con la realidad debido a dicho ego, quienes son lanzados en una situación que sólo acaban de comprender cuando ya están metidos hasta la coronilla en problemas. Y yo diría que si bien se trata de una mejoría con respecto a "Zoolander" (que tampoco fue mala en mi opinión), "Tropic Thunder" simplemente no llega a satisfacer las altísimas expectativas que provocó.

    La historia nos lleva a Vietnam, donde se está filmando la que será la "película de guerra más cara de la historia", basada en un libro que escribió el veterano de la guerra "Four Leaf" Tayback (Nick Nolte). El elenco de la cinta incluye al héroe de acción en decadencia Tugg Speedman (Stiller) como Tayback y al actor australiano cinco veces ganador del Oscar Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.) como el Sargento afroamericano Lincoln Osiris; además están tambien el comediante espeialista en humor de flatulencias Jeff Portnoy (Jack Black), el rapero convertido en actor Alpa Chino (Brandon T. Jackson) y el desconocido novato Kevin Sandusky (Jay Baruchel). Pero, gracias al poco profesionalismo de las estrellas (principalmente Speedman) y la falta de control que el director Damien Cockburn (Steve Coogan) ejerce sobre ellos, el filme cae en peligro de ser cancelado por los excesivos gastos. Es entonces que Tayback y Cockburn idean un plan para salvar el filme: llenar de cámaras escondidas y explosivos la selva, y dejar a los cinco actores ahí para filmar la película "estilo documental". Lo que tanto los actores como Cockburn ignoran es que la selva está controlada por un peligroso cartel de traficantes de droga.

    La producción es simplemente espectacular, y Stiller aprovecha cada centavo del aparente cheque en blanco que DreamWorks puso en sus manos; el director nos muestra impresionantes tomas de "Vietnam" (la película en realidad fue filmada en Hawaii) al ritmo de clásicas canciones de la época de la guerra y ritmos de hip-hop y tecno; el filme también cuenta con fastuosos efectos especiales (la escena con Downey Jr. corriendo mientras un helicoptero cae a su lado, tan utilizada en los trailers, está especialmente bien hecha). 

    Las actuaciones van desde magistrales hasta buenas, pero en ningún caso más abajo que eso. Lo cierto es que el filme tiene dos estrellas, y ninguna de ellas es en realidad Stiller, sino Robert Downey Jr. (Iron Man), quien está viviendo el mejor año de su carrera y evidentemente se divierte como nunca antes hablando con voz y acento afroamericano, resultando en una interpretación que se puede considerar como una de las mejores de su carrera, lo que es decir bastante considerando su carrera (clayo que a mí también me divertiría hacer cualquier cosa si fuera Downey Jr. en este momento; el tipo es el artista del año); y de Tom Cruise (la trilogía "Misión Imposible)...sí, Tom Cruise, leyeron bien, y antes de que comienzen a preguntarse por qué el nombre de Tom Cruise no aparece en ningún cartel promocional ni trailer, algo completamente ilógico dado el arrastre extra que el nombre del Sr. Cruise tiene, les explicaré que Ben Stiller tenía en mente dejar el personaje de Cruise como una sorpresa. Lastimosamente ciertas fotos fueron tomadas y subidas a la Internet, arruinando la sorpresa a muchos, incluído yo...así que, en honor a la intención del Sr. Stiller y a los que aún no saben nada al respecto, no revelaré la naturaleza de su papel, aunque sí diré que es algo que nunca han visto antes ni hubieran pensado ver hacer a Cruise; inolvidable.

    Nick Nolte ("Hulk") es genial en el papel de "Four Leaf" Tayback, un veterano que escupe líneas como "las camas me dan pesadillas" o "no sé cómo se llama, sólo se el sonido que hace cuando le quita la vida a un hombre", pero en realidad oculta un pequeño secreto; el personaje de Jack Black ("Kung Fu Panda") también tiene su secretito, que resulta evidente temprano en el filme y da cancha al comediante para sobreactuar a gusto, lo que por momentos arranca risas y por momentos resulta un poco molesto, aunque pasable. El personaje de Brandon T. Jackson fue, en mi opinión, totalmente desperdiciado, pues se le podían haber dado excelentes chistes que nunca llegaron, y además está el hecho de que a Jackson se lo obliga a confrontar a Downey Jr. durante la mayoría del tiempo, algo para lo que el novato claramente aún no está listo. Jay Baruchel ("Million Dollar Baby") es muy bueno y bastante querible como Sandusky, si bien es eclipsado por el desfile de estrellas a su alrededor. No se pierdan también las actuaciones de Matthew McConaughey ("Dos por el Dinero"), Bill Hader ("Supercool") y Danny McBride ("Expreso Piña").

    Y aún cuando el filme no es todo lo que pudo llegar a ser (o sea, un clásico inmortal), tiene algo especial. Y si uno se pone a pensar, iba a ser muy difícil, por no decir imposible, que el filme iguale o incluso super las expectativas que creó. Desde que Stiller estrenó su brillante corto en los MTV Movie Awards de este año, en el cual él, Downey Jr., Black y el sobrino de Stiller filmaban un video "viral" para promocionar el filme (él fondo de pantalla de mi celular fue por mucho tiempo el cartel que Stiller presentó en esa ocasión, según el cual los protagonistas del filme eran "Stiller, Panda y Iron Man", aquellos que seguimos el mundo del cine de cerca hemos sido testigos de una de las más gigantescas campañas de promoción de un filme en la historia del cine, en especial en la Internet. Además del sitio oficial del filme, casi todos los "actores" tienen sus propios "sitios oficiales"; si tienen tiempo, dénle una mirada a los sitios de Tugg Speedman, Jeff Portnoy, Kirk Lazarus (simplemente genial), Alpa Chino, al sitio del encargado de efectos especiales del "filme", Cody (miren su filmografía) o al perfil de MySpace de Kevin Sandusky. También hay un sitio de la "película" de Kirk Lazarus "Satan's Alley", co-protagonizada por Tobey Maguire (la trilogía "Spider-Man"), con todo y trailers, wallpapers, sinópsis, y todo lo que un sitio real de una película real podría tener. 

    El pincipal defecto de "Tropic Thunder" está en que decae un poco hacia la mitad del filme, aunque es sostenido fuera de peligro por los pilares que son Downey Jr. y Cruise. Pero hacia el final se recupera para otorgarnos una hilarante y a la vez sorprendentemente emocionante secuencia de acción que los dejará no sólo sonriendo, sino también cargados de adrenalina como si hubieran terminado de ver "300" y no una comedia de Ben Stiller.

    En un año en que la taquilla se ha visto adornada por superproducciones de categoría O (Oscar), como "El Caballero Oscuro" o "WALL-E", o filmes que si bien no llegan a dicho nivel pero aún así contaron con alabanzas de la crítica, como "Iron Man"; pero en que las comedias han sido bastante débiles, con excepción de "Expreso Piña" y "Cómo Sobrevivir a Mi Ex" (provenientes ambas ed la máquina de risas que es Judd Apatow), "Tropic Thunder" combina la comedia con la apariencia y el elenco de una mega-producción, procreando algo nuevo aunque parezca repetido. Una sátira a Hollywood producida por Hollywood que en ningún momento se siente como algo hipócrita, de ninguna forma. Stiller ataca a Hollywood de la misma forma y con la misma honestidad que Sacha Baron Cohen utilizó con "Borat" para poner en exposición algunos aspectos de la cultura norteamericana, pero nunca con malicia o saña. No tiene los comentarios políticos de "Borat", porque no los necesita para mostrarnos un Hollywood que no está tan alejado de la realidad como podría parecer a simple vista. 

    

    

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008)

"How much of human life is lost in waiting?" - Prof. Harold Oxley

Una película de Steven Spielberg

Producida por Frank Marshall

Escrita por David Koepp

Elenco: Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett, Karen Allen y Ray Winstone

Calificación: 4/5

    Probablemente la película más esperada del año, aún más que "Iron Man" (de Jon Favreau) o "El Caballero Oscuro (de Christopher Nolan). Se puede decir que 19 años de espera crean mucha espectativa, y es ése el tiempo que pasó desde "Indiana Jones y la Última Cruzada" en iluminar la pantalla grande con su presencia. Debo confesar que he sido fan de Indiana Jones desde que mi padre trajo la trilogía completa en VHS de su primer viaje a Europa, cuando yo tenía 8 años. Recuerdo haber pasado horas saltando de cama en cama esquivando flechas y bolas gigantes invisibles, y haber tenido alguna que otra pesadilla gracias al final de "Cazadores del Arca Perdida"...Y esta cuarta entrega, si bien puede (y debería) ser disfrutada por todo el mundo, está hecha por y para los fans. Y es que Spielberg, si bien está al mando de las cámaras aquí, es un fan más del arqueólogo aventurero, y así como miles de personas, como yo, jugábamos a ser Indiana Jones, él seguramente saltaba y se imaginaba estar en aquellas clásicas series de sábado por la mañana en las que Indiana Jones está claramente inspirado. Y si hay alguien que puede tomar algo que le gusta, sea lo que sea, y conseguir un megamillonario presupuesto para volverlo un filme, ése es Steven Spielberg. No es la mejor película del verano estadounidense, ni mucho menos (un verano que ya tiene nada menos que dos prospectos al Oscar a la Mejor Película en "El Caballero Oscuro" y "Wall-E", lo que es inédito), pero es especial por el hecho de...bueno, al verla sentí como si estuviera específicamente dedicada a mí. Todo fan de la serie habrá tenido esa misma sensación. ¿Como odiar algo que fue hecho para mí?

    Habiendo dicho eso, vamos al argumento: Nos encontramos en 1957. Nada más comenzar el filme, vemos que Indiana Jones (Harrison Ford) fue capturado por impostores que se hacen pasar por soldados estadounidenses. Jones y su compañero Mac (Ray Winstone) son llevados por los soldados, quienes resultan ser rusos, a una instalación norteamericana secreta en algún lugar en medio del desierto, donde se hace presente la Coronel Dra. Irina Spalko (Cate Blanchett), la experta en asuntos paranormales del régimen de Stalin, que le ordena a Jones que los ayude a encontrar algo en una bodega llena de contenedores de madera (un regalo para los fans, quienes seguramente reconocerán la el lugar). Tras ser traicionado por Mac y lograr un asombroso escape, Indiana se encuentra de vuelta en Nueva York, donde es suspendido de sus deberes como profesor debido a las sospechas del FBI en su contra con relación al incidente del desierto. Es entonces que Jones conoce a Mutt Williams (Shia LaBeouf), quien le habla sobre una carta por un amigo mutuo, el desaparecido Prof. Harold Oxley (John Hurt), que está escrita en una lengua muerta; según Mutt, su madre, también recientemente desaparecida, le había dicho que busque a Jones en caso de tener problemas. Indiana deduce que la carta habla de la legendaria Calavera de Cristal que de ser devuelta a la ciudad perdida de Akator, en el Amazonas, dará un inimaginable poder a quien lo haga. Así comienza la carrera a Akator, una carrera donde "no hay medalla de plata para el segundo lugar" (perdón, pero no me pude resistir a hacer mi propio pequeño homenaje a la serie, gracias por su comprensión).

    Tanto Spielberg ("Munich") como Ford ("K-19") han madurado mucho en 19 años, física y creativamente, pero eso no impide que ambos saquen a la superficie al mismo niño interior que tenían cuando hacían la trilogía original de Indiana Jones. Ayudándose en los avances de la tecnología CG, pero sin dejar que la acción pierda esa apariencia tan familiar y clásica de los otros tres filmes, Spielberg evidencia estar diviertiéndose como no lo hacía en años, y ese niño en el cuerpo de un adulto da rienda suelta a su inmensa imaginación...y cuando digo "inmensa" me refiero al tipo de intelecto que es capaz de imaginar un escape de una explosión nuclear usando un refrigerador, o un duelo de esgrima en dos vehículos en movimiento.

    El elenco parece estar divirtiéndose tanto como el director, y eso se refleja en la pantalla, resultando la gran química y lo cómodos que parecen sentirse unos con otros...Shia LaBeouf ("Transformers") fue el motivo por el cual muchos fans no podían conciliar el sueño desde que se enteraron de su participación, pensando que sería nada más que un comic relief, fuente incesante de chistes de viejos; nada más alejado de la verdad, pues si bien usa la palabra "abuelo" un par de veces, su personaje es más un Indiana joven que un patiño intrascendente, ingenioso, hábil, y dueño de la mejor secuencia de acción del filme, lo que es decir mucho en una película así. Ray Winstone ("Beowulf") fue una sorpresa para mí, porque mi imágen preconcebida de él era la de un actor de filmes serios y dramáticos; aquí, sin embargo, me sorprendió gratamente haciendo de Mac un personaje que llega a ser gracioso como es odioso. Cate Blanchett ("Elizabeth, la Edad de Oro") haciendo de la villana es imperdible; su Dra. Spalko tiene un acento estereotípicamente ruso que cualquier otra actriz habría hecho sonar ridículo, pero ella logra darle un sonido serio y, debo decirlo, me encantó cada escena en la que ella decía algo; se nota que, si no tuviera que estar siempre seria y ser despiadada frente a la cámara, estaría sonriendo de oreja a oreja, y Spielberg la recompensa haciéndola compartir aquella mejor escena de acción de la que hablé antes con LaBeouf. Les dejo como sorpresas las interpretaciones de John Hurt ("V de Venganza") y de Karen Allen ("Cazadores del Arca Perdida").

    Claro que el filme tiene sus fallas. En algunas de las tomas los CG son algo obvios, y hay algunos puntos verdaderamente ilógicos (el principal de ellos también protagonizado por LaBeouf), y se nota que Spielberg o tuvo mucha presión por parte de la Paramount o quiso hacer de este un filme más adecuado para niños, porque en ningún momento hay un escena sorprendentemente fuerte como las otras sí tenían...No hay nada parecido a las caras derritiéndose al final de "Cazadores del Arca Perdida", o corazones siendo arrancados de pechos como en "Indiana Jones y el Templo de la Perdición" (1984), o tan siquiera la cabeza cortada hacia el final de "La Última Cruzada"...Bueno, hay algo hacia el final, pero no me dio pesadillas...

    También Spielberg es capaz de tomar prestados elementos de otras películas; el ya mencionado final, si bien no le llega ni a los talones, recuerda un poco a "Cazadores", y hay un par de momentos que al menos a mí me parecieron muy parecidos a dos momentos de "La Momia" (1999, de Stephen Sommers), con unas hormigas carnívoras que podrían haber dado batalla a los escarabajos come-hombres y una escena con Mac hacia el final. Incluso recorde al filme animado "Antz" (1998) cuando las hormigas están en acción, ya verán por qué. Y, por supuesto, vemos una de las especialidades de Spielberg brillar: su maestría al recrear el pasado. Desde una canción de Elvis Presley durante una carrera en la ruta hasta una pelea de comida entre jugadores de futbol americano y motociclistas, pasando por manifestaciones anti-comunistas, cacería de brujas, sospechas del Gobierno y paranoia extraterrestre, el filme grita "1957". Mutt es el más claro ejemplo, vistiendo chaqueta de cuero, andando en motocicleta y con un peinado a la James Dean. En este apartado Spielberg es insuperable (lo que es curioso porque también se puede decir lo mismo de sus recreaciones del futuro).

    ¿Debería volver Indiana un vez más? No lo sé, todo depende de la historia detrás del espectáculo. Pero desearía, como muchos que seguramente concuerdan conmigo, que Steven Spielberg pudiera estar con nosotros para siempre, y en cierta forma lo estará. El 2008 fue un gran año para las superproducciones, sin duda...para algunos será para siempre "el año en que "Iron Man" nos devolvió a Robert Downey Jr."; para otros, "el año en que Batman revolucionó la industria del cine"; para mí, es el año en que se estrenó una película dedicada a mí. 

       

 

Avatar, the Last Airbender: Sozin's Comet (2008)

"Today destiny is our friend..." - Iroh

Una película de Ethan Spaulding, Giancarlo Volpe y Joaquim Dos Santos

Producida por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko

Escrita por Michael Dante DiMartino, Aaron Ehasz y Bryan Konietzko

Voces: Zach Tyler Eisen, Mae Whitman, Jack De Sena, Dante Basco y Mark Hamill

Calificación: 5/5

    Bien, antes de que me ataquen déjenme aclarar algo: sé perfectamente bien que "Avatar, the Last Airbender" no es una película sino una serie de TV de la cadena norteamericana Nickelodeon. Esto no va a ser un análisis de la serie en general, sino de su final, que fue un evento de cuatro capítulos unidos con una duración total de aproximadamente una hora y media, y a la cual se refirió la crítica en general como una "película". A decir verdad, poco importa si se la considere o no una película, pues lo que es cierto es que se trata de algo brillante, digno de todo el respeto que se le ha dado y merecedor de aún mucho más; y es que cuenta con todo lo que una película, animada o no, debería contar para considerarse excelente: una gran historia, personajes más reales incluso que muchos que vemos en live action, un sobrecogedora banda sonora, animación de primera calidad...Así que, sólo por tratarse de algo tan extraordinario, ignoraré el hecho de que no se trata de un filme propiamente dicho...

    Aunque resultaría imposible hablar más sin antes explicar el argumento de la serie: La historia transcurre en un mundo dividido en cuatro naciones basadas en los cuatro elementos (las Tribus Agua, el Reino Tierra, la Nación del Fuego y los Nómadas Aire), en las cuales existen maestros capaces de controlar los elementos de sus respectivas naciones. Existe también una persona por generación que puede controlar los cuatro elementos, el Avatar, quien nace en cada una de las naciones en forma cíclica (agua, tierra, fuego y aire, en ese orden). El nuevo Avatar, Aang (Zach Tyler Eisen), nace entre los Nómadas Aire, pero abrumado por la revelación de su verdadera identidad y la guerra que según los adivinos se avecina y que él deberá detener, Aang huye con su animal acompañante Appa, un bisonte blanco con seis patas que es capaz de volar. Dirigiéndose al sur, Aang y Appa son atrapados por una tormenta que los precipita al mar. Aang, en un increíble despliegue de poder durmiente, crea una burbuja de aire que los encierra a él y al bisonte, y se congela inmediatamente, dejándolos en animación suspendida.

    Por pura casualidad, el chico y su mascota son encontrados 100 años después por dos hermanos de la Tribu Agua del Sur, Katara (Mae Whitman) y Sokka (Jack De Sena). Aang despierta a la dura realidad: el mundo que conoció ya no está...Poco después de la huida de Aang, la Nación del Fuego ganó un inmenso poder momentáneo gracias a un cometa que pasó cerca de la Tierra; con ese poder, el Señor del Fuego Sozin inició la guerra masacrando a los Nómadas Aire en todo el mundo. Al borde de la victoria sobre el gigantesco Reino Tierra, las esperanzas están casi perdidas. Katara se presenta como la última Maestra-Agua de todo el Polo Sur, pues los demás han sido o asesinados o capturados, y todos los hombres fueron a ayudar en la lucha. Pararlelamente tenemos la historia de Zuko (Dante Basco), príncipe de la Nación del Fuego que ha sido desfigurado por su propio padre como castigo por hablar fuera de lugar y enviado en busca del Avatar desaparecido, con prohibición de volver sin haberlo atrapado. Acompañado por su tío Iroh (interpretado primero por el difunto Mako, y luego por Greg Baldwin), se encontraba en la zona cuando Aang fue descubierto por los hermanos. Desesperado por recuperar su honor, el joven Maestro-Fuego intentará atrapar al niño mientras éste y los dos hermanos se dirigen al Polo Norte con la esperanza de encontrar un maestro que les enseñe a Aang y Katara el dominio del agua. Pronto, sin embargo, descubrirán que el cometa está pronto a volver, y que el Señor del Fuego Ozai (Mark Hamill) itentará usar su poder para acabar con la guerra de una vez por todas.

    Tratando de mantener los spoilers en el mínimo nivel posible, la serie sigue durante 3 temporadas la odisea de Aang y su grupo, al que más tarde se une la Maestra-Tierra Toph (Jessie Flower) por dominar los tres elementos que le faltan; al igual que sigue las vivencias de Zuko y sus eventuales transformaciones internas y luchas consigo mismo. La "película" comienza a dos días de la llegada del Cometa de Sozin, y nos unimos a Aang, Sokka, Katara, Toph, Zuko y Suki (Jennie Kwan) escondidos en la Isla Ember, donde Aang se encuentra entrenando en Fuego-Control con Zuko. Cuando Zuko, escandalizado, escucha de parte de los demás que realmente ya no planeaban enfrentar a Ozai antes de que llegara el cometa, les revela la horrible verdad: su padre planea utilizar un flota de aeronaves para literalmente barrer con fuego e incinerar el Reino Tierra. Aang no tiene otra opción que, como dice Zuko, "tomar la vida del Señor del Fuego antes de que él tome la tuya", y debe hacerlo dentro de dos días. ¿Cuál es el problema? Aang fue educado con la noción de que toda, absolutamente toda vida es sagrada, y no se siente capaz de matar, aunque todo el mundo le diga que es la única salida. Esa misma noche Aang, después de una discusión con sus amigos sobre convertirse eventualmente en víctima o victimario, Aang se retira a meditar a un balcón de la casa en la que están, desde donde divisa una extraña y pequeña isla cerca de la playa, y, como en un trance, va hacia ella. El Señor del Fuego, mientras tanto, se apresta para salir con la flota que barrerá el Reino Tierra, y nombra a su hija Azula (Grey Delisle) como la nueva gobernante de la Nación del Fuego para poder él convertirse en soberano del mundo bajo el título de Rey Fénix. Al no encontrar a Aang por ningún lado a la mañana siguiente, sus amigos salen en una desesperada búsqueda del Avatar y de la única otra persona que podría ser capaz de derrotar a Ozai: Iroh, quien desapareció tras haber escapado de prisión en la Nación del Fuego.

    Bueno, dar más detalles sería empezar a lanzar spoilers, y no me gustaría hacer eso con nada, y mucho menos con esto. "Avatar" es una de las más gratas sorpresas de la TV norteamericana en los últimos años, y desde su estreno en 2005 no ha dejado de acumular galardones y alabanzas de la crítica y del público, aunque fuera de los Estados Unidos no tuvo tanto destaque. El aspecto que presenta la serie es claramente influenciado por el anime japonés, y los mismo creadores de la serie, Michael DiMartino y Bryan Konietzko, dijeron que su mayor inspiración fueron las obras del director Hayao Miyazaki ("El Viaje de Chihiro"); una muy evidente muestra de eso es Appa, pues el bisonte volador es idéntico al Gatobús de "Mi Vecino Totoro" (1988). Muchos conceptos como el del Mundo de los Espíritus de "Avatar" también recuerdan a Miyazaki. Para muchos críticos, cuya opinión comparto, "Avatar" es simple y llanamente la mejor serie animada estadounidense jamás hecha, y una de las mejores series en general salidas del país del Norte.

    Se trata, en teoría, de una serie apuntada a niños de 6 a 11 años, pero realmente ese cuento de Nickelodeon es ridículo. Estamos hablando de una serie que, si bien no contiene violencia gráfica ni contenido sexual alguno como, digamos, algunas series japonesas, igualmente trata temas increíblemente adultos, como el genocidio, el odio entre padres e hijos, hermanos y hermanas; si bien la serie puede ser perfectamente vista por infantes de las mencionadas edades, es difícil que ellos (al menos la mayoría) comprendan la profundidad a la que llegó la serie. La "película" no es la excepción, pues Azula es protagonista de una gradual, conmovedora y a la vez perturbadora transformación de su siempre calmado y frío ser; a mi parecer la escena de Azula y su madre en el espejo es de un nivel simplemente superior a cualquier cosa vista en animación estadounidense jamás, por su animación y la belleza de la forma en que está escrita. El dilema que plantea Aang también es muy válido, y tiene un aire de realismo increíble, cuando vemos su frustración al ver que todo le indica que deberá hacer lo que tanto odiaría hacer. Vale resaltar también la gran escena del reencuentro de Zuko con Iroh, y la conmovedora disculpa del joven, donde la maestría de los escritores brilla con mayor intensidad.

    La animación es simplemente maravillosa. "Sozin's Comet" hace alarde de algunas de las mejores y más espectaculares batallas animadas vistas en televisión, muy por encima incluso de series japonesas como "Naruto". Hay cuatro grandes batallas: la reconquista de Ba Sing Se, la capital del Reino Tierra por parte de la Sociedad del Loto Blanco, de la cual Iroh es líder; el sabotaje de la flota de aeronaves por Sokka, Suki y Toph; el duelo entre Azula y Zuko, en el que también interviene Katara; y el enfrentamiento final de Aang y Ozai. Si bien lo que ocurre en Ba Sing Se no parece muy novedoso, al menos bajo los estándares de "Avatar", las otras quitan el aliento...Toph se luce en su participación en la toma de una aeronave, en una muestra de ingenio e imaginación envidiables del director y los animadores. Aang y Ozai tienen una batalla que demuestra lo que "Dragon Ball Z" tendría que haber hecho en vez de repetir imágenes por 20 minutos.

    Pero las palmas van para el duelo entre hermano y hermana; la banda sonora da un giro de 180 grados y pasa consistir en una melancólica sinfonía de cuerdas cuando Azula comienza a atacar, lo que contrasta enormemente con la acción y aún así, de alguna forma, eleva la categoría de la escena a niveles increíblemente altos. No quisiera dar muchos detalles sobre las tres mejores batallas de "Sozin's Comet", pero les prometo que cuando terminen de verlas, verán el género de la animación con otros ojos. 

    Aunque se ha confirmado que este es el final definitivo de la serie, se han dejado preguntas sin respuesta, una de ellas muy importante. Sin embargo, no se trata de un simple error de los guionistas, pues resulta evidente que las omisiones fueron perfectamente intencionales. El futuro, por lo tanto, promete más "Avatar", sea en forma de alguna eventual serie basada en su universo, o en forma de la trilogía de películas en live action, la primera de las cuales se encuentra ya en pre-producción bajo la dirección de M. Night Shyamalan ("El Fin de los Tiempos").

    En fin, se trata de un final perfecto para una serie que simpre rayó en lo perfecto. Un futuro clásico, no hay duda de eso.

    

    

    

      

    

Diary of the Dead (2007)

"Are we worth saving? You tell me." - Debra

Una película de George A. Romero

Producida por Peter Grunwald, Art Spigel, Sam Englebardt, Ara Katz y Dan Fireman

Escrita por George A. Romero

Elenco: Michelle Morgan, Josh Close, Shawn Roberts, Amy Lalonde y Joe Dinicol

Calificación: 3,5/5

    Sí, ya lo dije en otro análisis que hice en este blog: me gustan este tipo de filmes sobre personas que tratan de escapar un desastre apocalíptico, pero me gusta mucho más cuando dicho desastre apocalíptico consiste en cosas que devoran gente. No lo sé, supongo que se puede llamar un "placer culpable", principalmente dada la reacción de algunas personas que suelen fruncir el ceño ante este tipo de filme y la gente que gusta de ellos; yo, por mi parte, no me siento culpable y no me sentiré así aunque me lo demanden todos los ceños fruncidos del mundo...

    Y cuando de cosas que devoran gente se trata, nadie en el mundo del cine puede poner en duda que el patriarca es George A. Romero. Romero escribió su nombre en el libro la historia de Hollywood usando sangre como tinta con el estreno de la legendaria "Night of the Living Dead" (1968), que generó un culto en los Estados Unidos que nada tiene que envidiarle a los generados por "Star Wars" o "Star Trek". Dicho culto sólo fue creciendo con las sucesivas películas que Romero añadió a lo que ahora llamamos su "Saga de los Muertos"; entre otros proyectos a lo largo de cuatro décadas, Romero estrenaba "Dawn of the Dead" (1978), "Day of the Dead" (1985) y "Land of the Dead" (2005), además de prestar su nombre y sus servicios como guionista a las remakes de "Night of the Living Dead" (1990, de Tom Savini) y "Dawn of the Dead" (2004, de Zack Snyder). Ahora Romero nos entrega la quinta parte de su "Saga".

    En "Diary of the Dead" vemos, como explica Debra (Michelle Morgan) al principio, todo lo que su novio Jason (Josh Close) y sus amigos filmaron durante su huída de las hordas de muertos vivientes, con edición y música añadida por ella misma "para asustarlos". Nos narra los acontecimientos que vivieron un grupo de estudiantes universitarios y un profesor mientras que se encontraban filmando una película de terror amateur en un bosque cerca de su universidad cuando comienza la catástrofe. Enterados ellos gracias un noticiero on-line, vuelven inmediatamente a la universidad, pero la encuentran completamente desierta. Entonces, confiados en que la situación se controlará, deciden irse; se montan en una RV con la intención de que cada uno vuelva a su respectivo hogar. 

    El formato en que Romero nos presenta la película es el mismo que hiciera famoso la revolucionaria "The Blair Witch Project" (1999, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez) y que este mismo año viéramos en la genial cinta "Cloverfield" (de Matt Reeves), haciéndo al espectador ver el filme desde el punto de vista de alguien que está filmando lo que ocurre, si bien esta película, a diferencia de las otras dos mencionadas, cuenta con banda sonora y edición. Por supuesto esta perspectiva conlleva a mucho movimiento confuso y mareante de cámara, principalmente en las escenas de acción como ataques de zombies o huidas, pero también incrementa el realismo hasta tal punto que uno llega a creer que está con los personajes, y que lo que se ve está pasando delante de uno mismo. Una gran experiencia, sin duda, que mejora de manera proporcional al tamaño de la pantalla en la que se ve.

    El género zombie ha visto un despertar en estos últimos años, desde que saliera a la luz en 2002 "Resident Evil" (de Paul W. S. Anderson), la adaptación al cine del celebrado juego de vídeo homónimo. Posteriormente llegarían "Exterminio" (2003, de Danny Boyle) y su secuela de 2007, "Exterminio 2" (de Juan Carlos Fresnadillo), además de la ya mencionada remake de "Dawn of the Dead". Ahora bien, la diferencia que más ha sido notada y discutida por los fans del género es que en las películas de Romero los zombies se mueven lentamente, mientras que en la remake de Zack Snyder y en el filme de Boyle y su secuela, los muertos (o infectados) se mueven a gran velocidad, corriendo tanto o más rápido que las personas normales. Presten atención porque en "Diary" Romero hace un no tan sutil comentario al respecto por medio de Jason. Aunque no me moleste que los zombies corran, me pareció bastante lógico el argumento de Romero (aunque la excusa de Snyder para sus zombies tenía tanto o quizá más sentido, y en "Exterminio", los zombies en realidad no están muertos, sólo infectados).

    Hay, por supuesto, defectos en el filme. Tal vez sea sólo porque "Cloverfield" existe, pero "Diary" parece un poco artificial por momentos en lo que al punto de vista en primera persona se refiere; a lo largo del filme, y gracias a la edición de Debra, vamos pasando de la vista desde la Panasonic HDX-900 de Jason a una HBX-200 que el grupo encuentra en su desastrosa incursión en un hospital, a ver la acción desde la cámara integrada de un teléfono celular que una de las integrantes del desventurado grupo lleva consigo. Principalmente cuando vemos desde el celular, se pierde un poco el realismo, pues la cámara está perfectamente estática, algo muy difícil de lograr en la vida real aún cuando se está en perfecta calma. A lo largo del filme también se hace una interesante alusión a cómo la tecnología y la comunicación cambiaron el mundo, algo que los personajes de las antiguas películas de Romero hubieran encontrado muy bienvenido; Jason, mediante su laptop, descarga varios vídeos de YouTube, aunque tienen el mismo problema que los vídeos del celular: tienen una apariencia demasiado producida para pasar por auténticos videos de aficionados, al menos la mayoría. La lentitud de los zombies también puede considerarse una cualidad negativa, pues le quita esa deseperación al estilo de "Aliens" (1986, de James Cameron) que tenían "Exterminio" y el "Dawn" de Zack Snyder. Da la sensación de que basta con buscar un arma de alcance relativamente largo para estar a salvo...Bueno, díganle eso a los personajes del filme...

    Los principales detractores de estos filmes son los que los colocan en la misma bolsa con simples películas "slasher" como las secuelas de "Viernes 13", "Pesadilla en Elm Street" o "Halloween", por nombrar ejemplos. Lo que no todo el mundo parece entender es que una película, como prácticamente todo en el mundo, nunca debe ser juzgada superficialmente. Todas las películas de la "Saga" de George Romero, con excepción tal vez de "Land of the Dead" esconden algo bajo su caparazón de sangre e intestinos esparcidos: son una sátira de la sociedad y sus más bajos y negativos aspectos, eso que cada persona esconde bajo capas de comportamiento correcto y modales en público, pero que puede salir a la luz cuando lo dicho pierde completamente importancia. Lo que Romero ha venido haciendo desde hace 40 años es utilizar a sus no-muertos para ponernos frente a un espejo...racismo, consumismo, adicciones, son sólo algunos de los reflejos que nos devuelve. En ocasiones se puede ver claramente lo que Romero se pregunta, muy especialmente en los últimos segundos del filme...¿Quiénes son los monstruos? Los zombies no hacen lo que hacen por malicia, lo hacen por instinto, como los mosquitos...Pero los seres humanos hacemos daño a veces por deporte, por diversión...La brutal última escena del filme es un llamado de atención sobre este punto.

    Las películas que se quedan en el recuerdo de quien las ve son las que nos hablan sobre nosotros mismos, sobre la condición humana, con todos sus puntos positivos o negativos. Y "Diary of the Dead" es, efectivamente, inolvidable. Créanme, esa última escena se quedará con ustedes por mucho, mucho tiempo.

  

    

    

War, Inc. (2008)

"Will you kill the motherfucker so we can get the hell out of this shithole?" - Marsha Dillon

Una película de Joshua Seftel

Producida por John Cusack, Grace Loh, Les Weldon y Danny Lerner

Escrita por Mark Leyner, Jeremy Pikser y John Cusack

Elenco: John Cusack, Marisa Tomei, Hilary Duff, Joan Cusack y Ben Kingsley

Calificación: 1.5/5

    Debo admitir que pequé de confiado al alquilar ésta película; juzgué al libro (o DVD) por su portada, y su portada me decía que estaba a punto de llevarme a casa una película como la genial "Gracias por Fumar" (2007, de Jason Reitman), una sátira ingeniosa y atrevida a la industria tabacalera. Ya por ese entonces me di cuenta de que "War, Inc." no es un título tan sutil, ni siquiera original, pero eso en mi opinión era lo de menos. Tan confiado estaba que ni siquiera leí la sinopsis en el reverso de la caja...y pagué por mis pecados. Aún un reparto de estrellas no logra salvar a esta película, que simplemente hace mal todo lo que "Gracias por Fumar" hizo bien.

    El confuso argumento del filme nos sitúa en un futuro cercano, en el cual las guerras ya no son llevadas a cabo por países, sino por corporaciones con ejércitos privados.Una de ellas, Tamerlane, propiedad del vice-presidente de los Estados Unidos, está ocupando militarmente un país de Oriente Medio, Turaquistán. Entra en escena Brand Hauser (John Cusack), un asesino a sueldo con un misterioso pasado a quien el vice-presidente encarga el asesinato del dueño de una empresa petrolera que amenaza los negocios de Tamerlane. La pantalla de Hauser será que es el respondable de las Relaciones Públicas de Tamerlane, que entre otras cosas está a cargo de organizar la fastuosa boda de Yonica Babyyeah (Hilary Duff), una escandalosa cantante de pop del Medio Oriente. También deberá lidiar con una reportera anti-ocupación (Marisa Tomei) mientras planea el asesinato que le encargaron, pero pronto su pasado empezará a pasarle la factura.

    Como dije, la sutileza no es un factor aquí, ni mucho menos. Es algo que al principio puede parecer ingenioso y atrevido, pero pasa muy pronto a ser absurdo e llanamente innecesario; ¿Por qué no simplemente usar el escenario mundial actual, en vez de hacernos tragar innecesariamente países ficticios y corporaciones que incician guerras? ¿Tuvieron miedo los realizadores de herir sensibilidades acaso? Me remito una vez más a "Gracias por Fumar"; no me sé las cifras reales, pero calculo que el cigarrillo mata a muchas más personas que la guerra en Iraq o Afganistán, muchas más, y aún así Jason Reitman y sus guionistas no tuvieron miedo de atacar ese frente. No me malinterpreten, el blanco al que apunta "War, Inc." es perfectamente válido, y en las manos correctas, podría haber salido algo muy bueno, pero no estuvo en la manos correctas, así de simple. Tamerlane sería una referencia a los Estados Unidos, lo que es especialmente innecesario dado que el mismo vice-presidente de dicho país (un cameo de Dan Aykroyd) maneja la corporación, y hubiera sido más simple (y mas atrevido) ubicar directamente a Estados Unidos tras el conflicto. 

    Otra parte en la que se nota la falta de sutileza es en el personaje de Yonica, a la que un personaje se refiere como "la Britney Spears del Medio Oriente". Debería mandar un e-mail a los escritores agradeciéndoles esa aclaratoria línea de diálogo; Yonica es interpretada por Hilary Duff, una cantante/actriz que estuvo en un show muy famoso de Disney ("Lizzie Maguire") antes de dar el salto a la pantalla grande y al éxito como cantante pop; sus actuaciones tienen un altísimo grado de erotismo, a veces ridículamente exagerado; se va a casar con un playboy/rapero novato de Turaquistán...Sí, las demasiado simples mentes del público jamás hubieran podido entender el chiste sin la explicación...

    El filme tiene sus momentos de gracia, la mayoría de ellos de parte de Joan Cusack (que prestó su voz en el filme de 2005 "Chicken Little"), que le roba el show a su hermano en todas las escenas que comparten interpretando a la "secretaria" de Hauser. Además de eso, sin embargo, no hay demasiado que ayude...John Cusack ("1408") parece estar diviertiéndose con su propio guión, pero definitivamente le queda mucho mejor el rol de actor serio. Duff hace lo que está en el filme para hacer, verse provocativa, aunque su actuación es bastante aceptable, pero con breves lapsos decididamente negativos. Marisa Tomei ("Wild Hogs") puede hacer más que lo que demuestra aquí, limitándose a ser el obligatorio personaje quisquillosamente moralista. Y Ben Kingsley ("Bloodrayne")...bueno, de él no puedo hablar mucho sin incurrir en spoilers...

    En conclusión, "War, Inc." podría haberse beneficiado de un mejor guión...o un mejor director...o incluso de un póco de lógica, elemento que va en picada en el filme desde su mismo comienzo para terminar chocando contra el suelo al final como si de un avión sin motores se tratara. Como dije, el blanco al que apunta es válido, pero el tiro es muy mediocre.

    

Shutter (2008)

"What did you do to her?" - Jane Shaw

Una película de Masayuki Ochiai

Producida por Taka Ichise, Roy Lee y Doug Davidson

Escrita por Luke Dawson

Elenco: Rachel Taylor, Joshua Jackson, Megumi Okina, David Denman y Jonh Hensley

Calificación: 3/5

    Así es, una más...Otra remake de una película de terror oriental. Es este caso, sin embargo, hay una diferencia con las demás remakes que han venido saliendo a lo largo de éstos últimos años (la serie "La Llamada", "El Grito", "Latidos" "Una Llamada Perdida", etc.), y es que la versión original de "Shutter" ("Imágenes del Más Allá" en Latinoamérica) no es japonesa, sino tailandesa. ¿Qué tanta diferencia hace eso en el producto que la visión norteamericana del original nos presenta? No mucha, si la comparamos con algunas de las ya mencionadas remakes de filmes japoneses. Sin embargo, es sorprendente cómo en este caso el resultado no es completamente horroroso (en el mal sentido, claro) como sí lo fuera en "Una Llamada Perdida", por dar un poco honroso ejemplo.

    Tal vez mucho de la responsabilidad la tenga la elección que se hizo del director. Como ya se había hecho con las dos películas de "El Grito" y "La Llamada 2", contrataron a un director japonés para hacer el trabajo, en vez de dárselo simplemente a algún desconocido chivo expiatorio de que se podría prescindir en caso de que el filme fuera un fracaso. Es bien sabido que aún con un guión débil, un buen director puede sacar un resultado favorable, y si no me creen pregúntenselo a Timur Bekmambetov ("Wanted") o a M. Night Shyamalan ("El Fin de los Tiempos").

    Y el guión de "Shutter" no es especialmente fuerte...Nos cuenta la historia de una joven pareja de recién casados, Ben Shaw (Joshua Jackson) y Jane (Rachel Taylor), que van de luna de miel a Japón, donde Ben, fotógrafo de profesión, consiguió un empleo. Pero mientras Rachel conduce por una carretera de noche y Ben duerme, camino a su apartado hotel, una mujer se cruza en su camino; Rachel no puede evitar atropellarla, pierde el control y va a estrellarse a un lado del camino. Rachel sale ilesa, Ben con una molestia en el hombro...¿Y la mujer? Rachel está segura de que la mató, pero no encuentran rastros de ella, ni viva ni muerta. Como si ni siquiera hubiera estado ahí...Tras dar parte a la policía, la pareja intenta seguir con su luna de miel, y es ahí donde los extraños fenómenos comienzan. En las fotografías que la pareja toma (tanto las tradicionales como las digitales), se puede apreciar una mancha blanca. A Rachel luego se le comienza a aparecer la mujer que atropelló. Así comienza el desesperado intento de la mujer por descubrir la identidad de su fantasmal perseguidora, y la razón de todo lo que está ocurriendo.

    Si bien la premisa puede llegar a parecer repetida, por usar la ya gastada forma de "rubia americana (en este caso al menos en parte), mas fantasma femenino japonés de piel blanca y pelo negro lácio, más algún tipo de muerte horrible que desencadena una maldición" ("El Grito", de nuevo), es justamente en ese aspecto en el cual "Shutter" síenta las diferencias que la sitúan por encima de la muchos de los últimos filmes del género. Vemos mucho de los clichés que siempre vemos en este tipo de película: fantasmas que aparecen en los cristales de las ventanas, o entre las sábanas de la cama...incluso lo de los borrones blancos en las fotografías no es nada nuevo, pues ya se había usado, por ejemplo, en "Sexto Sentido" (1999, de M. Night Shyamalan).

    Así, el filme presta elementos de varias y diversas fuentes; como acabo de decir, está lo de los fantasmas en las fotos, que ya se vio en muchas películas; también hay un gran parecido con la temática de la serie de juegos de video de Tecmo, "Project Zero" ("Fatal Frame", a este lado del Pacífico), en los cuales el jugador debe moverse en casas llenas de fantasmas sin otra arma que una cámara fotográfica. El concepto de la "fotografía espiritual" es ya famoso en todo el mundo, crean en fantasmas o no; la gran mayoría de las fotografías de este tipo que salen son montajes, algunos muy obvios y otros mejor elaborados, y la forma en que el filme aborda esa situación de "falso o verdadero" es refrescante.

    El reparto no sobresale especialmente entre los demás filmes del género, aunque Joshua Jackson (quien podía ser visto en la serie de TV "Dawson's Creek") tiene momentos de brillo, en especial en los momentos finales de la película. A Rachel Taylor ("Transformers") le piden básicamente que trate de repita lo que hicieron Naomi Watts y Sarah Michelle Gellar en sus respectivos papeles en "La Llamada" y "El Grito", lo que no es del todo malo, ya que Taylor maneja bien el papel, aunque sin llegar a sobresalir. El resto del elenco tampoco hace mucho por elevar este filme de entre otros parecidos; Megumi Okina (que estaba en la película que inspiró "El Grito, "Ju-On") no dice casi nada en todo el filme, y el aporte que hacen David Denman ("Cuando un Extraño Llama") y John Hensley (de la serie de TV "Nip/Tuck") como los amigos de Ben en Japón es escaso, aún cuando son claves para el desarrollo de la trama.

    Lo que realmente separa a "Shutter" del resto de películas similares es cómo logra algo que yo no recuerdo haya sido logrado por otro filme en muchos años, desde "El Espinazo del Diablo" (2001, de Guillermo del Toro): logró ponerme del lado del fantasma...en vez de preocuparme por la bella pareja de seres vivos y corpóreos y sus amigos, me encontré deseando muy claramente que el fantasma obtuviera lo que quería. En cuanto a qué es, bueno, los giros de la trama no son precisamente del nivel de "Sexto Sentido", ni mucho menos, pero eso no significa que yo tengar que empezar a tirar spoilers a diestra y siniestra; y en las palabras de Forrest Gump, "eso es todo lo que tengo que decir sobre eso".

    Si bien es cierto que "Shutter" no pasará a la historia como un clásico (algo a lo que todo realizador tendría que aspirar con cada película que hace), es un viaje entretenido. Falta el puro terror que producía "La Llamada" en esta producción, pero si uno se deja llevar, puede ser que termine demasiado concentrado en tratar de encontrar al fantasma en los reflejos, en las ventanas o en cualquier cosa parecida que no se dará cuenta...Miren con atención.

The Incredible Hulk (2008)

"As far as I'm concerned, that man's whole body is property of the U.S. Army." - General Thaddeus Ross

Una película de Louis Leterrier

Producida por Avi Arad, Gale Anne Hurd y Kevin Feige

Escrita por Zak Penn y Edward Harrison

Elenco: Edward Norton, Tim Roth, Liv Tyler, William Hurt y Tim Blake Nelson

Calificación: 3,5/5

    Es una pena que Ang Lee tenga que recibir el dudoso honor de entrar al "Club de las Películas que Hacen que una Franquicia Tenga que Ser Reiniciada" (nombre acuñado por mi, por supuesto), club que fuera "fundado" por Joel Schumacher y su "Batman y Robin" (1997), considerada por muchos una de las peores películas de los '90.  Pues bien, en 2003 y con el cráter que dejó el impactante éxito de "Spider-Man" (2002, de Sam Raimi) aún humeando, Ang Lee estrenaba su adaptación al cine del comic de Marvel sobre la masa verde con verdaderos problemas de manejo de ira que era el más querido personaje de la Casa de las Ideas para muchos. "Hulk" recibio críticas mixtas, muy mixtas, aunque los críticos no fueron tan duros con el filme como podrían haberlo sido, pues no pudieron dejar de alabar el enfoque que le dio Lee a la historia, profundizando mucho en los aspectos filosóficos y psicológicos, como era de esperarse en él, ademas de la originalidad visual de la que hacía alarde; con la pantalla por momentos partida en varios recuadros, para muchos fue el filme que mejor logró capturar la apariencia de un comic jamás, y permanecería con tal título hasta la llegada en 2005 de "Sin City" (de Robert Rodríguez y Frank Miller). Para los críticos, todo eso estaba muy bien, y simplemente faltó el apoyo de un buen guión y una mejor ejecución.

    El público en general, en cambio, no fue tan benévolo con la película. Los cinéfilos repudiaron el filme por su falta de acción y su poco coherente historia, castigándolo con una relativamente pobre recaudación en taquilla a nivel mundial y la caída de lo que anteriormente se perfilaba como una exitosa franquicia más para Marvel, como ya había empezado a ser "Blade" y empezaba a ser "Spider-Man", en el limbo cinematográfico. Afortunadamente, a pesar de todo el odio y las maldiciones que le dedicaron los más fanáticos seguidores del monstruo verde, no hubo un efecto permanente en la carrera de Ang Lee, pues el ya previamente oscarizado director, que en 2001 ganó la estatuilla a Mejor Película Extranjera por "El Tigre y el Dragón", recibió en 2005 el galardón al Mejor Director por la ya mítica "Secreto en la Montaña", cinta que entre muchas otras nominaciones peleó por el Oscar a la Mejor Película. Tampoco los actores salieron muy lastimados, pues todos los protagonistas han tenido al menos un proyecto exitoso después. En otras palabras, el único perjudicado fue el mismo Hulk.

    ¿Cuál es la solución?, se habrán preguntado los ejecutivos de Marvel al darse cuenta de que Hulk era dinero que...no estaba llegando a sus bolsillos al nivel en que tendría que estar haciéndolo. Simplemente seguir la receta de Christopher Nolan, y empezar de cero, como si nunca hubiera habido una versión de Hulk dirigida por Ang Lee. Así que los derechos se pasaron de la Fox a Universal Pictures, se escribió un guión totalmente nuevo, Ang Lee fue reemplazado por Louis Leterrier ("El Transportador 2") en la silla del director, el australiano Eric Bana cedió el papel de Bruce Banner a Edward Norton ("El Ilusionista"), Jennifer Conelly fue reemplazada por Liv Tyler (la trilogía "El Señor de los Anillos") en el papel de Betty Ross, y, por último, William Hurt ("Puntos de Vista") se hizo cargo del papel del General Ross, que fuera interpretado en la otra versión por Sam Elliott. Aparentemente los ejecutivos de Universal estaban especialmente empeñados en distanciar su producto lo más posible del de Fox. ¿Se logró? En la medida de lo posible sí, teniendo en cuenta que se trata de un personaje muy icónico en la cultura pop.

    El filme no hace una exhaustiva explicación de cómo el Dr. Bruce Banner (Norton) sufrió el accidente con radiación gamma que lo convirtió en la masa de músculos verde, tal y como sí lo hiciera Ang Lee. Leterrier lo hace más como un recordatorio casual, un "en caso de que lo hayan olvidado, pasó esto y esto...y ahora vamos a lo nuestro". El filme abre con Banner viviendo en una favela de Río de Janeiro, Brasil, tras haber huído del Ejército de los Estados Unidos, que desea utilizarlo como arma. Mientras se esconde en la ciudad, Banner se esfuerza en aprender a controlar su ira y su ritmo cardiaco y no deja de buscar una cura, siendo ayudado a distancia por alguien que se hace llamar "Sr. Blue". Pero un error que comete mientras se encuentra trabajando en una planta de bebidas gaseosas permite a sus perseguidores enterarse de su paradero, y en un abrir y cerrar de ojos, un grupo comando liderado por el General Ross (Hurt) y el veterano soldado Emil Blonsky (Tim Roth) lo acorrala, haciendo que lo peor de él salga a la superficie, literalmente hablando. Las circunstancias fuerzan a Banner y a su gigantesco alte ego a huir por su vida mientras, en compañía de Betty, colega, interés amoroso de Bruce e hija del General, buscan desesperadamente la tan ansiada cura. 

    Sí, ésta es decididamente una película de acción, y mucha acción, una vez más para diferenciar bien al filme de su versión de 2003. Tenemos persecuciones a pie por las callejuelas de la favela, escaramuzas que involucran maquinaria pesada, batallas campales en un campus y un obligatorio duelo a muerte que siembra el caos en la ciudad más golpeada en la historia del cine: por supuesto, estoy refiriéndome a Nueva York. Y cada una de las escenas está filmada de manera impecable, con la cámara adoptando el frenético ritmo de las batallas y moviéndose acorde a la situación. Y en el apartado de efectos especiales, sólo echando un vistazo al nuevo Hulk y a su némesis en esta ocasión es suficiente para que quedemos asombrado de lo mucho que puede evolucionar la tecnología al servicio del cine, incluso cuando ya parecía que llegaba al máximo en cuanto a niveles de espectacularidad y realismo se refiere. Cada músculo, cada pelo, cada gota de agua de lluvia que cae sobre Hulk, la apariencia de la Abominación, todo cuenta con un maravilloso nivel de detalle. 

    En esta ocasión se ha llegado incluso a cambiarle la apariencia a Hulk, dándole una tonalidad más oscura de verde, además de una musculatura mucho más marcada que la de su antecesor, haciéndolo parecer mucho más amenazador. Pero, curiosamente, también llega a parecer más vulnerable, más humano que la versión de Ang Lee, que no tenía ningún problema para saltar kilómetros, destrozar un par de helicópteros, saltar un poco más, arrancarle el cañón a un tanque y usarlo para destruirlo, lanzar otro tanque como una bolsa de supermercado y seguir saltando. No, uno llega a preocuparse verdaderamente por éste Hulk. 

    Gran trabajo de Edward Norton, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados; el actor tiene una apariencia increíblemente frágil y escuálida, lo que hace un impactante contraste con su ser verde interior, pero uno nunca olvida que se trata de la misma persona transformada; a diferencia de la versión del 2003 (¿cuántas veces más voy a decir eso?), Leterrier no profundiza tanto en la relación amorosa entre Bruce y Betty, lo que le quita tiempo de pantalla a Liv Tyler, y creo que si bien no está del todo mal, se podría haber dedicado aunque sea un poco más de tiempo a la situación; bueno, para eso se inventaron las secuelas. Lo mismo que dije de Tyler se puede decir de William Hurt, a quien definitivamente podían haber usado mucho más, tanto por la importancia de su personaje en la historia de Hulk como por la importancia del mismo Hurt como actor. Mucho del protagonismo que les quitaron a Tyler y a Hurt se lo dieron a Tim Roth ("El Planeta de los Simios" de Tim Burton), que hace un buen trabajo llenándolo con su interpretación de Emil Blonsky, aunque lastimosamente la calidad del personaje se va deteriorando hacia el final.

    En conclusión, éste reinicio de la franquicia de la irritable pared verde de músculos no deja de tener esa incómoda sensación de tratarse de un episodio muy largo de una serie de TV (a propósito, estén atentos a las obligatorias apariciones de Stan Lee y Lou Ferrigno, que me parecieron bastante más ingeniosas que en la anterior versión), pero se trata de un excelente episodio, de todos modos, que contiene todo lo que los fans decían que le faltaba a la obra de Ang Lee y prescinde de todo lo que decían que le sobraba. Mención honorífica para la última escena del filme, que para los fans de los comics de Marvel muy seguramente será un sueño hecho realidad, por lo que confirma. Sólo podemos decir que el futuro se ve bueno para el género de los super-héroes.

Wanted (2008)

"What the fuck have you done lately?" - Wesley Gibson

Una película de Timur Bekmambetov

Producida por Marc E. Platt, Jim Lemley, Jason Netter y Iain Smith

Escrita por Michael Brandt, Derek Haas y Chris Morgan

Elenco: James McAvoy, Angelina Jolie, Morgan Freeman, Terrence Stamp y Common

Calificación: 3/5

    Por una vez en mi vida agradezco no haber leído el material que fue inspiración para la película. Un problema muy común que tienen, por ejemplo, los filmes de "Harry Potter", es que sus más fieles fans (yo entre ellos, aunque lo mío es más bien leve en comparación a otra gente) siempre van a encontrar algo que atacar, un aspecto que para ellos, que probablemente se la pasaron estudiando el libro de principio a fin como una especia de previa antes de ver la película, no llena sus expectativas. Sucede más o menos lo mismo con las adaptaciones a la pantalla grande de series de TV ("Shaft", "S.W.A.T.", "Miami Vice", etc), videojuegos ("Mortal Kombat", "Tomb Raider", "Doom" y la recién estrenada en los Estados Unidos "Max Payne") y, como es el caso de "Wanted", historietas. 

    No muy conocido por estos rumbos, el comic de Mark Millar se ha convertido en un culto en los Estados Unidos, por lo que el anuncio de la adaptación generó bastante expectativa. Y si bien el filme fue generalmente bien recibido por crítica y público en general, los fanáticos han atacado la película, argumentando que demasiado del comic ha sido cambiado, y llegando hasta a tratar a Millar de "vendido". Ahí es donde creo que soy muy afortunado al estar libre de esos prejuicios, porque eso me permitió disfrutar la película como se debe...Y hay mucho qué disfrutar.

    "Wanted" es la historia de Wesley Gibson (James McAvoy), un contador sin identidad que es constantemente pisoteado por su jefa y cuya novia lo engaña con su amigo y compañero de trabajo, y además sufre de constantes y fuertes ataques de ansiedad.  En pocas palabras, no es nadie, y él mismo se considera nada...Hasta que una noche, mientras se encuentra en un supermercado, es abordado por una mujer llamada Fox (Angelina Jolie), que le cuenta que el padre de Wesley, un asesino experto a quien el joven no conocía, fue muerto ese mismo día, y que él también es un blanco. Wesley es llevado ante la Fraternidad, una sociedad de asesinos con poderes sobrehumanos que, como dice su líder Sloan (Morgan Freeman), se encargan de "eliminar a las personas que el Destino quiere muertas". En adelante, Wesley es puesto en entrenamiento para poder controlar sus poderes y vengar la muerte de su padre, aunque pronto se dará cuenta de que nada es lo que parece.

    Está bien, es cierto que la fuerza de la película no está en su argumento; en este caso, más bien, el argumento no pasa de ser un soporte para la verdadera sustancia vital del filme: las maravillosas escenas de acción, los protagonistas, los increíbles efectos especiales y la imaginación de los escritores, productores y el director. El director, por supuesto, es el kazajo Timur Bekmambetov, responsable de dos de las películas más exitosas en la historia de Rusia, "Guardianes de la Noche" (2004) y su secuela "Guardianes del Día" (2006). Ambas películas hacen también alarde de un impresionante despliegue de efectos visuales, y creo que no había mejor opción que Bekmambetov para hacer una película como "Wanted". El hombre tiene un don para presentar imágenes que quitan el aliento; mientras en las películas "Guardianes" éramos testigos de personas usando cables de alta tensión como látigos gigantes, una gigantesca rueda de la fortuna creando caos en las calles de Moscú y un convertible rojo desplazándose por el costado de un edificio, esta vez la acción no es tan variada e inventiva...pero esta vez hay armas de fuego y más autos, muchas armas de fuego y autos, y como el guión no le permite al director exponer una infinita variedad de peleas paranormales y objetos comunes hechos armas, Bekmambetov ataca el problema de la siguiente manera: les da a las herramientas con las que cuentan sus personajes (las ya mencionadas armas de fuego y autos) un fantástico número de variaciones en su uso, y el resultado final es que termina siendo tan impresionante y fresco como las escenas de acción de "Guardianes"; vemos balas doblando esquinas, chocando en el aire unas con otras, atravesar cabezas para luego retroceder en el tiempo hasta momentos antes de ser disparadas, arrancarles las alas a moscas sin matarlas...

    Las actuaciones, si bien relegadas a un segundo plano (como todo lo demás) por el espectáculo visual, no dejan de estar a un muy buen nivel, y no se podía esperar menos del trío principal: James McAvoy (nominado al Globo de Oro por "El Último Rey de Escocia" y "Atonement"), Angelina Jolie (ganadora del Oscar por "Inocencia Interrumpida" y nominada por "Todo Corazón") y Morgan Freeman (ganador del Oscar por "Million Dollar Baby" y 3 veces nominado), aunque hay que decir que el único al que se le exigió bastante es a McAvoy, pues los personajes de Jolie y Freeman tienen muy poco tiempo de pantalla en comparación; unas cuantas escenas de acción y el desnudo obligatorio para Jolie y un par de monólogos interesantes para Freeman, pero muy poco aparte de eso.

    Como era de esperarse, este filme fue el blanco de un gran número de asociaciones contra la violencia y protectores de la niñez y la adolescencia; estas argumentan que la película glorifica la violencia con arma de fuego y el asesinato, siendo los principales blancos el poster de cartelera con Angelina Jolie y James McAvoy con armas en la mano y el monólogo de Wesley al final del filme, que me reservaré de decir. Y hay algo de razón en sus argumentos, sí, aunque en mi opinión personal se le da muy poco crédito al público. El individuo es inteligente por naturaleza, y sabe perfectamente que no es capaz de hacer, por ejemplo, que una bala altere su trayectoria como los personajes de la película lo hacen. 

    En conclusión, "Wanted" no es realista, no tiene un argumento muy elaborado, y no creo que lo tengan en cuenta para la temporada de premiación, que digamos...pero es muy probable que para cuando aparezca en pantalla el "Dirigida por" inmediatamente después de que Wesley nos hace una pregunta, uno esté sonriendo y respirando agitado, y tal vez con ganas de salir a correr o pelear con alguien...Eso sí, alejense de las armas de fuego y los autos.

El Orfanato (2008)

"No se trata de ver para creer sino de creer para ver..." - Aurora

Una película de Juan Antonio Bayona

Producida por Guillermo del Toro

Escrita por Sergio G. Sánchez

Elenco: Belén Rueda, Roger Princep, Fernando Cayo, Geraldine Chaplin y Edgar Vivar

Calificación: 4/5

    Estoy seguro de que ya nadie se atrevería aponer en duda que el cine de terror español es de gran calidad, y como muestra de ello tenemos dos obras maestras como son "Los Otros" (2001, de Alejandro Amenábar) y "El Espinazo del Diablo" (2001, de Guillermo del Toro)...Y ésta nueva joya del debutante J. A. Bayona, que apoyado justamente por Guillermo del Toro (la serie "Hellboy", "El Laberinto del Fauno"), quien produce el filme, deja una marca más del país ibérico en el cine mundial.

    El argumento es el siguiente: Laura (Belén Rueda), una mujer de 37 años, casada con un médico llamado Carlos (Fernando Cayo) y que tiene un hijo, Simón (Roger Princep), se muda de vuelta a la mansión/orfanato donde ella vivió su infancia. Laura tiene la intención de convertir el lugar en un hogar para niños discapacitados. Simón, por su parte, al no tener nadie de su edad cerca, suple ese vacío de compañía con amigos imaginarios, algo que preocupa un poco a Laura pero que no aparenta más que "cosa de niños"...Pero rápidamente todo empezará a volverse aterradormente real para Laura, con la llegada de nuevos "amigos" de Simón; que desatarán una acdena de acontecimientos que revelarán secretos increíbles sobre el pasado del orfanato.

    Puesto de ese modo, resulta obvio que la película toma prestado mucho de varias obras del género: el elemento de los amigos imaginarios recuerda un poco a la película de 2005 "Mente Siniestra" (de John Polson), mientras que el resto de la película tiene guiños películas como "Sexto Sentido" (1999, de M. Night Shyamalan) y las ya mencionadas "Los Otros" y "El Espinazo del Diablo"...incluso hay una toma en particular, en la que Laura retrocede de la puerta de un baño y cae violentamente de espaldas en una bañera mientras la cámara mira desde el techo, que es prácticamente idéntica a una escena en "El Amanecer de los Muertos" (2003, de Zack Snyder), aunque tal vez sea sólo una coincidencia...Sólo Bayona podría decirlo...

    El reparto es de primerísimo nivel, y todos dan interpretaciones extremadamente auténticas; Belén Rueda ("Mar Adentro") hace una muy creíble madre que haría lo que fuera por su hijo, hasta las últimas consecuencias; Fernando Cayo es el clásico escéptico, pero que a la vez se preocupa genuinamente por su esposa, y si bien su protagonismo no es mucho en la película, no deja de ser clave (sin un padre/esposo, el filme habría parecido a muchos un copia descarada de "Los Otros", un error fácil de cometer si se mira superficialmente al filme); una mención especial merece Roger Princep, que considue dar a Simón una inocencia que inmediatamente cautiva al público, lo que es imprescindible en este tipo de películas (resultaría redundante en exceso volver a repetir los mismos títulos que la repetí un par de veces en este comentario, así que me reservo la referencia); Bayona incluso se da el lujo de contar con Edgar Vivar (¿quién no recuerda en esta parte del mundo al señor Barriga y a Ñoño de la serie mexicana "El Chavo del Ocho"?) como un parasicólogo a quien Laura pide ayuda, y con Geraldine Chaplin (hija de Charlie Chaplin, que interpretara a su propia abuela en el filme de 1992, "Chaplin") como Aurora, una medium que intenta entrar en contacto con quienes están en la casa.

    Las tomas de Bayona son, de nuevo, muy parecidas a las que utilizó Guillermo del Toro en "El Espinazo del Diablo"; el novel cineasta dota a sus tomas de gran belleza estética, haciendo de los entornos personajes tan importantes como los habitantes de la casa. Si bien "El Orfanato" carece del despliegue de efectos visuales de la película de del Toro, tiene poco que envidiarle en cuanto a terror se refiere; es completamente sobre lo que no se ve, algo que uno asociaría más a Shyamalan que a del Toro, pues Bayona nos mantiene en la duda, siempre buscando algo en la pantalla que tal vez ni siquiera esté ahí, obligándonos a atajar la respiración ante la posibilidad de que algo aparezca...y cuando finalmente aparece, es una sensación increíble.

    "El Orfanato" no tiene las elaboradas y espectaculares criaturas de "El Laberinto del Fauno" o "Hellboy", aunque el impacto del primer fantasma igual en mi opinion, si no mayor...es simple pero increíblemente perturbador en su simpleza, y mucho más amenazante que varias criaturas gigantescas y de gran esplendor visual como las que últimamente aparecen por las pantallas. A mi parecer, eso se explica de la siguiente forma: con un monstruo enorme con garras y colmillos gigantescos, uno sabe qué esperar, y puede incluso tratar de defenderse; pero con algo como lo que se aparece en "El Orfanato", uno no sabe qué esperar, y eso es lo que lo hace tan terriblemente aterrador.

    Bueno, eso es todo lo que puedo decir de esta película sin empezar a arrojar spoilers, así que, en conclusión, si vas a debutar como director de cine, esta es definitivamente la forma en que se debe hacer, con calidad, actuaciónes de primera, gran manejo de las cámaras y los escenarios, un guión aterrador, unos momentos genuinamente sorprendentes y un final...un final que simplemente tendrán que ver.

    

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007)

"They all deserve to die. Tell you why, Mrs. Lovett, tell you why! Because in all of the whole human race, Mrs. Lovett, there are two kinds of men and only two. There's the one staying put in his proper place and one with his foot in the other one's face. Look at me, Mrs Lovett! Look at you! No, we all deserve to die, even you, Mrs. Lovett, even I!" - Sweeney Todd/Benjamin Barker

Una película de Tim Burton

Producida por Richard D. Zanuck, Walter F. Parkes, Laurie McDonald y John Logan

Escrita por John Logan

Elenco: Johnny Depp, Helena Bonham-Carter, Alan Rickman, Jayne Wisener  y Edward Sanders 

Calificación: 4/5

    Por sexta vez en sus carreras como director y actor respectivamente, Tim Burton ("The Corpse Bride") y Johnny Depp (la trilogía "Pirates of the Caribbean") nos entregan más de a lo que ya nos tienen acostumbrados, aunque con un ingrediente extra muy importante...Desde la primera vez que el visionario director y el actor nominado al Oscar unieron fuerzas,